Realism i konsten: egenskaper, ursprung och exempel

Konst är ett i sig mänskligt uttryck. Just därför, och på grund av den extraordinära kulturella mångfald som alltid har funnits, varje era och varje samhälle har utövat konstnärligt skapande på olika sätt, anpassat konsten till sina egna behov av uttryck och kommunikation.

Konsten har inte alltid sökt efterlikna verkligheten; inte bara under 1900-talets avantgarde upplevde den ett betydande avsteg från det, men det gjorde inte heller vi finner realism i det konstnärliga uttrycket av civilisationer som det gamla Egypten eller västerlandet medeltida. Det har dock funnits kulturer och historiska ögonblick där imitationen av naturen var det viktigaste, och idén var helt underordnad representationen av verkligheten.

Hur har realismen uppstått i konsten? Vad har din utveckling varit? I den här artikeln kommer vi att försöka dra en rundtur genom de olika konstnärliga manifestationerna och deras grad av realism.

Vad är realism i konst?

Det är viktigt att skilja mellan två begrepp: Realism som konstnärlig riktning och Realism som kännetecken för ett konstverk.

. Sålunda, medan den första är en plastisk och litterär rörelse som är begränsad till decennierna som går från 1840 till 1880, realism m.b.t. kännetecknande för ett konstverk har att göra med graden av realism som verket uppvisar, nämligen: perspektiv, proportioner, volymer, rymd, etc

På så sätt tillhör inte alla realistiska verk realismens strömning, liksom ett inramat verk i denna rörelse behöver den inte presentera realistiska egenskaper (även om det senare inte är det vanligaste).

Egenskaper för realismen som en konstnärlig strömning på 1800-talet

Realismrörelsen uppstod i Frankrike och innebar ett tydligt svar på sin föregångare, romantiken. På detta sätt, medan den senare inspirerades av legendariska teman och förde mänskliga känslor till deras paroxysm, Realismen föreslog en radikal vändning och riktade blicken mot den omgivande verkligheten i vardagen. Denna realistiska vision av ämnena blev, med naturalismen (realismens "mörka" son), en smutsig utforskning av underjorden och mänsklighetens mörkaste situationer. Några av de viktigaste bildrepresentanterna för denna strömning är Jean-François Millet och, på det litterära området, Émile Zola, som anses vara naturalismens fader.

Så vi har att realism och naturalism, när det gäller konstnärliga strömningar från XIX, utforskar teman relaterat till vardagslivet och gå bort från motiv som inte bygger på en empirisk observation av omgivningen av konstnären. Det är därför både det ena och det andra (särskilt naturalismen) ofta representerar ett surt fördömande av den sociala osäkerhet som följde med den industriella revolutionen.

Å andra sidan är realismen som kännetecken för ett konstverk relaterad, som vi redan har sagt, till dess formella egenskaper. Med det här exemplet blir det ganska tydligt: ​​ett renässansverk som har ett matematiskt perspektiv och respekterar volymer av figurer är ett formellt realistiskt verk, men det är på intet sätt begränsat till strömmen 1800-talsrealist

• Relaterad artikel: Vilka är de 7 konsterna?

Sedan när existerar realism i konsten?

Redan i de första konstnärliga manifestationerna (den så kallade hällkonsten) finner vi egenskaper som vi kunde överväga realistisk. För trots att vi hos bisonen i Altamira och i hästarna representerade i grottorna i Lascaux (Frankrike) inte hittar någon indikation på perspektiv eller en autentisk önskan att representera en verklig scen, finner vi ovanliga detaljer i representationen av djur.

Trots detta kan vi ännu inte tala om realistisk konst, eftersom grottmålningar I allmänhet presenterar de en uppenbar schematisering och skulle snarare vara relaterade till en konst konceptuella. Egentligen, i stort sett, mänsklighetens konst var aldrig strikt realistisk förrän tillkomsten av Renässans, med undantag förstås grekisk och romersk konst.

I Egypten finner vi återigen en eminent konceptuell konst: försök görs att uttrycka koncept och idéer, och till och med scener dagliga aktiviteter följer markerade konventioner som inte har något att göra med en mimetisk representation av verkligheten omgivande. I det antika Egyptens konst är scenerna organiserade i horisontella band, och det finns ingen realistisk ordning av elementen i representationen.. Dessutom valdes de viktigaste delarna av varje element, så ansiktet representerades i profil, ögonen och bålen framför och benen åt sidan. Detta lydde inte någon verklighet och var uteslutande underordnat önskan att representera de mest igenkännliga delarna av varje element.

Det vill säga egyptierna "formade" verkligheten på sitt eget sätt. Nildalens konstnärer följde strikt ett skalsystem relaterat till betydelsen av den representerade individen. I samma scen och på samma plan finner vi alltså vissa figurer mycket större än andra. Denna storleksskillnad beror inte på något försök till perspektiv, utan är snarare kopplad till den (förresten, mycket strikta) hierarkin i Egyptier: en gud kommer alltid att representeras mycket större än en farao, den kommer alltid att vara mycket större än hans fru och barn, etc

Denna konceptuella representation kommer att återfinnas i medeltida konst, som vi kommer att se senare. Men mellan de antika civilisationernas konst och medeltiden fanns en kort parentes av realistisk konst: grekisk konst och romersk konst, som vi kommer att diskutera nedan.

• Du kanske är intresserad av: "10 kuriosa om kända konstverk"

Den "realistiska" parentesen: Grekland och Rom

Arkaisk grekisk konst var nära besläktad med sättet att representera folken i öst, särskilt Egypten. Men mot VI-talet f.Kr. c. något började förändras. Det är den så kallade klassiska grekiska perioden, där en typ av plastiska representationer som är mer förenliga med verkligheten uppmuntras.

Grekernas växande intresse för mänsklig anatomi har sitt ursprung i en skulptural produktion som strikt imiterar naturen. är grekisk mimesis, försöket att fånga verkligheten som den är, därför efter kriterier för proportion, volym och symmetri.

Men trots att de fångar oerhört realistiska anatomier i marmor och brons, låt oss inte glömma att dessa verk samtidigt lydde vad de förstod som "ideal skönhet". Med andra ord, även om de är anatomiskt perfekta, representerar gudarna och gudinnorna i grekisk skulptur prototyper, inte konkreta, identifierbara personer.

För att göra detta måste vi vänta på Rom, där individualiseringen når oanade höjder genom porträttet. Å andra sidan, de fresker som finns i Pompeji, särskilt de som motsvarar de så kallade andra och fjärde Pompeiansk stil, visa en realism som inte kommer att återfinnas i västerländsk måleri förrän den XV-talet.

Dessa målningar förblev dolda i århundraden, begravda av resterna av askan som producerades av Vesuvius utbrott. Paradoxalt nog gjorde katastrofen att lämningarna bevarades praktiskt taget intakta fram till upptäckten av ruinerna på 1700-talet. Upptäckarnas överraskning var enorm, för framför deras ögon visades några målningar av utsökt kvalitet och en ännu mer överraskande realism.

Faktum är att i fresker i den så kallade andra pompeianska stilen visas de genom ett fönster fiktiva mycket utarbetade arkitektoniska perspektiv, som verkligen verkar "öppna" ett utrymme i Vägg. Samma teknik användes många århundraden senare av Masaccio i hans fresk av Treenighet, från den florentinska Santa Maria Novella, som förvånade hans samtida eftersom det verkade öppna ett hål i kyrkans vägg.

medeltida plast

Masaccios arbete var mycket nyskapande för sin tid; Låt oss tänka att sedan de pompeianska freskerna hade inget försök gjorts att skapa ett utrymme av så uttalad realism. Den medeltida konst som följde de sista åren av det romerska imperiet är i allmänhet (vi kan inte uppehålla oss här vid alla stilar och manifestationer) schematisk och utomordentligt konceptuell.

På samma sätt som egyptierna representerade medeltida konstnärer inte verkliga utrymmen och element, utan uttryckte snarare, genom målning och skulptur, en rad koncept och idéer. Element som symmetri och volym går förlorade i denna typ av arbete., men inte, som många har hävdat (och tyvärr fortfarande hävdar) för att "de inte visste hur man målade", utan för att deras mål när de representerade dessa verk inte var att imitera naturen.

Det finns många ämnen om romansk "uttryckslöshet"; uttryckslöshet som inte är sådan, vilket snabbt kan inses om man noggrant överväger några av de reliefer som har bevarats. För även om romansk plastkonst (och medeltida konst i allmänhet) är eminent konceptuell (precis som egyptisk plastkonst), så är det inte sant att den saknar uttryck. Problemet är att deras uttrycksform inte är vår, alltså många av de sätt som romanska konstnärer hade för att fånga känslor och känslor stämmer inte överens med vårt nuvarande språk.

Å andra sidan är många av den romanska konstverken laddade med detaljer, vilket kan manifesteras på hösten vecken av en tunika (schematiska, men ofta mycket detaljerade) eller i bårderna som dekorerar en duk från den sista Middag.

Att uppnå perspektiv

I början av 1400-talet markerade Filippo Brunelleschi en milstolpe i konsthistorien genom att etablera proceduren för matematiskt eller linjärt perspektiv. Lite senare skrev Alberti ner Brunelleschis nya teorier i sitt arbete av pictura (1435). Från och med då kommer västerländsk konst att bygga på dessa föreskrifter, som kommer att betraktas som grunden för "bra" måleri.

Så, Under hela 1400-talet och en del av 1500-talet försökte den italienska renässansen återge linjärt perspektiv i sina bildverk.. Detta perspektiv uppnås genom upprättandet av en försvinnande punkt, varifrån alla linjer som bygger målningens rum kommer fram. Detta producerar en optisk illusion som ger hjärnan en känsla av djup.

Den så kallade flamländska renässansen samexisterar med renässansen på den italienska halvön, en annan av de stora revolutioner inom måleriet som i detta fall utfördes av konstnärerna i Flandern på 1700-talet. XV. Dessa "flamländska primitiver" försåg sina verk med djup genom följden av plan och, Framför allt sätter de en milstolpe i bildrealism genom att återge alla detaljer i föremål. Det sägs att i Jan van Eycks målningar kan alla växtarter som förekommer katalogiseras tack vare mängden detaljer.

Det italienska matematiska perspektivet var dock den stora vinnaren av västerländsk konst i modern tid och från 1500-talet präglades realismen i det europeiska måleriet. Barockkonst är en utomordentligt realistisk konst eftersom den, trots att den är (ganska) berömmelse av att vara en upphöjd och mycket känslomässig konst, också reserverar en plats för representation av verkligheten: gamla män med rynkor, tandlösa ansikten, barn med smutsiga fötter, stilleben av frukt fångade med extraordinära realism…

Återgå till ursprunget till konstnärlig realism

Realistisk konst dominerade den västerländska konstscenen fram till mitten av 1800-talet, då de första avbrotten med "traditionell" konst dök upp.. Impressionister, estetiska strömningar och senare, fauves, ifrågasatte vad som sedan 1400-talet hade etablerats som den obestridliga grunden för "god" konst.

1900-talets avantgarde utgör alltså ett slags återgång till ursprunget. Avantgardekonstnärer, i sin iver att ta avstånd från akademisk och officiell konst, söker nya uttryckssätt och finner dem i förstörelsen av "realismen"; det vill säga perspektivet, proportionen, den kompositionella koherensen. Med ett ord, den strikta imitationen av verkligheten.

Känt är fallet med Picasso, vars teckningar ofta påminner om mozarabiska miniatyrer, eller de kubister som på liknande sätt som Egyptierna, mer än två årtusenden tidigare, bröt den realistiska visionen av föremål och reproducerade dem i en absolut subjektiv.

Hyperrealism och de nya realistiska strömningarna

Ofta svarar de olika strömningarna och konstnärliga uttrycken på varandra. Vi har redan nämnt i inledningen hur den realistiska rörelsen på 1800-talet var ett svar på de föregående decenniernas romantik. Jo, för närvarande finner vi i det konstnärliga panoramat en strömning som lyfter bildrealismen till oanade gränser; vi hänvisar till den så kallade hyperrealistiska strömningen.

Hyperrealismen föddes i slutet av 1900-talet, delvis som ett svar på den bildliga konstens konceptuella och abstrakta tendens.. Denna ström tar naturens imitation till sitt maximala uttryck, vilket gör dess målningar till fotografiska reproduktioner (i själva verket kallas det också för fotorealism). Skärpan i kompositionerna är sådan att den ofta är riktigt överväldigande för betraktaren; Det råder förstås ingen brist på belackare, som kallar det en enkel imitator av verkligheten.

Frågan är: ska konsten kopiera naturen, som de gamla grekerna argumenterade med sin mimesis, eller har den en "skyldighet" att bidra med något nytt? Om vi ​​utgår från att en imitation aldrig är en exakt återgivning av det äkta (eftersom det alltid passerar genom konstnärens såll), kanske det vi bör fråga oss är om "konst realistisk".