Edvard Munch: 20 lysande verk för att förstå expressionismens far

Edvard Munch är en norsk målare belägen i övergången från 1800-talet till 1900-talet och anses vara expressionismens fader. Hans arbete, skandalöst för många, väckte beundran hos unga konstnärer och den icke-specialiserade allmänheten. Dessa identifierades med den ångest som genererades av den snabba industrialiseringen och den rådande mekanismen.

För etablerade artister var orsaken till skandalen i Munchs tekniska frihet. För de konservativa sektorerna baserades det på det faktum att målaren öppet tog upp ämnen som sex, kärlek och framför allt sjukdom och död, hans stora tvångstankar.

Hans stil var unik tack vare det faktum att den skapade ett autentiskt och originellt språk, en följd av fritt dialog med postimpressionism, art nouveau och avantgarde. Det är därför, även om Munch öppnade expressionismens dörrar, kan han inte märkas i någon rörelse. Med en titt på hans viktigaste verk kommer vi att förstå varför Munch är en unik och oupprepbar konstnär.

1. Skriket, 1893

Skriket Det är Munchs arbete som släppte lös den mest skandalen och ändå anses den idag vara den Mona Lisa av samtida konst. Det representerar en androgyn person vars ansikte uttrycker ångest i sitt maximala uttryck efter att ha hört eller yttrat ett skrik. Subjektet uppfattar följaktligen världen som en böljande och sträng massa. Ingen annan än Munch hade gjort det tidigare i konst.

Pjäsen var tänkt efter den period då en av hans systrar fängslades för självmordsförsök, vilket tyder på någon koppling till avsnittet. Ett märkligt faktum om Skriket är att Munch gjorde fyra versioner med små skillnader mellan dem, en mycket vanlig praxis hos målaren. Den mest kända versionen är 1893, som stal 1994 och återhämtades kort därefter.

2. Ångest, 1894

Ja Skriket Det är bilden av individuell förtvivlan Ångest det är uttrycket för den kollektiva ångest som Munch fångar i den norska själen. Därför är Munch inte en konstnär som är begränsad till registret över individuella obehag utan är känslig för allmänt obehag som påverkar samhället i slutet av 1800-talet, vars omvandling är mycket snabbare än dess förmåga att bearbeta ändringar.

Duken Ångest Den är baserad på två tidigare Munch-målningar. Landskapet vi ser i Ångest har återhämtats från duken Skriket. Karaktärerna har å andra sidan tagits från Eftermiddag på Karl Johan Street. Strategin att ta element från tidigare ramar är återkommande i Munch. Målaren ”representerar” inte bara scener utan elementen som utgör dem är tänkta som sina egna symboler.

3. Den sjuka flickan, 1885-1886

Den sjuka flickan motsvarar en tidig stil i Munchs verk, som ligger nära impressionismen. På duken visas Munchs yngre syster, Sophie, på sin dödsbädd från tuberkulos. Då var den unga kvinnan ungefär 15 år gammal.

Som vana gjorde Munch olika versioner av den här låten, vilket var en permanent källa till smärta och skuld för honom. Detta berodde på att målaren, som hade lidit av tuberkulos vid 13 års ålder, kände att han måste ha dött i stället för sin syster.

4. Kärlek och smärta (vampyr), 1893

Munch betecknade detta arbete Kärlek och smärta. I den representerade han en kvinna som omfamnade en man som ligger i hennes knä, som om han ville trösta. Även om Munch aldrig avslöjade verkets personliga betydelse, talar originaltiteln volymer. Men när den här delen avslöjades utlöste den en enorm skandal.

Folk såg sadomasochistiska tecken i henne och tolkade att kvinnan bet sin älskares hals som en vampyr. Följaktligen började målningen bli känd som Vampyr. Sådan var skandalen att detta år senare var en av många Munch-målningar som censurerades under den nazistiska ockupationen av Norge.

5. Madonna, 1894

Lådan känd som Madonna det var ursprungligen titeln Älskarkvinna eller Kvinna som älskar. Byt namn på arbetet Madonna det är utan tvekan en provokation. Munch producerade minst fem kända versioner av denna bit.

Konstnären framställer kvinnan som om det vore en ikon för att förmedla känslan av tillbedjan att hennes skönhet och sexualitet vaknar. Den röda gloria som omger hans huvud hänvisar till förhållandet mellan kärlek och smärta, även under fullbordandet av den sexuella handlingen.

Denna hypotes är motiverad eftersom Munch gjorde en graverad version, vars ram inkluderade dekorativa spermimotiv som konvergerar på ett makabert foster. Sammanfattningsvis är målningen en symbol för livscykeln som passerar genom sexualitet, fortplantning och död.

6. Aska, 1894

Aska Det anses vara ett av Munchs mest estetiskt vackra verk på grund av trådlinjerna och färgningen. I kompositionen ser vi en man i svart, mörkret och dödens färg. Mannen går vilse i ett hörn, som om han gömmer ansiktet i skam, med händerna mot huvudet. Det påminner oss om den förtvivlade mannen av Kärlek och smärta (vampyr).

Bakom honom lyfter också en kvinna i en vit klänning, renhetens färg och med en röd kropp, passionens färg, händerna. Hans ansikte uttrycker sorg och oro. Slöjan av passion har slits.

Förhållandet mellan bilden och titeln pekar på en paradox: när passion förbrukas försvinner den. Eldens passion lämnar bara aska. Men dessutom väcker karaktärernas gester skuld och förtvivlan. Detta avslöjar att händelsen trotsar en moralisk kod. Är det äktenskapsbrott? Var det en våldtäkt? Det måste vara betraktaren som avkodar det.

7. Puberteten, 1894-1895

På Puberteten, Munch skildrar en helt naken ung tonåring. Den unga kvinnan har ett rädd ansikte och döljer sina privata delar. Mer än en symbol för blygsamhet och oskuld är gester en symbol för rädsla och förtryck inför sexualitet, som Munch led i sin ungdom, med tanke på sin fars religiösa stringens och sammanhanget med epok.

Scenens mystiska stämning bekräftas av den obegränsbara skuggan i bakgrunden, som ser ut som en slags spökande fantasmagoria. Betydelsen av detta tidiga arbete av Munch ligger i det faktum att det representerar förändringspunkten mellan den "impressionistiska" stroke och befrielsen av teknik till tjänst för konstnärens psykologiska värld.

8. Självporträtt med cigarett, 1895

Självporträtt med cigarett Det är ett av Munchs mest kända verk, såväl som hans mest kända självporträtt bland de många han skapade. På duk visar författaren en förståelse och absolut behärskning av tekniken för att representera ljusets glöd mitt i mörker och rök.

På så sätt bygger Munch en nästan mystisk atmosfär som uppmärksammar hans ansikte och hand. Ansiktet verkar förbryllat och förvånat, medan handen, förutom att hålla i cigaretten, stiger till hjärtat. Om ansiktet är ett tecken på motivets inre identitet, som påverkas av emotionell instabilitet, är handen symbolen för plastkonstnären.

9. Död i rummet, 1895

Under sin barndom såg Edvard Munch många familjemedlemmar dö av tuberkulos: hans mor och far är några av fallen. Död i rummet representerar lidandet för hans familj vid förlusten av hans yngre syster, Sophie, som vi inte ser. Det är författarens geni att fokusera betraktarens uppmärksamhet på emotionellt lidande snarare än döden.

Mannen som lyfter händerna i en bönfull attityd är sin far, en sträng protestantisk religiös. Mannen som lutar sig på väggen tros vara Munch och vänder ryggen mot scenen (död, tillgivenhet och tro) medan han tittar rakt på sin egen skugga. Det lyfter fram det faktum att varje familjemedlem lider separat.

10. Två människor (de ensamma), 1896

Duken Två människor det är inget annat än en allegori av ensamhet. I den ser vi en man och en kvinna utan identitet, med ryggen mot betraktaren och överväger den inerta horisonten. Mellan de två verkar det finnas ett oöverstigligt avstånd.

Arbetet, som många andra av Munch, behandlades flera gånger och i olika tekniker. Både temat och sättet att representera det bekräftar konstnärens ängsliga, ensamma och depressiva karaktär.

11. Kyssen, 1897

Kyssen, från 1897, är en av versionerna av målningen känd som Kyssen bakom fönstretav Munch själv. Det sätt på vilket målaren representerade de två figurerna sticker ut. De ser ut som en enda kropp utan några skiljelinjer mellan dem. Karaktärerna saknar identitet, sina egna gränser.

Kombinationen av karaktärerna kan inte läsas romantiskt, eftersom scenens mörka och tunga atmosfär också antyder närheten till döden. Effekten som genererades av denna serie var sådan att den inspirerade det berömda verket Kyssenav Gustav Klimt.

Det kan intressera dig: Analys av Kyssenav Gustav Klimt.

12. Fertilitet, 1898

På duken Fertilitet från Munch ser vi en gravid kvinna, upprätt, som bär trädets rikliga frukter. Framför henne kontrasterar mannen som sitter, nedfälld och böjd. En fallet sockerrör kan ses bredvid honom. Det finns en kontinuitet mellan mannen och trädet eftersom den förra vilar sin fot på trädstammen.

Trädet kan tolkas som livets träd. En gren har dock klippts av, av vilken endast en stubbe finns kvar. För att bära frukt har trädet beskurits, uppdelats.

De mer radikala tolkningarna antyder att Munch uttrycker sitt avslag på att ha barn. Hennes frukter skulle representera slutet på hans frukter. Tolkningen bygger på det faktum att målningen målades när Munch stod inför möjligheten att gifta sig med Tulla Larsen, ett åtagande som aldrig fullbordades.

13. Möte i rymden, 1898

På Möte i rymden vi ser en man och en kvinna som graviterar i rymden. Verket representerar ett erotiskt ögonblick, avgränsat inte bara av kroppar och gester, utan också av linjer som är allusiva för spermier som rör sig runt figurerna. Ansikten är avlägsna från varandra. Kvinnan verkar nästan likgiltig. Mannen verkar levererad. Verket visar författarens tekniska mångsidighet, liksom symbolerna och uttrycksfulla resurser.

14. Livets dans, 1899

Livets dans det är en metafor för stadierna i livet och kärleken. Det är en utomhusscen, vars bakgrund är en djupblå himmel över en norsk sjö. På himlen ser vi norra solen och dess reflektion i vattnet, en av symbolerna som konsekvent upprepas i målarens målningar.

I förgrunden ser vi samma kvinna i tre steg: en ung jungfru i vitt till vänster. Till höger en ensam svart klädd kvinna. I mitten dansade kvinnan och hennes man som om världen inte fanns. Klänningens röda symboliserar liv och passion. Paret kan vara Tulla Larsen och Munch.

Runt dem dansar andra karaktärer. Bakom kvinnan i svart ses en grotesk man redo att misshandla en kvinna. Betydelsen av detta arbete ligger i det sätt på vilket Munch lyckas förmedla komplexiteten i sin inre ångest runt livets stadier, som han beskriver för att älska.

15. Marats död, 1907

Under en period av sitt liv ägnade sig Munch åt att göra olika versioner av Marats död. Bland dessa versioner presenterar vi en tillverkad 1907. Marat var en fransk journalist och politiker från 1700-talet som mördades av Charlotte Corday.

Serien verkar ha Munch själv som en manlig referens och därmed konsolidera idén att målaren kände sig vara ett offer för kvinnor. Ur estetisk synvinkel sticker arbetet ut för att använda linjer som en form av färg. Det är ett slags rayonism som bryter med den modernistiska stilen på den böjda linjen och med användning av täta färgade ytor.

16. Badare män, 1907

Badare män de Munch sticker ut för sin livliga och livfulla karaktär, som motsätter sig den böljande och mörka atmosfären i många av hans dukar. Scenen visar en grupp män på en nakenstrand, där Munch tillbringade en period av återhämtning.

Munch visar upp sin skicklighet för anatomisk ritning, liksom sin skicklighet för färgning. Den implementerade tekniken närs av impressionistiska och rayonistiska principer, och i vissa aspekter verkar det som en dialog med Fauvismen.

17. Sol, 1909-1911

Sol är en monumental väggmålning av Edvard Munch som finns i universitetet i Oslo. I detta utforskar Munch nya plastspråk som för honom närmare abstrakt avantgarde, särskilt Kandinsky, representant för gruppen Der Blaue Reiter, och lyrisk abstraktion.

Symboliken här når sitt maximala uttryck. Solen blir en metafor för det gudomliga, som utstrålar sitt ljus på världen och rensar skuggorna av okunnighet. Med detta arbete visar Munch återigen sin kreativa frihet, vilket förklarar varför han inte kan märkas i en enda stil eller rörelse. Munch avslöjar sig som en unik konstnär i ständig innovation.

Du kanske också är intresserad av: Expressionism: egenskaper, verk och författare.

18. Galopperande häst, 1912

I ramen Galopperande häst, ser vi en häst som drar en snösläde med en man ombord. Den iögonfallande detalj är på spåret, som framstår som alltför smal för prestationen.

Hästens skrämda uttryck och folkets disposition på vägarna ger oss förståelse för en överhängande fara. Barnen till höger försöker komma undan, medan de vuxna till vänster väntar osäkra innan de flyttar. Det är ett nytt tillvägagångssätt för ämnet rädsla och ångest, så närvarande i författaren.

19. Arbetare i snön, 1913

Edvard Munch var också känslig för den sociala verklighet som omgav honom. Bevis på detta är de olika målningarna han gjorde om arbetarna, som den här duken kallade Arbetare i snön.

I förgrunden representerar Munch tre arbetare som står framför betraktaren, med sina spader som ett stödpunkt. I dem kan du känna styrka, men också trötthet och åldrande.

Den upphöjda näven för arbetaren som är arrangerad i mitten gör en föraning om ett krav eller krav. Dessa tre män verkar vara uppvapenade. Bakom dessa tre karaktärer fortsätter de andra arbetarna sitt arbete, omedvetna om konstnärens och samhällets blick.

20. Självporträtt mellan klockan och sängen, 1940-1943

Självporträtt mellan klockan och sängen det är en målning från Munchs sista kreativa scen. Munch utnyttjade duken för att symbolisera dödens närhet och placerade sin figur mellan en farfarsklocka och sängen. Klockan representerar tidens ostoppbara tid och sängen representerar döden som den slutliga sängen, som evig vila.

En detalj sticker ut däremot: medan klockan har en antik design har sängöverdraget en modern geometrisk design. Med detta uttrycker Munch medvetenhet om den dramatiska förändring av de tider som han var tvungen att leva.

Bakom Munch kan man urskilja ett slags rum där närvaron av referensverk i hans konstnärliga liv antyds, som han har ägnat alla sina ansträngningar till.

Se även: Ramanalys Skriket av Edvard Munch.

Biografi

Edvard Munch är en norsk målare och grafiker som föddes den 12 december 1863 och dog den 23 januari 1944.

Från en ung ålder var han tvungen att ta itu med sjukdom och död. Tuberkulos krävde först sin mammas, Laura Cathrine Munch, livet när pojken bara var 5 år gammal. Senare orsakade han sin yngre systers, Sophies död. hans farbröder och, år senare, hans fars, Christian Munch. Till och med Edvard Munch själv led av sjukdomen vid 13 års ålder.

Dessa händelser ledde till att målaren utvecklade en fruktansvärd sjukdom och sjukdom. död och led därför av ångest och depression hela sitt liv, vilket bestämde hans förfrågningar konstnärlig.

Munch började studera teknik 1879, men han övergav snart denna karriär för att ägna sig åt måleri. Han påverkades av fransk konst från 1800-talet tack vare sina resor till Paris. Runt 1890 började han måla projektet Livets fris, en serie målningar som visar olika milstolpar i människolivet, baserat på hans egna erfarenheter.

Även om hans verk först var en källa till skandal, fick det en viktig plats i museerna i hans land och Europa. Men efter den nazistiska ockupationen av Norge, omkring 1940, censurerades Munchs målningar av inkräktarna och togs bort från utställningar.

År 1942 markerade dock hans definitiva internationella invigning genom att vara föremål för en utställning i New York i erkännande av hans fruktbara konstnärliga arbete. Två år senare dog Munch i fullständig ensamhet.