ความเหมือนจริงในงานศิลปะ: ลักษณะ ที่มา และตัวอย่าง

ศิลปะคือการแสดงออกของมนุษย์โดยเนื้อแท้ ด้วยเหตุผลนี้และเพราะความหลากหลายทางวัฒนธรรมที่ไม่ธรรมดาที่มีมาเสมอทุกยุคทุกสมัยและแต่ละชุมชน ได้ฝึกฝนการสร้างสรรค์ศิลปะในรูปแบบต่าง ๆ ดัดแปลงศิลปะให้เข้ากับความต้องการของตนเองในการแสดงออกและ การสื่อสาร.

ศิลปะไม่ได้พยายามเลียนแบบความเป็นจริงเสมอไป ไม่เพียง แต่ในแนวหน้าของศตวรรษที่ 20 เท่านั้นที่ได้สัมผัสกับการจากไปอย่างมาก แต่ก็ไม่ได้ เราพบความสมจริงในการแสดงออกทางศิลปะของอารยธรรม เช่น อียิปต์โบราณหรือตะวันตก ยุคกลาง อย่างไรก็ตาม มีวัฒนธรรมและช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ที่การเลียนแบบธรรมชาติเป็นสิ่งสำคัญที่สุด และแนวคิดนี้ด้อยกว่าการเป็นตัวแทนของความเป็นจริงอย่างสิ้นเชิง

ความสมจริงเกิดขึ้นในงานศิลปะอย่างไร? วิวัฒนาการของคุณเป็นอย่างไร? ในบทความนี้เราจะพยายามวาดทัวร์ผ่านการแสดงออกทางศิลปะที่แตกต่างกันและระดับของความสมจริง

ความสมจริงในงานศิลปะคืออะไร?

สิ่งสำคัญคือต้องแยกความแตกต่างระหว่างสองแนวคิด: ความสมจริงเป็นกระแสทางศิลปะและความสมจริงเป็นลักษณะเฉพาะของงานศิลปะ. ดังนั้น ในขณะที่สิ่งแรกคือการเคลื่อนไหวแบบพลาสติกและวรรณกรรมที่จำกัดอยู่ในทศวรรษที่ผ่านมาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1840 ถึง 1880 ความสมจริงในแง่ของ ลักษณะของงานศิลปะเกี่ยวข้องกับระดับความเหมือนจริงที่ผลงานนำเสนอ ได้แก่ มุมมอง สัดส่วน ปริมาตร พื้นที่ว่าง เป็นต้น

ด้วยวิธีนี้ ไม่ใช่งานที่เหมือนจริงทั้งหมดที่เป็นของกระแสของสัจนิยม เช่นเดียวกับงานที่มีกรอบ ในการเคลื่อนไหวนี้ไม่จำเป็นต้องแสดงลักษณะที่เหมือนจริง (แม้ว่าสิ่งหลังจะไม่ปกติที่สุดก็ตาม)

ลักษณะของสัจนิยมในฐานะกระแสศิลปะของศตวรรษที่ 19

ขบวนการสัจนิยมเกิดขึ้นในฝรั่งเศสและหมายถึงการตอบโต้ที่ชัดเจนต่อลัทธิจินตนิยมรุ่นก่อน ด้วยวิธีนี้ ในขณะที่รูปแบบหลังได้รับแรงบันดาลใจจากธีมในตำนาน และนำอารมณ์ของมนุษย์มาสู่ความหวาดระแวง ความสมจริงเสนอจุดเปลี่ยนที่รุนแรงและมุ่งความสนใจไปที่ความเป็นจริงโดยรอบในแต่ละวัน. วิสัยทัศน์ที่เหมือนจริงของวัตถุได้กลายมาเป็น Naturalism (ลูกชายของ "ความมืด" ของความสมจริง) การสำรวจโลกใต้พิภพอันเลวร้ายและสถานการณ์ที่มืดมนที่สุดของมนุษยชาติ ตัวแทนภาพที่สำคัญที่สุดบางคนในปัจจุบันคือ Jean-François Millet และในวงการวรรณกรรม Émile Zola ถือเป็นบิดาแห่งธรรมชาตินิยม

ดังนั้นเราจึงมีความสมจริงและความเป็นธรรมชาติในแง่ของกระแสศิลปะของ XIX สำรวจธีมต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับชีวิตประจำวันและหลีกหนีจากแรงจูงใจที่ไม่ได้อยู่บนพื้นฐานของการสังเกตสภาพแวดล้อมเชิงประจักษ์ ของศิลปิน นั่นคือเหตุผลที่ทั้งสองอย่าง (โดยเฉพาะลัทธิธรรมชาตินิยม) มักจะแสดงถึงการประณามความล่อแหลมทางสังคมที่มาพร้อมกับการปฏิวัติอุตสาหกรรม

ในทางกลับกัน ความสมจริงที่เป็นลักษณะเฉพาะของงานศิลปะมีความเกี่ยวข้อง ดังที่เราได้กล่าวไปแล้วกับลักษณะที่เป็นทางการของมัน ด้วยตัวอย่างนี้จะค่อนข้างชัดเจน: งานยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่มีมุมมองทางคณิตศาสตร์และเคารพ ปริมาณของตัวเลขเป็นงานที่เหมือนจริงอย่างเป็นทางการ แต่มันไม่ได้อยู่ในขอบเขตของปัจจุบัน นักสัจนิยมแห่งศตวรรษที่ 19

• บทความที่เกี่ยวข้อง: ศิลปกรรม 7 ประการ คืออะไร?

ความสมจริงมีอยู่ในงานศิลปะตั้งแต่เมื่อไหร่?

ในการแสดงออกทางศิลปะครั้งแรก (ที่เรียกว่าศิลปะหิน) เราพบลักษณะที่เราสามารถพิจารณาได้ เหมือนจริง. เพราะแม้ว่าในวัวกระทิงของ Altamira และในม้าที่แสดงในถ้ำ Lascaux (ฝรั่งเศส) เราไม่พบข้อบ่งชี้ใด ๆ มุมมองหรือความปรารถนาที่แท้จริงที่จะเป็นตัวแทนของฉากจริง เราพบรายละเอียดที่ผิดปกติในการเป็นตัวแทนของ สัตว์.

อย่างไรก็ตาม เรายังไม่สามารถพูดถึงศิลปะที่เหมือนจริงได้ เนื่องจากภาพวาดในถ้ำ โดยทั่วไปแล้ว พวกเขานำเสนอแผนผังที่ชัดเจนและค่อนข้างจะเกี่ยวข้องกับงานศิลปะ แนวความคิด จริงๆ พูดกว้างๆ ว่า ศิลปะของมนุษยชาติไม่เคยเป็นจริงอย่างเคร่งครัดจนกระทั่งการถือกำเนิดของ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายกเว้นศิลปะกรีกและโรมัน

ในอียิปต์ เราพบศิลปะเชิงแนวคิดที่โดดเด่นอีกครั้ง: มีการพยายามแสดงแนวคิดและแนวคิด หรือแม้แต่ฉากต่างๆ กิจกรรมประจำวันเป็นไปตามแบบแผนที่กำหนดไว้ซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงเลียนแบบของความเป็นจริง รอบๆ. ในศิลปะของอียิปต์โบราณ ฉากจะถูกจัดในแถบแนวนอน และไม่มีลำดับองค์ประกอบของการแสดงที่เหมือนจริง. นอกจากนี้ ยังมีการเลือกส่วนที่สำคัญที่สุดของแต่ละองค์ประกอบ ดังนั้นใบหน้าจึงแสดงอยู่ในโปรไฟล์ ดวงตาและลำตัวอยู่ด้านหน้า และขาไปด้านข้าง สิ่งนี้ไม่เป็นไปตามความเป็นจริงใด ๆ และอยู่ภายใต้ความปรารถนาที่จะเป็นตัวแทนของส่วนที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดของแต่ละองค์ประกอบเท่านั้น

นั่นคือชาวอียิปต์ "กำหนด" ความเป็นจริงในแบบของพวกเขาเอง ศิลปินในลุ่มแม่น้ำไนล์ปฏิบัติตามระบบมาตราส่วนที่เกี่ยวข้องกับความสำคัญของบุคคลที่เป็นตัวแทนอย่างเคร่งครัด ดังนั้น ในฉากเดียวกันและบนระนาบเดียวกัน เราพบว่าร่างบางส่วนใหญ่กว่าร่างอื่นๆ มาก ความแตกต่างขนาดนี้ไม่ได้เกิดจากความพยายามใดๆ ในมุมมอง แต่เชื่อมโยงกับลำดับชั้น (โดยวิธีการที่เข้มงวดมาก) ของ ชาวอียิปต์: เทพเจ้ามักจะใหญ่กว่าฟาโรห์เสมอ นี่จะเป็นใหญ่กว่าภรรยาและลูกของเขาเสมอ เป็นต้น

การแสดงแนวคิดนี้จะได้รับการกู้คืนในศิลปะยุคกลางดังที่เราจะเห็นในภายหลัง แต่ ระหว่างศิลปะของอารยธรรมโบราณกับยุคกลาง มีวงเล็บสั้นๆ เกี่ยวกับศิลปะเหมือนจริง: ศิลปะกรีกและศิลปะโรมันซึ่งเราจะกล่าวถึงด้านล่าง

• คุณอาจสนใจ: "10 เรื่องน่ารู้เกี่ยวกับงานศิลปะชื่อดัง"

วงเล็บ "ความจริง": กรีซและโรม

ศิลปะกรีกโบราณมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวิธีการเป็นตัวแทนของชนชาติตะวันออกโดยเฉพาะอียิปต์ อย่างไรก็ตามในศตวรรษที่หกก. ค. บางอย่างเริ่มเปลี่ยนไป เป็นช่วงที่เรียกว่ากรีกคลาสสิกซึ่งสนับสนุนรูปแบบพลาสติกที่สอดคล้องกับความเป็นจริงมากขึ้น

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นของชาวกรีกในกายวิภาคของมนุษย์ทำให้เกิดการผลิตประติมากรรมที่เลียนแบบธรรมชาติอย่างเคร่งครัด. คือ การเลียนแบบกรีกความพยายามที่จะจับภาพความเป็นจริงตามที่เป็นอยู่ ดังนั้น จึงเป็นไปตามหลักเกณฑ์ของสัดส่วน ปริมาตร และสมมาตร

อย่างไรก็ตาม แม้ว่าจะมีการบันทึกลักษณะทางกายวิภาคที่เหมือนจริงอย่างมากในหินอ่อนและทองสัมฤทธิ์ แต่อย่าลืมว่าในขณะเดียวกัน งานเหล่านี้ก็เป็นไปตามสิ่งที่พวกเขาเข้าใจว่าเป็น "ความงามในอุดมคติ" กล่าวอีกนัยหนึ่ง แม้ว่าจะสมบูรณ์แบบทางกายวิภาค เทพเจ้าและเทพธิดาในประติมากรรมกรีกเป็นตัวแทนของบุคคลต้นแบบ ไม่ใช่รูปธรรมที่สามารถระบุตัวบุคคลได้

ในการทำเช่นนี้ เราต้องรอกรุงโรม ในทางกลับกัน, จิตรกรรมฝาผนังที่พบในเมืองปอมเปอี โดยเฉพาะภาพที่สองและสี่ แบบปอมเปี้ยน แสดงความเหมือนจริงที่จะไม่พบอีกแล้วในจิตรกรรมตะวันตกจนถึงสมัย ศตวรรษที่สิบห้า.

ภาพวาดเหล่านี้ถูกซ่อนไว้เป็นเวลาหลายศตวรรษ โดยถูกฝังอยู่ในเถ้าถ่านที่เกิดจากการปะทุของภูเขาไฟวิสุเวียส ความขัดแย้งทำให้ซากศพถูกเก็บรักษาไว้จนแทบไม่เสียหายจนกว่าจะมีการค้นพบซากปรักหักพังในศตวรรษที่ 18 ความประหลาดใจของผู้ค้นพบนั้นใหญ่มากเพราะต่อหน้าต่อตาพวกเขาบางภาพที่มีคุณภาพยอดเยี่ยมและความสมจริงที่น่าประหลาดใจยิ่งกว่านั้นแสดงอยู่

ในภาพเฟรสโกของสไตล์ปอมเปอีที่สองที่เรียกว่าภาพเหล่านี้แสดงผ่านหน้าต่าง มุมมองทางสถาปัตยกรรมที่สมมติขึ้นอย่างซับซ้อนซึ่งดูเหมือนจะ "เปิด" พื้นที่ใน กำแพง. เทคนิคเดียวกันนี้ถูกนำมาใช้ในอีกหลายศตวรรษต่อมาโดย Masaccio ในปูนเปียกของเขา ทรินิตี้จาก Florentine Santa Maria Novella ซึ่งทำให้ผู้ร่วมสมัยของเขาประหลาดใจเพราะดูเหมือนว่าจะเปิดรูที่ผนังโบสถ์

พลาสติกยุคกลาง

งานของ Masaccio เป็นนวัตกรรมใหม่ในยุคนั้น ขอให้เราคิดว่าตั้งแต่จิตรกรรมฝาผนังปอมเปอีไม่มีความพยายามใด ๆ ที่จะสร้างพื้นที่แห่งความสมจริงที่เด่นชัดเช่นนั้น โดยทั่วไปแล้วศิลปะยุคกลางที่ตามหลังปีสุดท้ายของจักรวรรดิโรมันนั้น (เราไม่สามารถพูดถึงรูปแบบและการแสดงออกทั้งหมดได้ที่นี่) แผนผังและแนวคิดที่โดดเด่น

เช่นเดียวกับชาวอียิปต์ ศิลปินยุคกลางไม่ได้เป็นตัวแทนของพื้นที่และองค์ประกอบที่แท้จริง แต่แสดงออกผ่านภาพวาดและประติมากรรม ซึ่งเป็นชุดของแนวคิดและแนวคิดต่างๆ องค์ประกอบเช่นความสมมาตรและปริมาตรจะหายไปในงานประเภทนี้แต่ไม่ใช่ เนื่องจากหลายคนยังคงรักษาไว้ (และน่าเสียดายที่ยังคงรักษาไว้) เพราะ "พวกเขาไม่รู้วิธีทาสี" แต่เนื่องจากวัตถุประสงค์ของพวกเขาเมื่อนำเสนอผลงานเหล่านี้ไม่ใช่การเลียนแบบธรรมชาติ

มีหลายหัวข้อเกี่ยวกับ "ความไม่แสดงออก" แบบโรมาเนสก์; ความไม่แสดงออกซึ่งไม่เป็นเช่นนั้น สามารถชื่นชมได้อย่างรวดเร็วหากพิจารณาอย่างรอบคอบถึงภาพนูนต่ำนูนสูงบางส่วนที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ เนื่องจากแม้ว่าศิลปะพลาสติกแบบโรมาเนสก์ (และศิลปะยุคกลางโดยทั่วไป) จะมีแนวคิดที่โดดเด่น (เช่นเดียวกับศิลปะพลาสติกของอียิปต์) แต่ก็ไม่เป็นความจริงที่ขาดการแสดงออก ปัญหาคือรูปแบบการแสดงออกของพวกเขาไม่ใช่ของเรา วิธีการมากมายที่ศิลปินโรมาเนสก์ต้องจับความรู้สึกและอารมณ์นั้นไม่สอดคล้องกับภาษาปัจจุบันของเรา.

ในทางกลับกัน งานศิลปะหลายชิ้นของโรมาเนสก์เต็มไปด้วยรายละเอียด ซึ่งสามารถแสดงให้เห็นได้ในช่วงฤดูใบไม้ร่วงของ รอยพับของเสื้อคลุม (แผนผัง แต่มักมีรายละเอียดมาก) หรือในเส้นขอบที่ประดับผ้าปูโต๊ะจาก Last อาหารเย็น.

ความสำเร็จของมุมมอง

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 15 ฟิลิปโป บรูเนลเลสชีได้ทำเครื่องหมายเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะโดยกำหนดขั้นตอนสำหรับมุมมองทางคณิตศาสตร์หรือเชิงเส้น หลังจากนั้นไม่นาน Alberti ก็ได้เขียนทฤษฎีใหม่ๆ ของ Brunelleschi ลงในผลงานของเขา ของรูปภาพ (1435). ตั้งแต่นั้นมาศิลปะตะวันตกจะถูกสร้างขึ้นบนหลักการเหล่านี้ซึ่งจะถือเป็นพื้นฐานของการวาดภาพที่ "ดี"

ดังนั้น, ตลอดช่วงศตวรรษที่ 15 และส่วนหนึ่งของศตวรรษที่ 16 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีพยายามสร้างมุมมองเชิงเส้นขึ้นมาใหม่ในงานภาพของตน. มุมมองนี้เกิดขึ้นได้จากการสร้างจุดที่หายไป จากจุดที่เส้นสายทั้งหมดที่สร้างพื้นที่ของภาพวาดปรากฏขึ้น สิ่งนี้สร้างภาพลวงตาที่ทำให้สมองรู้สึกถึงความลึก

ที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเฟลมิชอยู่ร่วมกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของคาบสมุทรอิตาลีซึ่งเป็นอีกยุคหนึ่งของ การปฏิวัติครั้งใหญ่ในการวาดภาพ ซึ่งในกรณีนี้ ดำเนินการโดยศิลปินชาวแฟลนเดอร์สในศตวรรษที่ 18 XV "ดั้งเดิมแบบเฟลมิช" เหล่านี้ทำให้งานของพวกเขามีความลึกผ่านการสืบทอดของระนาบและ เหนือสิ่งอื่นใด พวกเขาสร้างความสำเร็จครั้งสำคัญในด้านความสมจริงของภาพด้วยการสร้างรายละเอียดทั้งหมดของ วัตถุ ว่ากันว่าในภาพวาดของ Jan van Eyck พืชทุกชนิดที่ปรากฏสามารถจัดหมวดหมู่ได้เนื่องจากมีรายละเอียดมากมาย

อย่างไรก็ตาม มุมมองทางคณิตศาสตร์ของอิตาลีเป็นผู้ชนะที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะตะวันตกในยุคสมัยใหม่ และตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 เป็นต้นมา ความสมจริงถือเป็นเครื่องหมายของภาพวาดยุโรป ศิลปะแบบบาโรกเป็นศิลปะที่เหมือนจริงอย่างเด่นชัด เพราะแม้จะมีชื่อเสียง (พอสมควร) ว่าเป็นศิลปะที่สูงส่งและสะเทือนอารมณ์ แต่ก็ยังสงวนสถานที่ เพื่อเป็นตัวแทนของความเป็นจริง: ชายชราที่มีริ้วรอย, ใบหน้าที่ไร้ฟัน, เด็กที่มีเท้าสกปรก, หุ่นนิ่งผลไม้ที่ถูกจับด้วยความพิเศษ ความสมจริง…

กลับสู่ต้นกำเนิดของความสมจริงทางศิลปะ

ศิลปะแนวสัจนิยมครอบงำวงการศิลปะตะวันตกจนถึงกลางศตวรรษที่ 19 เมื่อศิลปะแนว "ดั้งเดิม" ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก. อิมเพรสชันนิสต์ กระแสสุนทรีย์ และต่อมา มารยาทตั้งคำถามว่าตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 เป็นต้นมา อะไรคือรากฐานของศิลปะที่ "ดี" อย่างไม่อาจโต้แย้งได้

ความล้ำสมัยของศตวรรษที่ 20 ถือเป็นการกลับไปสู่ต้นกำเนิด ศิลปินแนวหน้าที่มีความกระตือรือร้นที่จะแยกตัวออกจากวิชาการและศิลปะอย่างเป็นทางการ แสวงหาวิธีการแสดงออกใหม่ๆ และพบว่าพวกเขากำลังทำลาย "ความสมจริง"; กล่าวคือ มุมมอง สัดส่วน ความสอดคล้องกันขององค์ประกอบ กล่าวอีกนัยหนึ่งคือการเลียนแบบความเป็นจริงอย่างเข้มงวด

เป็นที่ทราบกันดีว่ากรณีของ ปีกัสโซซึ่งภาพวาดมักจะชวนให้นึกถึงโมซาราบิคย่อส่วน หรือนักวาดเขียนแบบบาศกซึ่งมีลักษณะคล้ายคลึงกับสิ่งที่ ชาวอียิปต์เมื่อกว่าสองพันปีที่แล้วได้ทำลายวิสัยทัศน์ที่เหมือนจริงของวัตถุและทำซ้ำสิ่งเหล่านี้อย่างสมบูรณ์ อัตนัย

Hyperrealism และกระแสที่สมจริงใหม่

บ่อยครั้งที่กระแสและการแสดงออกทางศิลปะที่แตกต่างกันตอบสนองซึ่งกันและกัน เราได้กล่าวไว้แล้วในบทนำว่าขบวนการสัจนิยมในศตวรรษที่ 19 ตอบสนองต่อลัทธิจินตนิยมในทศวรรษที่ผ่านมาอย่างไร ตอนนี้เราพบในพาโนรามาของศิลปะกระแสที่ยกระดับความสมจริงของภาพจนถึงขีด จำกัด ที่ไม่คาดคิด เราอ้างถึงกระแสไฮเปอร์เรียลลิสม์ที่เรียกว่า

Hyperrealism ถือกำเนิดขึ้นในปลายศตวรรษที่ 20 ส่วนหนึ่งเป็นการตอบสนองต่อแนวโน้มแนวคิดและนามธรรมของศิลปะพลาสติก. กระแสน้ำนี้ใช้การเลียนแบบธรรมชาติจนถึงการแสดงออกสูงสุด ซึ่งเปลี่ยนภาพวาดให้กลายเป็นภาพจำลองจากภาพถ่าย (อันที่จริง เรียกอีกอย่างว่าโฟโต้เรียลลิสม์) ความคมชัดขององค์ประกอบนั้นมักจะท่วมท้นสำหรับผู้ชม แน่นอนว่าไม่มีปัญหาการขาดแคลนผู้ว่าซึ่งเรียกมันว่าผู้เลียนแบบความเป็นจริง

คำถามคือ ศิลปะควรลอกเลียนธรรมชาติอย่างที่ชาวกรีกโบราณโต้เถียงกันด้วยการเลียนแบบ หรือมี "ภาระหน้าที่" ที่จะต้องสนับสนุนสิ่งใหม่ๆ หรือไม่ หากเราเริ่มต้นจากฐานที่ว่าของเลียนแบบไม่เคยลอกเลียนของจริงมาเป๊ะๆ เลย (เพราะตลอดมา ผ่านตะแกรงของศิลปิน) บางทีสิ่งที่เราควรถามตัวเองว่า "ศิลปะ เหมือนจริง".