กระแสศิลปะหลัก 10 ประการ: คืออะไร?

Gombrich กล่าวในประวัติศาสตร์ศิลปะอันยิ่งใหญ่ของเขาว่าศิลปะไม่ได้มีอยู่จริง มีเพียงศิลปินเท่านั้น. ในระดับหนึ่ง นี่เป็นเรื่องจริงโดยสิ้นเชิง เนื่องจากผู้สร้างแต่ละคนแสดงออกจากโลกของตัวเอง มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและไม่สามารถถ่ายทอดได้ อย่างไรก็ตาม เป็นเรื่องจริงไม่น้อยที่ศิลปินไม่สามารถหลีกหนีจากเวลาของพวกเขาได้ ดังนั้น การแสดงออกทางศิลปะแต่ละครั้งจึงขึ้นอยู่กับบริบทเฉพาะ และไม่ว่าศิลปินจะพยายามแยกตัวออกมากเพียงใด เขาก็ยังคงอยู่ภายใต้บริบทนั้นมากหรือน้อย

ต่อไป เราจะสรุปในเชิงปฏิบัติว่าอะไรคือกระแสหลักทางศิลปะในประวัติศาสตร์ศิลปะ บทความนี้เป็นเพียงโครงร่างพื้นฐาน อย่าลืมว่าไม่มีอะไรที่เป็นสีดำหรือสีขาวและมีความแตกต่างมากมาย ทุกวัฒนธรรมและทุกสมัยได้แสดงออกทางศิลปะไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง

เป็นการยากที่จะสรุปลักษณะสำคัญของสิ่งเหล่านี้ทั้งหมดในบทความเล็ก ๆ แต่เราจะพยายามให้ ภาพรวมที่สามารถนำไปใช้ได้จริงในการทำความเข้าใจวิวัฒนาการของศิลปะผ่านประวัติศาสตร์ พูดเป็นประเด็นเลยนะว่า เราได้เน้นบทความเกี่ยวกับศิลปะตะวันตก เนื่องจากเป็นไปไม่ได้เลยที่จะสรุปการแสดงออกทางศิลปะที่เป็นสากลในพื้นที่อันน้อยนิด. เราหวังว่าคุณจะพบว่ามีประโยชน์

• เราแนะนำให้คุณอ่าน: “ศิลปะถูกสร้างขึ้นมาทำไม? การเดินทางผ่านประวัติศาสตร์"

กระแสศิลปะคืออะไร?

กระแสศิลปะ (หรือที่เรียกว่าการเคลื่อนไหวทางศิลปะ) คือชุดของการสร้างสรรค์ที่ แบ่งปันบริบทและชุดของลักษณะทางสุนทรียศาสตร์ ตลอดจนวัตถุประสงค์ทางอุดมการณ์ มุ่งมั่น. ตามความหมายนี้ เราสามารถเรียกกระแสศิลปะว่าศิลปะที่สร้างขึ้นโดยวัฒนธรรมโบราณที่ยิ่งใหญ่ เช่น อียิปต์ กรีก หรือเมโสโปเตเมีย

อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ถูกต้องทั้งหมด ในอารยธรรมดังกล่าวไม่มีความเป็นไปได้อื่นในการสร้าง; มันเป็นการแสดงออกที่แท้จริงของวัฒนธรรมโดยรวม ดังนั้นจึงค่อนข้างเสี่ยงที่จะเรียกมันว่ากระแสศิลปะ. ดังนั้นเราจะเริ่มต้นการเดินทางของเราจากศตวรรษสุดท้ายของยุคกลางที่แตกต่างกัน การเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมเริ่มติดตามกันอย่างรวดเร็วเพื่อไปถึงจุดสูงสุดในรูปแบบโมเสกที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่สิบเก้า และในวันที่ยี่สิบ

1. โรมาเนสก์

โรมาเนสก์อาจเป็นสไตล์ยุโรปเต็มรูปแบบชุดแรก โดยมีลักษณะเฉพาะระดับโลกบางประการ. และแม้ว่าจะเป็นความจริงที่ว่าสไตล์นี้ไม่ได้เป็นเนื้อเดียวกันเหมือนกับเทรนด์อื่นๆ ในภายหลัง เช่น บาโรกหรือ แนวโรแมนติกเป็นความจริงที่ว่าในทุกละติจูดของยุโรปมีองค์ประกอบหลายอย่างร่วมกันที่ทำให้มันเป็นสไตล์ไม่มากก็น้อย กะทัดรัด

โรมาเนสก์ปรากฏในราวศตวรรษที่ 11 และ 12 ในแคว้นเบอร์กันดี โดยเฉพาะในอารามคลูนี จากที่นั่นแพร่กระจายไปยังส่วนอื่นๆ ของยุโรป ซึ่งแต่ละดินแดนมีลักษณะเฉพาะของตนเอง เราไม่สามารถวิเคราะห์ได้อย่างสมบูรณ์ว่าโรมาเนสก์คืออะไร แต่เราสามารถสรุปได้ว่าในเชิงสถาปัตยกรรมแล้ว โรมาเนสก์ประกอบด้วยองค์ประกอบการก่อสร้างของโรมันด้วย ชื่อนี้ตั้งขึ้นในศตวรรษที่ 19) และฐานของมันคือส่วนโค้งครึ่งวงกลม อุโมงค์ถัง และส่วนขาหนีบ ท่ามกลางองค์ประกอบอื่นๆ อีกมากมาย สร้างสรรค์

สถาปัตยกรรมโรมาเนสก์เป็นไปตามความจำเป็นในการรวมพิธีสวดในยุโรปและการปรากฏตัวของโบสถ์จาริกแสวงบุญที่มีโครงสร้างเฉพาะ ในอาคารแบบโรมาเนสก์ ประติมากรรมมักจะด้อยกว่าสถาปัตยกรรม และเราพบว่ามีการตกแต่งประติมากรรมมากมายบนแก้วหูและบนซุ้มประตู.

ในทางกลับกัน ภาพวาดแบบโรมาเนสก์วาดสัญลักษณ์ไบแซนไทน์ที่มาจากตะวันออกพร้อมกับสงครามครูเสด รวมถึงโมซาราบิคย่อส่วน เป็นภาพเขียนลำดับชั้น ไม่สมจริงมาก ซึ่งมีวัตถุประสงค์หลักเพื่อถ่ายทอดข้อความ ไม่ใช่คัดลอกความเป็นจริง ด้วยเหตุนี้ ในพื้นที่แสดงภาพแบบโรมาเนสก์จึงไม่มีทั้งมุมมองหรือปริมาตร และองค์ประกอบทางโลกจะผสมผสานกับสวรรค์และนรก โดยคั่นด้วยแถบสีสว่าง

2. โกธิค

สไตล์ยุโรปที่สมบูรณ์ต่อไปคือโกธิค โดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องแบบที่เรียกว่าโกธิคสากลซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่สิบสี่และกู้คืนพื้นหลังสีทองของไบแซนไทน์ด้วยตัวเลขที่มีสไตล์ในอุดมคติ ในแบบกอธิค การเป็นตัวแทนเริ่มที่จะเต็มไปด้วยความเป็นจริง และรูปร่างมีแนวโน้มที่จะกลายเป็นมนุษย์มากขึ้น เป็นช่วงเวลาของเมือง การค้าที่พลุกพล่าน และอาสนวิหารอันยิ่งใหญ่ พรหมจารีโกธิคเริ่มเป็นแม่ที่แท้จริงซึ่งห่างไกลจากพรหมจารี Theotokos หรือพรหมจารีแห่งบัลลังก์ ลำดับชั้นที่ไม่มีปฏิสัมพันธ์กับเด็ก ในทางกลับกัน ผู้ถูกตรึงกางเขนทั้งในรูปและรูปสลักกลายเป็นธรรมชาติและเริ่มแสดงความเจ็บปวด

แน่นอนว่าองค์ประกอบที่โดดเด่นที่สุดของโกธิคคือมหาวิหาร. ภาษาสถาปัตยกรรมของอาคารเหล่านี้แปลกใหม่มาก อย่างไรก็ตาม จอร์จิโอ วาซารี ในศตวรรษที่ 16 ได้กล่าวถึงสิ่งก่อสร้างเหล่านี้ว่า "ป่าเถื่อน" (โกธิค) ฐานบินและฐานค้ำยันมีจำนวนมากขึ้น ออกแบบมาเพื่อสร้างความมั่นคงให้กับอาคารสูงขึ้นเรื่อยๆ พร้อมช่องเปิดมากขึ้น (หน้าต่างกระจกสีสไตล์โกธิคที่งดงาม) สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าเช่นเดียวกับโรมาเนสก์ อาคารแบบกอธิคมีความสมบูรณ์ สีโพลีโครมเป็นข้อเท็จจริงที่ก่อให้เกิดความรักอันยิ่งใหญ่ที่ยุคกลางรู้สึกต่อโทนสี สว่าง

3. ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

แม้ว่าวัฒนธรรมคลาสสิกจะไม่ถูกลืมในยุคกลาง แต่ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็เป็นเช่นนั้น กู้คืนกฎดั้งเดิมอย่างมีสติเช่นบทความสถาปัตยกรรมของ Roman Vitruvius (ศตวรรษที่ 1) ฉัน ก. ค.). ในเวลานี้ศิลปินกำลังมีสติปัญญา ซึ่งเริ่มถูกมองว่าเป็นมากกว่าแค่ช่างฝีมือ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นขึ้นในฟลอเรนซ์เมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยมีผลงานต่างๆ เช่น ประตูของ Baptistery หรือโดมอันงดงามที่บรูเนลเลสคีออกแบบสำหรับอาสนวิหารซึ่งมีเส้นผ่านศูนย์กลางไม่สำเร็จตั้งแต่การก่อสร้างวิหารแพนธีออนในศตวรรษที่หนึ่ง ค. สถาปนิกมองหาแรงบันดาลใจในการสร้างสิ่งก่อสร้างโบราณ ในขณะที่จิตรกรไม่มี แบบจำลอง (ยังไม่ค้นพบปอมเปอีและเฮอร์คิวลาเนียม) ได้รับแรงบันดาลใจจากจิตรกรรมฝาผนังที่ประดับ Domus Aurea ใน นีโร

แต่นวัตกรรมที่สำคัญที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือมุมมองทางคณิตศาสตร์ ซึ่งประมวลโดย Leon Battista Alberti (1404-1472) ในบทความของเขาเรื่อง De pictura ซึ่งเขาได้ดึงแนวคิดของ บรูเนลเลสชี. นับจากนั้น การวาดภาพจะพยายามเป็นหน้าต่างที่เปิดสู่โลกกว้าง ซึ่งมุมมองจะบรรลุผลสำเร็จผ่านจุดเดียวที่เส้นทุกเส้นมาบรรจบกัน

4. พิสดาร

ในปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ยุคเรอเนซองส์หมดสิ้นลงและแทนที่ กิริยามารยาทปรากฏขึ้นซึ่งในภาพวาดนั้นมีลักษณะที่ยืดยาวและมีสไตล์ของ ตัวเลข แต่ในตอนต้นของศตวรรษต่อมา กระแสความงามใหม่เริ่มเข้ามาแทนที่การปฏิรูปยุโรป: บาโรก

อาจกล่าวได้ว่าบาโรกเป็นลูกของฝ่ายต่อต้านการปฏิรูปคริสตจักรคาทอลิก ซึ่งต้องการเครื่องมือในการแสดงออกถึงความศรัทธา. วัตถุประสงค์คือเพื่อรักษาผู้ซื่อสัตย์ในคริสตจักรโรมันและป้องกันไม่ให้พวกเขาอพยพไปยังนิกายลูเทอแรน ภาษาพิสดารจึงเป็นภาพสะท้อนของเจตจำนงนี้ ในการวาดภาพ อารมณ์ได้รับการส่งเสริมผ่านการพรรณนาถึงความทุกข์ ตำนานอันแปลกประหลาดของวิสุทธิชนซึ่งต่อต้านพวกโปรเตสแตนต์เทศนา ถูกกำจัดและบุคคลศักดิ์สิทธิ์ถูกแสดงด้วยคุณลักษณะของพวกเขา ศาสนาถูกลดระดับลงมาสำหรับประชาชน และตัวละครในพระคัมภีร์ไบเบิลปรากฏในฉากประจำวัน ซึ่งถอดแบบมาจากความเป็นจริงโดยตรง

ในทางสถาปัตยกรรมอาจกล่าวได้ว่าบาโรกยังคงเป็นแบบคลาสสิกโดยเฉพาะในฝรั่งเศส พระราชวังแวร์ซายเป็นตัวอย่างที่ดีของความคลาสสิกแบบฝรั่งเศสอันสง่างามนี้ ในทางกลับกัน และตามปกติจะเกิดขึ้นในทุกรูปแบบ แต่ละดินแดนให้กำเนิดความพิสดารที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่น ในสหมณฑลซึ่งไม่มี และสำหรับคริสตจักรคาทอลิกและที่ซึ่งผู้อุปถัมภ์เป็นชนชั้นกลางของเมืองต่าง ๆ มีการพัฒนาภาพวาดที่ใกล้ชิดซึ่งตัวแทนสูงสุดคือ Johannes Vermeer

5. โรโคโค

โรโคโคเป็นการแสดงออกที่แท้จริงของช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ซึ่งเป็นยุคแห่งการตรัสรู้ สไตล์นี้ร่วมมือกับนักปรัชญาผู้รู้แจ้ง เพื่อเฉลิมฉลองให้กับความหอมหวานของชีวิต ความใกล้ชิด ความสะดวกสบายในบ้าน และทุกสิ่งที่สวยงามในชีวิตประจำวัน

นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมลวดลายแบบโรโคโคจึงดูมีความสุข รื่นเริง ไม่หวือหวาเลย: แนวอภิบาล, คนบ้านนอก, สวมหน้ากาก, กล้าหาญ, ฉากเกี้ยวพาราสี ฯลฯ ในหนึ่งคำ: โรโคโคคือความสุขของชีวิต ความสุขในการใช้ชีวิตของชนชั้นผู้มั่งคั่งในระบอบเก่า.

6. นีโอคลาสสิก

นีโอคลาสซิซิสซึ่มเป็นจุดแตกหักกับโรโคโคในหลายๆ ด้าน เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศส กระแสสุนทรียะนี้เป็นการแสดงออกที่สมบูรณ์แบบสำหรับสาธารณรัฐฝรั่งเศสใหม่: เงียบขรึม เคร่งครัด กลมกลืน และสไตล์สาธารณรัฐ แน่นอนว่านีโอคลาสสิกได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะคลาสสิก ในการวาดภาพเขาชอบธีมที่ยิ่งใหญ่และเคร่งขรึมซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบของคุณธรรมสำหรับผู้คน ตัวอย่างที่ดีของสิ่งนี้ ได้แก่ ผืนผ้าใบของ Jacques-Louis David (1748-1825) จิตรกรนีโอคลาสสิกผู้ยิ่งใหญ่ ในทางกลับกัน สถาปัตยกรรมนีโอคลาสสิกเป็นการเลียนแบบวิหารกรีกและโรมันโบราณ เราต้องพิจารณาโบสถ์ Madeleine ในปารีสเท่านั้นจึงจะเข้าใจสิ่งนี้

สไตล์นีโอคลาสสิกอยู่จุดสูงสุดในยุคนโปเลียน เนื่องจากความงามแบบโรมันและศิลปะการต่อสู้นั้นเหมาะสมกับอาณาจักรที่ Great Corsican สร้างขึ้นเป็นอย่างดี. หลังจากการล่มสลายของนโปเลียน รูปแบบนีโอคลาสสิกก็ล้าสมัย และแม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าสุนทรียภาพของพวกเขาจะยังคงมีชีวิตอยู่มาก (โดยเฉพาะใน สถาปัตยกรรม) ตลอดศตวรรษที่ 19 ในทศวรรษแรกของศตวรรษ การแสดงออกครั้งแรกของ ยวนใจ.

7. ความโรแมนติก

ในประวัติศาสตร์ศิลปะ เป็นเรื่องปกติที่รูปแบบหนึ่งจะเกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อรูปแบบก่อนหน้า และแม้ว่าจะไม่มีอะไรเป็นสีดำหรือขาวและมีความแตกต่างมากมายในข้อความนี้ แต่เราพบหลักฐานของสิ่งนี้ในกรณีต่างๆ เช่น การกำเนิดของลัทธิจินตนิยม ในขณะที่ลัทธินีโอคลาสซิซิสซึ่มเป็นการละทิ้งความเชื่อของสาธารณรัฐก่อนและจักรวรรดิโรมันในภายหลัง ระเบียบวินัยที่ว่านี้หมายถึง แนวจินตนิยมถือกำเนิดขึ้นเพื่อเป็นการพิสูจน์ความเป็นตัวตนของมนุษย์ และด้วยเหตุนี้ รายบุคคล. ศิลปะจะไม่ถูกมองว่าเป็นสิ่งที่อยู่ภายใต้อำนาจอีกต่อไป ศิลปินเป็นผู้สร้างสรรค์ เป็นตัวตนของเขาที่ก่อให้เกิดการแสดงออกทางศิลปะ ผู้สร้างที่แท้จริงนั้นต่อต้านสถาบันและบรรทัดฐานที่บีบบังคับศิลปะ

กระแสที่ตามมาทั้งหมดที่ยกย่องความเป็นปัจเจกชนเชิงสร้างสรรค์นั้นดื่มจากลัทธิจินตนิยม: พวกพรีราฟาเอล, พวกสัญลักษณ์, พวกเอ็กซ์เพรสชั่นนิสต์ และแน่นอนว่าพวกเซอร์เรียลิสต์. ในกรณีอย่างหลัง พวกเขาสำรวจความลึกของจิตใจมนุษย์จนถึงขีดสุด ซึ่งเป็นสิ่งที่ คนโรแมนติกเมื่อร้อยปีก่อนเป็นตัวแทนของโลกแห่งความฝัน น่ากลัว เต็มไปด้วยอสุรกาย หลุมฝังศพ และภาพผลไม้ของ เพ้อ ในทางกลับกันกระแสโรแมนติกให้ความสำคัญกับบ้านเกิดและประเทศชาติตราบเท่าที่ยังเป็นอยู่ สร้างขึ้นโดยบุคคลที่ตัดสินใจและมีแนวโน้มที่จะทำให้อดีตของชาติในอุดมคติและเปลี่ยนให้เป็น ตำนาน.

8. ความสมจริงและความเป็นธรรมชาติ

ประมาณปี ค.ศ. 1850 ลัทธิจินตนิยมเริ่มหมดอายุ เป็นช่วงเวลาของการมองโลกในแง่ดี ความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี การปฏิวัติอุตสาหกรรมครั้งที่สอง ในเมือง โรงงานเติบโตขึ้น และผู้คนที่น่าสมเพชที่อาศัยอยู่ในสภาพต่ำกว่ามนุษย์ก็เพิ่มจำนวนขึ้น ตอนนั้นเองที่ศิลปะเริ่มลืมโลกในอุดมคติที่พวกโรแมนติกประกาศ และเริ่มสนใจปัญหาสังคมและความขัดแย้ง

ทั้งในงานศิลปะพลาสติกและวรรณกรรม ประเด็นหลักที่เกิดขึ้นซ้ำๆ ก็คือการประณามทางสังคม คนงานผู้หิวโหยที่ออกจากโรงงานเหมือนผี เด็กมอมแมมและสกปรก โสเภณี ขอทาน ซักรีด คนหนุ่มสาวที่ไม่มีอนาคต ความสมจริงนั้นมุ่งมั่นต่อความเป็นจริงทางสังคม.

ต่อมา ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในด้านจิตวิทยาทำให้กระแสสัจนิยมพัฒนาไปสู่ความเป็นธรรมชาตินิยม ซึ่งใช้ความเป็นกลางและการสังเกตจนถึงขีดสุด ศิลปินนักธรรมชาติวิทยาผู้ซึ่งเป็นตัวแทนวรรณกรรมอย่างงดงามโดย Émile Zola (1840-1902) มองเห็น ความเป็นจริงในฐานะห้องปฏิบัติการวิจัยที่ซึ่งสิ่งมีชีวิตกระทำตามสิ่งเร้าของ ครึ่ง. ในงานศิลปะที่เป็นวิทยาศาสตร์สูงนี้ จึงไม่มีที่สำหรับเรื่องส่วนตัว น้อยกว่ามากสำหรับความงามเอง

9. กระแสแห่งสุนทรียะ

เพื่อตอบสนองต่อศิลปะนี้ที่กลายเป็นวิทยาศาสตร์และไม่สนใจความงามของโลก กระแสชุดหนึ่งปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ที่ประกาศศิลปะเพื่อประโยชน์ของศิลปะ นี่คือกรณีของภราดรภาพก่อนราฟาเอล ความเสื่อมโทรม ลัทธิปาร์นาสเซียน ลัทธิสัญลักษณ์ และอาร์ตโนโว ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในประเทศแถบฮิสแปนิกว่าเป็นลัทธิสมัยใหม่

เราไม่สามารถพูดถึงกระแสเหล่านี้ทั้งหมดได้ที่นี่ แต่เราสามารถชี้ให้เห็นถึงสิ่งที่พวกเขามีเหมือนกัน: ความเกลียดชังอย่างรุนแรงต่อการมองโลกในแง่ดี ต่อความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี ต่อโรงงาน ต่อความก้าวหน้าทางวิทยาศาสตร์ในฐานะผู้ตัดตอนความงาม. ดังนั้นกระแสสุนทรียะทั้งหลายเหล่านี้ย่อมต้องการหวนคืนสู่ศิลปะในฐานะผู้สร้างสรรค์ความงามแต่เพียงผู้เดียว

10. กองหน้า

อีกครั้ง เราไม่สามารถพูดถึงแนวหน้าทั้งหมดที่แพร่หลายในช่วงปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 และทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 แต่อย่างน้อยเราจะพยายามตั้งชื่อพวกเขา แนวหน้าอย่างเป็นทางการปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ประการแรกถือเป็น Fauvism ซึ่งเป็นกระแสที่ให้คุณค่ากับสีเป็นวิธีการแสดงออกตามอัตวิสัย ไม่ใช่เป็นการเลียนแบบความเป็นจริง หลังจาก Fauves ซึ่งจัดนิทรรศการครั้งแรกในปี 1905 แนวหน้าติดตามกันและกันอย่างรวดเร็วจนบางคนซ้อนทับกัน: expressionism, futurism, cubism, dadaism, surrealism...

เปรี้ยวจี๊ดเป็นลักษณะเด่นของศิลปะในศตวรรษที่ 20 พวกเขาเป็นชุดของการเคลื่อนไหวที่ขัดต่อบรรทัดฐานที่กำหนดไว้ กลุ่มศิลปินที่มีลักษณะเฉพาะ คนธรรมดาที่มารวมตัวกันเพื่อสร้างโรงเรียนภาพ มักจะมีแถลงการณ์อุดมการณ์พื้นฐาน ปัจจุบันเราอยู่ในยุคใหม่ของความเป็นปัจเจกชนที่สร้างกระแสศิลปะ เบลอและแยกส่วนออกเป็นพันชิ้น ดังนั้นเราแทบจะไม่สามารถพูดถึงกระแสน้ำได้ แต่เกี่ยวกับ ศิลปิน แต่บางทีลึกลงไป (และอย่างที่ Gombrich พูด) มันไม่ได้เป็นแบบนี้เสมอไป?