Реализъм в изкуството: характеристики, произход и примери

Изкуството е присъщо човешко изражение. Точно поради тази причина и поради изключителното културно разнообразие, което винаги е съществувало, всяка епоха и всяка общност е упражнявал художествено творчество по различни начини, адаптирайки изкуството към собствените си нужди за изразяване и комуникация.

Изкуството не винаги се е стремило да имитира реалността; не само в авангарда на 20-ти век той преживява значително отклонение от него, но също така не откриваме реализъм в художественото изразяване на цивилизации като древен Египет или Запада средновековен. Има обаче култури и исторически моменти, в които имитацията на природата е била най-важното нещо, а идеята е била изцяло подчинена на представянето на реалността.

Как се появи реализмът в изкуството? Каква е била вашата еволюция? В тази статия ще се опитаме да направим обиколка из различните художествени прояви и тяхната степен на реализъм.

Какво е реализъм в изкуството?

Важно е да се прави разлика между две понятия: Реализъм като художествена тенденция и Реализъм като характеристика на произведение на изкуството.

. По този начин, докато първото е пластично и литературно движение, което е ограничено до десетилетията, които преминават от 1840 до 1880 г., реализмът по отношение на Характеристиката на произведение на изкуството е свързана със степента на реализъм, която произведението представя, а именно: перспектива, пропорция, обеми, пространство, и т.н

По този начин не всички реалистични произведения принадлежат към течението на реализма, както и произведението в рамка в това движение не е необходимо да представя реалистични характеристики (въпреки че последното не е най-често срещаното).

Характеристики на реализма като художествено течение на 19 век

Движението за реализъм възниква във Франция и означава ясен отговор на своя предшественик, романтизма. По този начин, докато последният е вдъхновен от легендарни теми и е довел човешките емоции до техния пароксизъм, Реализмът предложи радикален обрат и насочи погледа си към заобикалящата ни ежедневна действителност. Тази реалистична визия на субектите се превърна с натурализма („тъмния“ син на реализма) в мръсно изследване на подземния свят и най-мрачните ситуации на човечеството. Някои от най-важните живописни представители на това течение са Жан-Франсоа Миле и в литературната сфера Емил Зола, считан за баща на натурализма.

И така, имаме, че реализмът и натурализмът, по отношение на художествените течения на XIX, изследват теми свързани с ежедневието и се отдалечават от мотиви, които не се основават на емпирично наблюдение на околната среда на художника. Ето защо и едното, и другото (особено натурализмът) често представляват кисело осъждане на социалната несигурност, дошла с Индустриалната революция.

От друга страна, реализмът като характеристика на едно произведение на изкуството е свързан, както вече казахме, с неговите формални характеристики. С този пример ще бъде съвсем ясно: ренесансова работа, която се гордее с математическа перспектива и зачита томове от цифри е формално реалистична работа, но по никакъв начин не е ограничена до текущата реалист от 19 век

• Свързана статия: Кои са 7-те изящни изкуства?

От кога съществува реализмът в изкуството?

Още в първите художествени прояви (т.нар. скално изкуство) откриваме характеристики, които бихме могли да разгледаме реалистичен. Защото въпреки факта, че в бизона от Алтамира и в конете, представени в пещерите на Ласко (Франция), ние не намираме никакви указания за перспектива или автентично желание да се представи реална сцена, ние наистина откриваме необичайни детайли в представянето на животни.

Въпреки това все още не можем да говорим за реалистично изкуство, след пещерните рисунки Като цяло те представляват очевидна схематизация и по-скоро биха били свързани с изкуство идеен. Всъщност, най-общо казано, изкуството на човечеството никога не е било строго реалистично до появата на Възраждане, с изключение, разбира се, на гръцкото и римското изкуство.

В Египет отново откриваме изключително концептуално изкуство: правят се опити да се изразят концепции и идеи и дори сцени ежедневните дейности следват маркирани конвенции, които нямат нищо общо с миметично представяне на реалността околните. В изкуството на древен Египет сцените са организирани в хоризонтални ленти и няма реалистичен ред на елементите на изображението.. Освен това бяха избрани най-значимите части на всеки елемент, така че лицето беше представено в профил, очите и торса отпред, а краката отстрани. Това не се подчиняваше на никаква реалност и беше подчинено изключително на желанието да се представят най-разпознаваемите части на всеки елемент.

Тоест египтяните са "оформяли" реалността по свой начин. Художниците от долината на Нил стриктно следват система от мащаби, свързани със значението на представения индивид. Така в една и съща сцена и на същата равнина намираме някои фигури много по-големи от други. Тази разлика в размера не се дължи на някакъв опит за перспектива, а по-скоро е свързана с (между другото, много строга) йерархия на Египтяни: Бог винаги ще бъде представен много по-голям от фараон, това винаги ще бъде много по-голям от жена му и децата му, и т.н

Това концептуално представяне ще бъде възстановено в средновековното изкуство, както ще видим по-късно. Но между изкуството на древните цивилизации и Средновековието имаше кратка скоба на реалистичното изкуство: гръцко изкуство и римско изкуство, които ще разгледаме по-долу.

• Може да се интересувате от: „10 любопитства за известни произведения на изкуството“

„Реалистичната“ скоба: Гърция и Рим

Архаичното гръцко изкуство е тясно свързано с начина на представяне на народите от Изтока, особено Египет. Въпреки това, към VI век а. ° С. нещо започна да се променя. Това е така нареченият класически гръцки период, в който се насърчава вид пластични изображения, по-съответстващи на реалността.

Нарастващият интерес на гърците към човешката анатомия поражда скулптурна продукция, която стриктно имитира природата. е гръцки мимезис, опитът да се улови реалността такава, каквато е, следователно следвайки критерии за пропорция, обем и симетрия.

Въпреки това, въпреки улавянето на изключително реалистични анатомии в мрамор и бронз, нека не забравяме, че в същото време тези произведения се подчиняват на това, което те разбират като „идеална красота“. С други думи, макар и анатомично съвършени, боговете и богините в гръцката скулптура представляват прототипи, а не конкретни, разпознаваеми лица.

За целта трябва да изчакаме Рим, където индивидуализацията достига неподозирани висини чрез портрета. От друга страна, фреските, открити в Помпей, особено тези, съответстващи на така наречените втори и четвърти Помпейски стил, показват реализъм, който няма да се намери отново в западната живопис до XV век.

Тези картини остават скрити в продължение на векове, погребани от останките на пепелта, получена от изригването на Везувий. Парадоксално, но бедствието позволи останките да бъдат запазени практически непокътнати до откриването на руините през 18 век. Изненадата на откривателите е голяма, защото пред очите им се показват картини с изключително качество и още по-изненадващ реализъм.

Наистина, във фреските от така наречения втори помпейски стил те са показани през прозорец фиктивни изключително сложни архитектурни перспективи, които наистина изглежда „отварят“ пространство в Стена. Същата техника е използвана много векове по-късно от Masaccio в неговата фреска на Троица, от флорентинската Санта Мария Новела, която изумява съвременниците му, защото сякаш отваря дупка в стената на църквата.

средновековна пластика

Работата на Masaccio е много новаторска за времето си; Нека си помислим, че след помпейските стенописи не е правен опит да се създаде пространство с толкова подчертан реализъм. Средновековното изкуство, последвало последните години на Римската империя, като цяло (не можем да се спрем тук на всички стилове и прояви) е схематично и изключително концептуално.

По същия начин като египтяните, средновековните художници не представят реални пространства и елементи, а по-скоро изразяват чрез живопис и скулптура поредица от концепции и идеи. Елементи като симетрия и обем се губят в този вид работа., но не, както мнозина твърдят (и за съжаление все още твърдят), защото „те не знаеха как да рисуват“, а защото целта им, когато представяха тези произведения, не беше да имитират природата.

Има много теми за романската "неизразителност"; неекспресивност, която не е такава, както може бързо да се оцени, ако човек внимателно съзерцава някои от запазените релефи. Защото въпреки че романското пластично изкуство (и средновековното изкуство като цяло) е изключително концептуално (точно като египетското пластично изкуство), не е вярно, че му липсва израз. Проблемът е, че тяхната форма на изразяване не е нашата, така че много от начините, по които романските художници са имали да уловят чувства и емоции, не съответстват на съвременния ни език.

От друга страна, много от произведенията на романското изкуство са натоварени с детайли, които могат да се проявят в падането на гънките на туника (схематични, но често много детайлни) или в границите, които украсяват покривка от последния Вечеря.

Постигането на перспектива

В началото на петнадесети век Филипо Брунелески отбелязва крайъгълен камък в историята на изкуството, като установява процедурата за математическа или линейна перспектива. Малко по-късно Алберти записва новите теории на Брунелески в работата си на pictura (1435). От този момент нататък западното изкуство ще се гради върху тези предписания, които ще се считат за основа на „добрата“ живопис.

Така, През целия 15 век и част от 16 век италианският Ренесанс се опитва да възпроизведе линейната перспектива в живописните си творби.. Тази перспектива се постига чрез установяването на точка на изчезване, откъдето излизат всички линии, изграждащи пространството на картината. Това създава оптична илюзия, която дава на мозъка усещане за дълбочина.

Така нареченият фламандски ренесанс съжителства с ренесанса на италианския полуостров, друг от големи революции в живописта, които в този случай са извършени от художниците на Фландрия през 18 век. XV. Тези „фламандски примитиви“ придадоха на произведенията си дълбочина чрез последователността на равнини и, Преди всичко те поставят крайъгълен камък в изобразителния реализъм, като възпроизвеждат всички детайли на обекти. Твърди се, че в картините на Ян ван Ейк всички растителни видове, които се появяват, могат да бъдат каталогизирани благодарение на изобилието от детайли.

Италианската математическа перспектива обаче е великият победител в западното изкуство на модерната епоха и от 16 век реализмът белязва европейската живопис. Бароковото изкуство е изключително реалистично изкуство, защото въпреки че има (достатъчно) слава на възвишено и силно емоционално изкуство, то също си запазва място за представяне на реалността: старци с бръчки, беззъби лица, деца с мръсни крака, натюрморти от плодове, уловени с необикновен реализъм...

Връщане към изворите на художествения реализъм

Реалистичното изкуство доминира на западната художествена сцена до средата на 19 век, когато се появяват първите скъсвания с „традиционното“ изкуство.. Импресионисти, естетически течения и по-късно фаув, постави под съмнение това, което от петнадесети век насам е установено като безспорна основа на „доброто“ изкуство.

Следователно авангардът на 20-ти век представлява един вид завръщане към произхода. Авангардните художници, в стремежа си да се дистанцират от академичното и официално изкуство, търсят нови начини за изразяване и ги намират в разрушаването на "реализма"; тоест перспективата, пропорцията, композиционната съгласуваност. С една дума, строгата имитация на реалността.

Известен е случаят с Пикасо, чиито рисунки често напомнят мозарабски миниатюри, или кубистите, които по подобен начин на това, което Египтяните преди повече от две хилядолетия разчупиха реалистичната визия на обектите и ги възпроизвеждаха в абсолютно субективен.

Хиперреализмът и новите реалистични течения

Често различните течения и артистични изяви си отговарят едно на друго. Вече споменахме във въведението как реалистичното движение от 19 век е отговор на романтизма от предишните десетилетия. Е, сега в художествената панорама откриваме течение, което издига живописния реализъм до неподозирани граници; имаме предвид така нареченото хиперреалистично течение.

Хиперреализмът се ражда в края на 20-ти век, отчасти като отговор на концептуалната и абстрактна тенденция на пластичните изкуства.. Това течение довежда до максимален израз имитацията на природата, което превръща нейните картини във фотографски репродукции (всъщност се нарича още фотореализъм). Остротата на композициите е такава, че често е наистина поразителна за зрителя; Разбира се, не липсват и недоброжелатели, които го наричат ​​обикновен имитатор на реалността.

Въпросът е: трябва ли изкуството да копира природата, както твърдят древните гърци със своя мимезис, или то има „задължение” да допринесе с нещо ново? Ако започнем от основата, че имитацията никога не е точно възпроизвеждане на истинското нещо (тъй като винаги минава през ситото на художника), може би трябва да се запитаме дали „изкуството реалистичен".