10-те най-важни барокови картини

Барокът е епоха и художествено течение, възникнало предимно през 17 век. Този художествен стил има множество шедьоври, разпространени сред най-добрите музеи в света.

В тази статия ще се съсредоточим върху бароковата живопис и ще спасим 10 от най-важните му картини.

• Свързана статия: „Какви са 7-те изящни изкуства? Обобщение на неговите характеристики"

Барокова живопис

17 век е свидетел на възхода на истинските майстори на живописта. Художници като Веласкес, Вермеер, Рубенс или Рибера изпълниха страниците на историята на изкуството по много начини. шедьоври, от съществено значение за познаване както на този исторически период, така и на еволюцията на изкуството в общ.

Както при повечето художествени движения, барокът не е единен стил.. Във всеки регион и всяка страна имаше свои собствени характеристики, движени от собствения си икономически, религиозен и социален контекст. По този начин, докато в католическите страни този стил служи като средство за Контрареформацията, в регионите Протестантите станаха много по-интимни и лични, тъй като бяха насърчавани от търговците и буржоазата на градове.

• Може да се интересувате от: "4-те най-важни характеристики на барока"

10-те основни картини на барока

След това ще направим кратко пътешествие през 10-те най-важни барокови картини.

1. Лас Менинас, от Диего Веласкес (Museo del Prado, Мадрид)

Това е може би едно от най-възпроизвежданите живописни произведения и едно от най-известните в света. Платното е известно като Лас Менинас, въпреки че първоначалното му име беше Семейството на Фелипе IV. Без съмнение е, един от шедьоврите на бароковата живопис и историята на изкуството като цяло.

Тя е рисувана през 1656 г. в Cuarto del Príncipe del Alcázar в Мадрид и пресъздава удивителна игра на светлина и перспектива. На заден план, отразени в огледало, виждаме бюстовете на монарсите, крал Фелипе IV и съпругата му Мариана Австрийска. Вляво от платното Веласкес прави автопортрет на статива. Интерпретациите на произведението са били и продължават да бъдат много разнообразни. Рисувате ли царете и изведнъж ви прекъсва малката инфанта Маргарита, която е придружена от своите менини и нейния антураж? Както и да е, картината напълно потапя зрителя в сцената, сякаш той е друг герой в нея.

2. Юдит и Олоферн, от Артемизия Джентилески (галерия Уфици, Флоренция)

От няколко години необикновеното творчество на Артемизия Джентилески си възвръща мястото, което заслужава в историята на живописта. Юдит и Олоферн е един от шедьоврите не само на живописния му корпус, но и на бароковата живопис като цяло.

Художникът ни представлява моментът, записан в Библията, в който Юдит, еврейската героиня, обезглавява Олоферн, вавилонски генерал, който я иска. Artemisia представя момента със свирепост, която смразява дъха ви. Много критици са искали да видят в грубостта на тази картина цялата ярост и страдание, които нарушение, на което той е бил жертва малко преди изпълнението на първата версия на картината, запазена в музея на Каподимонте, Неапол. Във всеки случай прекрасното светлосенче, композицията и динамиката на героите правят това произведение един от най-добрите образци на бароковата живопис.

• Свързана статия: „7-те най-добри музея в Испания, които не можете да пропуснете“

3. Момиче чете писмо пред отворения прозорец, от Йоханес Вермеер (Alte Meister, Дрезден)

Голямата и същевременно интимна живописна вселена на Вермеер е сведена, за съжаление, до около трийсет признати творби. Този недостиг на художествена продукция превръща този холандски бароков художник в художник, заобиколен от ореол на мистерия. Интериорът му беше изключително ценен по онова време, въпреки че по-късно изпадна в забрава и беше претениран много по-късно от импресионистите от 19-ти век.

Работата, която ни засяга перфектно представя онази вселена от домашна интимност, характерна за художника. В стая, осветена от млечната светлина, която влиза през отворен прозорец, млада жена съсредоточено чете писмо. Нейният личен свят става по-недостъпен, защото не можем физически да го достигнем, тъй като масата и завесата на преден план ни пречат. Това платно е прекрасен пример за барокова живопис от Холандия и преди всичко за онзи свят на неуловими и почти призрачни герои, които населяват творчеството на този необикновен художник.

• Може да се интересувате от: „Разликите между Ренесанса и Барока: как да ги различим“

4. Натюрморт, от Клара Петерс (Музей Прадо, Мадрид)

Жанрът на натюрмортите не е високо ценен в историята на изкуството, въпреки факта, че е така на жанр, който изисква голяма детайлност и, разбира се, безспорна способност за улавяне на текстури и повърхности. Шедьовър на жанра без съмнение е това Натюрморт на художничката Клара Пийтърс.

В него виртуозността на художника се проявява не само в внимателното представяне на елементи, но в поредицата от автопортрети, които художникът прави, като отражение, в каната и в чашата. Улавянето на отражение върху повърхност беше нещо, което изискваше изключителна виртуозност и Клара записва своите изобразителни способности чрез този ресурс, както и като начин да заявите ролята си на артист в професия, доминирана от мъже.

5. Неверието на Свети Тома, от Караваджо (Schloss Sanssouci, Потсдам)

Библейската тема за съмнението на светеца пред възкресението на Христос е събрана в тази творба с впечатляващ натурализъм. Свети Тома вкарва пръст в раната, която Исус гледа от едната си страна. Самият Христос води ръката му, като го насърчава да повярва чрез физически доказателства в това, което не е повярвал чрез вяра. Тази сцена никога не е била разказвана с толкова, можем да кажем, грубост. Характерният реализъм на Караваджо е очевиден в анатомията на телата, в бръчките, които набраздяват челата на апостоли, в мръсните нокти, които самият Свети Тома представя и най-вече във върха на пръста си, който влиза в плътта на Христос. Творчеството на Караваджо е един от най-добрите примери, че барокът е не само театралност и помпозност, но и често подхожда към реалността с изненадващ натурализъм.

• Свързана статия: „Има ли изкуство, обективно по-добро от друго?“

6. разпнат христос, от Хосе де Рибера (Епархийски музей на сакралното изкуство, Витория-Гастейс)

Един от най-впечатляващите разпъни на бароковата живопис. Съхранява се в Епархийския музей на сакралното изкуство във Витория-Гастейс, от изчезналия манастир на Санто Доминго и се смята за едно от най-добрите представяния на разпнатия Христос в живописта. испански. На неутрален и подчертано тъмен фон, който подсилва идеята за библейското затъмнение, съпътстващо смъртта на Христос, фигурата на Исус се издига на кръста, с бяло тяло и изкривено в a принуден контрапосто. Единственият източник на светлина е тялото му, тъй като дори кърпата за чистота е с подобен цвят на дървото на кръста, към който е прикован. Сцената сякаш улавя момента, в който Христос поглежда към небето и промърморва: „Всичко свърши. Consumatum est”.

7. Деца ядат грозде и пъпеш, от Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Мюнхен)

Вече коментирахме, че реализмът е типичен и за бароковото изкуство. Добър пример за това е това прекрасно платно на художника Бартоломе Естебан Мурило, съхранявано в Мюнхен, което представя две зле облечени деца, които ядат грозде и пъпеш. Испания от 17-ти век предлага подчертани контрасти, а бедността е обичайна гледка по улиците на градове като Мадрид. По този повод Мурильо представя двете момчета, концентрирани върху храната си. Те не гледат към зрителя; в действителност те почти не забелязват нашето присъствие. Докато похапват пъпеша и гроздето (може би една от малкото храни, до които ще имат достъп в продължение на много дни), те разговарят спокойно, за което свидетелстват разменените им погледи. Мръсни боси крака и протрити дрехи добавят драматична нотка към очарователната сцена.

8. Трезор с Апотеоз на испанската монархия, от Лука Джордано (Музей Прадо, Мадрид)

Този фантастичен таван, направен в края на 17-ти век с техниката на фалшива фреска, в момента може да се види в библиотеката на музея Прадо в Мадрид. Първоначално трезорът е принадлежал на старата Зала на посланиците на двореца Буен Ретиро, място за почивка и отдих, което графът-херцог на Оливарес наредил да бъде построено за крал Фелипе IV.

Както подсказва името му, Залата на посланиците е била мястото за приемане на монарха, така че иконографията, изложена на тавана, е възхвала на испанската монархия. Джордано създава изключителна композиция, изпъстрена с алегории и символи, извлечени от митологията. който се стреми да подчертае древността на испанската корона и нейното превъзходство над другите кралски къщи европейски.

9. трите благодаря, от Рубенс (Музей Прадо, Мадрид)

Очевидно Рубенс е направил това платно, едно от най-известните му произведения, за собствено удоволствие, както се вижда от факта, че при смъртта му то е било сред личната му колекция. Всъщност чертите на жената отляво са много подобни на тези на втората му съпруга, Хелена Фоурмент, за която Рубенс се жени, когато тя е само на шестнадесет, а той, на петдесет три. От древни времена, Обичайно е причината за Грациите да бъде свързана с годежи, така че не изглежда неразумно да се предположи, че художникът е нарисувал картината като знак на почит към собствената си връзка. Трите фигури стоят сладострастни и се хващат за ръце в нещо, което изглежда като някакъв танц. Това наистина е една от най-елегантните и чувствени картини на художника.

10. каеща се магдалена от светилника, от Жорж дьо Ла Тур (музей Лувър, Париж)

Де Ла Тур е фантастичен художник, който е известен с изящното светлосенче в своите композиции, постигнато чрез блясъка на една или повече свещи.

В този случай картината ни показва Мария Магдалена, погълната от своята медитация. Погледът й е прикован в огъня на свещта, която гори пред нея, единственият източник на светлина в картината, както е обичайно в творчеството на художничката. Светицата подпира главата си с едната си ръка, а с другата, която лежи в скута й, държи череп, символ на покаянието и преходността на живота, така характерен за барока. Мотивът на покаяната Магдалена е много разпространен през 17 век. Самият Де Ла Тур прави до пет версии на тази картина. В две от тях черепът е на масата и с обема си прикрива огъня на свещта, което още повече подчертава светлотеницата на сцената.