Едвард Мунк: 20 брилянтни творби за разбиране на бащата на експресионизма

Едвард Мунк е норвежки художник, разположен в прехода от 19-ти до 20-ти век и се смята за бащата на експресионизма. Неговата работа, скандална за мнозина, предизвика възхищението на младите художници и неспециализираната публика. Те бяха идентифицирани с безпокойството, породено от бързата индустриализация и преобладаващия механизъм.

За утвърдени артисти причината за скандала беше в техническата свобода на Мунк. За консервативните сектори се основаваше на факта, че художникът открито се обърна към теми като секс, любов и най-вече болест и смърт, големите си мании.

Неговият стил е уникален, благодарение на факта, че създава автентичен и оригинален език, следствие от свободното диалогиране с пост-импресионизма, ар нуво и авангарда. Ето защо, въпреки че Мунк отваря вратите на експресионизма, той не може да бъде етикетиран в нито едно движение. Разглеждайки най-важните му творби, ще разберем защо Мунк е уникален и неповторим художник.

1. Писъкът, 1893

Писъкът Работата на Мунк развихри най-скандала и въпреки това днес се смята за Мона Лиза на съвременното изкуство. Представлява андрогинен човек, чието лице изразява мъка в максималния си израз след изслушване или издаване на писък. Следователно субектът възприема света като вълнообразна и стръмна маса. Никой освен Мунк не е правил това преди в изкуството.

Пиесата е замислена след периода, в който една от сестрите му е била затворена за опит за самоубийство, което предполага известна връзка с епизода. Любопитен факт за Писъкът е, че Мунк прави четири версии с малки разлики помежду им, много често срещана практика в художника. Най-известната версия е тази от 1893 г., която е открадната през 1994 г. и е възстановена малко след това.

2. Безпокойство, 1894

Да Писъкът Това е образът на индивидуалното отчаяние Безпокойство това е изразът на колективната мъка, която Мунк улавя в норвежката душа. Следователно Мунк не е художник, ограничен до регистъра на индивидуалния дискомфорт, но е чувствителен към общия дискомфорт това засяга обществото в края на 19 век, чиято трансформация е много по-бърза от способността му да преработва промени.

Платното Безпокойство Базиран е на две предишни картини на Мунк. Пейзажът, който виждаме в Безпокойство е възстановен от платното Писъкът. Героите, от друга страна, са взети от Следобед на улица „Карл Йохан“. Стратегията за вземане на елементи от предишни кадри се повтаря в Мунк. Художникът не само „представя“ сцени, но елементите, които ги съставят, са замислени като свои собствени символи.

3. Болното момиче, 1885-1886

Болното момиче отговаря на ранен стил в творчеството на Мунк, доближаващ се до импресионизма. Платното изобразява по-малката сестра на Мунк, Софи, на смъртно легло от туберкулоза. По това време младата жена беше на около 15 години.

По негов обичай Мунк изпълнява различни версии на тази песен, която е постоянен източник на болка и вина за него. Това се дължи на факта, че художникът, който е страдал от туберкулоза на 13-годишна възраст, е почувствал, че трябва да е починал вместо сестра си.

4. Любов и болка (вампир), 1893

Мунк озаглави това произведение Любов и болка. В него той представляваше жена, която прегръща мъж, който лежи в скута й, сякаш търси утеха. Въпреки че Мунк никога не разкрива личния смисъл на произведението, оригиналното заглавие говори много. Когато обаче това парче беше разкрито, това предизвика огромен скандал.

Хората виждали садомазохистични знаци в нея и тълкували, че жената е ухапала врата на любимия си като вампир. Следователно картината започва да е известна като Вампир. Такъв беше скандалът, че години по-късно това беше една от многото картини на Мунк, цензурирани по време на нацистката окупация на Норвегия.

5. Мадона, 1894

Кутията, известна като Мадона първоначално е озаглавен Любов жена или Жена, която обича. Преименувайте произведението Мадона това несъмнено е провокация. Мунк произвежда поне пет известни версии на това парче.

Художникът изобразява жената сякаш е икона, за да предаде чувството на обожание, което нейната красота и сексуалност се пробужда. Червеният ореол, който обгражда главата му, намеква за връзката между любовта и болката, дори по време на завършването на сексуалния акт.

Тази хипотеза е оправдана, тъй като Мунк прави гравирана версия, чиято рамка включва декоративни мотиви на сперматозоиди, които се сливат върху зловещ плод. В заключение, картината е символ на цикъла на живота, който преминава през сексуалността, размножаването и смъртта.

6. Пепел, 1894

Пепел Счита се за едно от произведенията с най-голяма естетическа красота на Мунк поради резбоваността на линиите и оцветяването. В композицията виждаме мъж в черно, цветът на тъмнината и смъртта. Човекът се губи в ъгъла, сякаш крие лицето си от срам, с ръце до главата. Това ни напомня за унилия човек на Любов и болка (вампир).

Зад него жена в бяла рокля, с цвят на чистота и с червено елече, с цвят на страст, също вдига ръце. Лицето му изразява тъга и загриженост. Булото на страстта е разкъсано.

Връзката между изображението и заглавието сочи към парадокс: когато страстта се консумира, тя се разсейва. Огънят на страстта оставя само пепел. Но освен това жестовете на героите предизвикват вина и отчаяние. Това разкрива, че събитието се противопоставя на морален кодекс. Прелюбодейство ли е? Беше ли изнасилване? Сигурно зрителят е този, който го дешифрира.

7. Пубертет, 1894-1895

На Пубертет, Мунк изобразява напълно гол млад тийнейджър. Младата жена има уплашено лице и крие интимните си части. Повече от символ на скромност и невинност, жестовете са символ на страх и репресия в лицето на сексуалността, която Мънк е страдал през младостта си, като се има предвид религиозната строгост на баща му и контекста на епоха.

Тайнственото настроение на сцената се потвърждава от неразгадаемата сянка на заден план, която прилича на вид натрапчива фантасмагория. Важността на тази ранна работа на Мунк се крие във факта, че тя представлява точката на промяна между „импресионистичния“ удар и освобождаването на техниката в услуга на психологическия свят на художника.

8. Автопортрет с цигара, 1895

Автопортрет с цигара Това е едно от най-известните произведения на Мунк, както и най-известният му автопортрет сред многото, които е направил. На платно авторът демонстрира разбиране и абсолютно майсторство на техниката, която представя блясъка на светлината сред тъмнината и дима.

По този начин Мунк изгражда почти мистериозна атмосфера, която насочва вниманието към лицето и ръката му. Лицето изглежда озадачено и изненадано, докато ръката, освен че държи цигарата, се издига до нивото на сърцето. Ако лицето е знакът за вътрешната идентичност на субекта, засегнато от емоционална нестабилност, ръката е символът на пластичния художник.

9. Смърт в стаята, 1895

По време на детството си Едвард Мунк вижда, че много членове на семейството умират от туберкулоза: майка му и баща са някои от случаите. Смърт в стаята представлява страданието на семейството му при загубата на по-малката му сестра Софи, която не виждаме. Гений на автора е да фокусира вниманието на зрителя върху емоционални страдания, а не смърт.

Човекът, който вдига ръце в молитвено отношение, е баща му, строг протестантски религиозен човек. Смята се, че човекът, облегнат на стената, е Мунк, който обръща гръб на сцената (смърт, обич и вяра), докато гледа право в собствената си сянка. Той подчертава факта, че всеки член на семейството страда отделно.

10. Две човешки същества (самотните), 1896

Платното Двама човешки същества не е нищо друго освен алегория на самотата. В него виждаме мъж и жена без идентичност, с гръб към зрителя, съзерцаващи инертния хоризонт. Изглежда между двете има непреодолимо разстояние.

Творбата, както и много други от Мунк, е отразявана многократно и в различни техники. И темата, и начинът на нейното представяне потвърждават тревожния, самотен и депресивен характер на художника.

11. Целувката, 1897

Целувката, от 1897 г., е една от версиите на картината, известна като Целувката зад прозорецаот самия Мунк. Откроява се начинът, по който художникът е представил двете фигури. Те приличат на едно тяло, без разделителни линии между тях. Героите нямат идентичност, собствени граници.

Сливането на героите не може да бъде прочетено романтично, тъй като тъмната и тежка атмосфера на сцената също предполага близостта на смъртта. Въздействието, генерирано от тази поредица, беше такова, че вдъхнови известната творба Целувкатаот Густав Климт.

Това може да ви заинтересува: Анализ на Целувкатаот Густав Климт.

12. Плодовитост, 1898

На платното Плодовитост от Мунк виждаме бременна жена, изправена, носеща изобилните плодове на дървото. Пред нея мъжът, седнал, смазан и наведен, контрастира. До него се вижда паднал бастун. Между човека и дървото има приемственост, тъй като първият опира крака си в ствола на дървото.

Дървото може да се интерпретира като дървото на живота. Отсечен е обаче клон, от който е останал само пън. За да даде плод, дървото е подрязано, разчленено.

По-радикалните интерпретации предполагат, че Мунк изразява своето отхвърляне да има деца. Плодовете й биха представлявали края на плодовете му. Тълкуването се основава на факта, че картината е нарисувана, когато Мунк е изправен пред възможността да се ожени за Тула Ларсен, ангажимент, който никога не е бил изпълнен.

13. Среща в космоса, 1898

На Среща в космоса виждаме мъж и жена, които гравитират в космоса. Работата представлява еротичен момент, очертан не само от тела и жестове, но и от линии, намекващи за движението на спермата около фигурите. Лицата са отдалечени едно от друго. Жената изглежда почти безразлична. Човекът изглежда доставен. Парчето показва техническата гъвкавост на автора, както и символите и изразителните ресурси.

14. Танцът на живота, 1899

Танцът на живота това е метафора за етапите на живота и любовта. Това е сцена на открито, на фона на която е наситено синьо небе над норвежко езеро. На небето виждаме северното слънце и неговото отражение във водата, един от символите, който постоянно се повтаря в картините на художника.

На преден план виждаме същата жена на три етапа: млада мома в бяло вляво. Вдясно, самотна жена, облечена в черно. В центъра жената и нейният мъж танцуват, сякаш светът не съществува. Червеното на роклята символизира живота и страстта. Двойката може да бъде Тула Ларсен и Мунк.

Около тях танцуват други герои. Зад жената в черно се вижда гротескен мъж, готов да малтретира жена. Важността на тази работа се крие в начина, по който Мунк успява да предаде сложността на вътрешните си мъки около етапите на живота, които той ограничава като любов.

15. Смъртта на Марат, 1907

През период от живота си Мунк се посвещава на правенето на различни версии на Смъртта на Марат. Сред тези версии ви представяме една, направена през 1907 година. Марат е френски журналист и политик от 18-ти век, който е убит от Шарлот Кордей.

Изглежда, че поредицата има самия Мунк като мъжка референция, като по този начин затвърждава идеята, че художникът се чувства жертва на жени. От естетическа гледна точка творбата се откроява с използването на линии като форма на оцветяване. Това е вид районизъм, който се скъсва с модернистичния стил на извитата линия и с използването на плътни цветни повърхности.

16. Къпещи се мъже, 1907

Къпещи се мъже de Munch се откроява със своя жив и жив характер, който е противоположен на вълнообразната и тъмна атмосфера на много от неговите платна. Сцената изобразява група мъже на гол плаж, където Мунк прекарва период на възстановяване.

Мунк показва умението си за анатомично рисуване, както и умението си за оцветяване. Внедрената техника се подхранва от импресионистични и районистки принципи и в някои аспекти изглежда диалог с фовизма.

17. Слънце, 1909-1911

Слънце е монументална стенопис от Едвард Мунк, намерена в университета в Осло. В това Мунк изследва нови пластични езици, които го доближават до абстрактния авангард, особено Кандински, представител на групата Der Blaue Reiter и лирична абстракция.

Символиката тук достига своя максимален израз. Слънцето се превръща в метафора за божественото, което излъчва своята светлина върху света и изчиства сенките на невежеството. С това произведение Мунк за пореден път демонстрира своята творческа свобода, което обяснява защо той не може да бъде етикетиран в един стил или движение. Мунк се разкрива като уникален художник в постоянни иновации.

Може да се интересувате и от: Експресионизъм: характеристики, произведения и автори.

18. Галопиращ кон, 1912

В кадъра Галопиращ кон, виждаме кон, който тегли снежна шейна с човек на борда. Привличащият вниманието детайл е по следата, която се откроява като прекалено тясна за подвига.

Изплашеният израз на коня и разположението на хората отстрани на пътя ни дават да разберем непосредствена опасност. Децата отдясно се опитват да се измъкнат, докато възрастните отляво чакат неустрашимо, преди да се преместят. Това е нов подход към темата за страха и безпокойството, така присъстващ в автора.

19. Работници в снега, 1913

Едвард Мунк също беше чувствителен към социалната реалност, която го заобикаляше. Доказателство за това са различните картини, които той е направил за работниците, като това платно, наречено Работници в снега.

На преден план Мунк представя трима работници, застанали пред зрителя, с лопатите като опорна точка. В тях можете да усетите сила, но също и умора и стареене.

Вдигнатият юмрук на работника, разположен в центъра, предполага искане или искане. Тези трима мъже изглежда са вдигнати на ръце. Зад тези три героя останалите работници продължават работата си, не забравяйки погледа на художника и обществото.

20. Автопортрет между часовника и леглото, 1940-1943

Автопортрет между часовника и леглото това е картина от последния творчески етап на Мунк. Мунк се възползва от платното, за да символизира близостта на смъртта, поставяйки фигурата си между дядов часовник и леглото. Часовникът представлява неудържимото течение на времето, а леглото представлява смъртта като последно легло, като вечен покой.

Един детайл се откроява в контраст: докато часовникът има античен дизайн, покривката на леглото има модерен геометричен дизайн. С това Мунк изразява съвестта си относно драматичната промяна на времето, през което е трябвало да живее.

Зад Мунк може да се различи един вид стая, в която се предполага присъствието на референтни произведения от неговия артистичен живот, на които той е посветил всичките си усилия.

Вижте също: Рамков анализ Писъкът от Едвард Мунк.

Биография

Едвард Мунк е норвежки художник и график, роден на 12 декември 1863 г. и починал на 23 януари 1944 г.

От малък той трябваше да се справи с болестта и смъртта. За първи път туберкулозата отне живота на майка си, Лора Катрин Мунк, когато момчето беше само на 5 години. По-късно той причини смъртта на по-малката си сестра Софи; този на чичовците му, а години по-късно и този на баща му, Кристиан Мунк. Дори самият Едвард Мунк страдал от болестта на 13-годишна възраст.

Тези събития накараха художника да развие ужасен ужас от болести и болести. смърт и следователно цял живот страдаше от тревожност и депресия, което определи запитванията му артистичен.

Мунк започва да учи инженерство през 1879 г., но скоро изоставя тази кариера, за да се посвети на живописта. Той е повлиян от френското изкуство от 19-ти век благодарение на пътуванията си до Париж. Около 1890 г. той започва да рисува проекта Фризът на живота, поредица от картини, изобразяващи различни етапи от човешкия живот, базирани на собствения му опит.

Въпреки че в началото работата му е източник на скандал, тя в крайна сметка печели важно място в музеите на неговата страна и Европа. След нацистката окупация в Норвегия обаче, около 1940 г., картините на Мунк са цензурирани от нашествениците и са премахнати от експонатите.

1942 г. обаче бележи окончателното му международно освещаване, като е обект на изложба в Ню Йорк в знак на признание за плодотворната му художествена работа. Две години по-късно Мунк умира в пълна самота.