Pop-art: charakteristika, umělci a hlavní díla

The populární umění, známý ve španělštině jako pop art, je plastické hnutí, které mělo svůj původ v padesátých letech. Narodilo se mezi Velkou Británií a Spojenými státy, ale právě ten se stal nositelem standardu hnutí. Pop-art však vytvořil šokovou vlnu po celém světě, a to jak v Evropě, tak v Latinské Americe, Asii a Oceánii.

Pop-art je kontextualizován v celém procesu formování konzumní společnosti, jejíž impuls definitivní se odehrálo po druhé světové válce a příchodu televize, nového vetřelce domovy.

Tento umělecký styl se zrodil jako pokus vytvořit umění, které bere v úvahu vesmír symbolů a témat obrovského zájmu to znamená „populární“ symboly, kterým se zdálo, že se kulturní elita obrací zády a popírá svůj mobilizující průnik do imaginárního kolektivní.

Charakteristika pop-artu

Inspirace masovou kulturou

Pokud staří představovali ve svých dílech obraz světa, jak ho znali a pojali, byla to povinnost současných umělců udělat totéž. Popoví umělci by šli k těm každodenním předmětům, které se staly novými symboly „civilizace“: mediální idoly, politické osobnosti, hromadně vyráběné předměty, komiksy (komiksy), plakáty, obaly a všechny druhy symbolických obrazů (známky provoz,

koláže, atd.).

Rozšíření pojmu krása na repertoár popových symbolů

The populární umění Pochopil, že i objekty masové kultury mohou obsahovat prvky krásy, nejen antiku Venuše a Madony. Samozřejmě to nepřestane být provokací pro intelektuální prostředí, což je aspekt, který populární umělci velmi dobře využívají ve svůj prospěch.

Dekontextualizace

Jedna ze strategií společnosti populární umění bylo to zapůjčení předmětů a jejich dekontextualizace. Například vyndání polévky, slavného obrazu nebo fotografie z kontextu, její zásah a transformace na dílo nebo nové dílo. Něco podobného provedli dadaisté svou technikou hotové protože Marcel Duchamp vytvořil svůj slavný Kašna: zasažený pisoár s podpisem umělce, pod pseudonymem R. Mutt, a že to bylo prezentováno jako muzejní dílo.

Popření virtuozity

Tito umělci neobhajovali virtuozitu jako hodnotu. Tím se pop-art rozešel s myšlenkou na umělecké dílo v důsledku složitého, dlouhého a obtížného procesu, který upřednostňoval princip vícenásobné reprodukce.

Z tohoto důvodu implementovali v oblasti výtvarného umění naprosto neobvyklé techniky, jako je sítotisk, komiks s jeho známkami a stylem čáry, některými technikami reklamy a masové výroby a také koláže a fotografie.

Někteří umělci byli radikálnější a produkovanější události a interaktivní představení, zasažení úderem proti sbírání a komodifikaci umění.

Nesoulad

Vesmír symbolů, který pop art nabízel, nebylo pro intelektuály staré školy příliš snadné asimilovat, a navíc popoví umělci neměli jednotnou pozici ve vztahu k tomu, co reprezentovali, což jim ztěžovalo věci. Jejich účel proto nemusel být nutně jasný. Kritizovali spotřebu? Ověřili spotřebu? Využili okolností? Vytvořili tak zdánlivě nepřiměřené a provokativní obrazy.

Humor

Protože to nebylo zamýšleno jako intelektuální umění, bylo pop-art také hnutím plným humoru a komplikačních mrknutí na diváka.

Daleko od poblázněných pozic velkých teoretiků a intelektuálů média popoví umělci ironicky a smáli se okolnímu řádu. Možná to byl jiný způsob kritiky.

Provokace

To vše způsobilo, že pop art byl provokativní, provokativní a kontroverzní. Například tím, že zpochybnili myšlenku originality, zpochybnili také nadřazenost tvůrčího génia, postavy, které se od renesance vzdává hold. Zeptali se také na roli kritiků, historiků umění, konceptu muzeí, výběrových kritérií, principů muzeografie ...

Ale kromě všeho, co tvoří populární umění, je evidentní, že spontánní generací nic nevzniká, a to dříve, než to formulovali popoví umělci estetický program, předchozí generace vytvářely podmínky pro tuto autentickou vzpouru znamení umělecký. Podívejme se, jaké měl pozadí a jaké vztahy měl pop-art v kreativním kontextu padesátých let.

Pop-art pozadí

Vlivy populární umění lze je najít v proudech, jako je dadaismus, který se objevil v první vlně avantgardních hnutí. Bylo to kulturní hnutí, které zpochybňovalo pozitivistický racionální řád a které, zejména v malbě, vynikalo tím, že navrhovalo nové techniky, jako je hotový, technika, která spočívala v pořizování předmětů každodenní potřeby, jejich zásahu a přeměně na předměty vhodné pro výstavu v muzeu, aniž by byly skryty jejich vlastnosti nebo původ.

Blíže v čase byla klíčovou přímou hnací silou Independent Group, známá pod zkratkou anglického názvu IG (Independent Group).

IG se objevila v roce 1952 na Institutu současného umění v Londýně a působila až do roku 1955. Během tohoto období Británie, stejně jako jiné plně industrializované země v Evropě, zažívala růst jiné městské populární kultury po přídělu a úsporných opatřeních druhé války svět.

Do této skupiny se zapojilo mnoho umělců. Byl to však Ital Edouardo Paolozzi, kdo se stal zakládajícím odkazem na populární umění po první relaci IG. V tomto promítl Paolozzi několik koláže který vyrobil z časopisů pomocí neprůhledného projektoru. První snímek byl kolážByl jsem hračkou bohatého muže (Byl jsem hračkou bohatého muže), ve kterém je poprvé použito slovo „pop“, podle něhož by hnutí získalo svůj název.

V této souvislosti IG poprvé v uměleckém prostředí diskutovala o problému masové kultury a jeho důsledcích v definici kultury, jak byla do té doby pojata. Pro ně to také přinutilo přehodnotit představu současného umění.

Současně ve Spojených státech probíhaly zásadní změny ve světě kultury, které se prolomily všechno, co si dosud představovalo, bez toho, aby je někdo řídil impulsy.

V tomto smyslu představuje životně důležitý precedens pro pop art slavné dílo 4'33 '' od skladatele Johna Miltona Cagea. Tato práce spočívala v provedení skóre o délce 4 minut a 33 sekund, jehož jedinou písemnou indikací bylo slovo „tacet“ (ticho).

Podle výkladu některých byl Cageův návrh zaměřen na vnímání environmentálního hluku produkovaného veřejností jako dílo hudebního umění. Bezpochyby šlo o absolutní revoluci, kdy se hudba ujala nečekaným způsobem a zpochybnila základní předmět své disciplíny. Co by umělo dělat?

Za prvé by reagovaly proti intelektualizaci umění a vyhýbavému charakteru zasvěcených umělců tváří v tvář invazivní současná realita, rysy, které tato generace připisovala zejména Jacksonovu abstraktnímu expresionismu Pollock. Nová generace umělců by si tedy přivlastnila Cageovu myšlenku: eliminovat vzdálenost mezi uměním a životem. Uvidíme, proč a za co to udělali.

Proč a za co se zrodilo pop art?

Charakteristiky pop artu, které jsme odhalili, ukazují, že toto hnutí mělo hluboký význam, na rozdíl od vět, které ho obviňují z povrchnosti.

Na toto hnutí lze pohlížet jako na umění bez kompromisů, ale někdy může být toto tvrzení nefér. Je pravda, že má silnou vizuální zátěž, je pravda, že to není skandalizováno symboly masové kultury, ale existuje také smysl ve spodní části.

V konkrétním případě amerických umělců. Měli zájem zkoumat konečnou podstatu severoamerikanismu uprostřed tohoto obratu šroubu, který znamenal přechod k masové společnosti. Spolu s tím se nějakým způsobem také pokusili znovuobjevit obrazovou malbu, kterou skrýval abstraktní expresionismus za šatníkem.

Ale obecně bylo popovým umělcům po celém světě jasné, že ironie jim umožnila ukázat, že Materialismus a vulgárnost se účastnili hegemonického řádu, který masový tábor zřídil v letech 1950 až 1970.

Zároveň poznali, co mají nové symboly jasného a nepřetržitého projevu hodnot kulturní změny, které jim mnohokrát umožnily pozorovat nové ikony, aniž by činily úsudky hodnota.

V širším smyslu pop art rozšířením repertoáru ikonografických témat umění rozšířil začlenění symbolů konzumní společnosti, ale také který stanovil postoj ke dvěma věcem: přeskupení konzumní společnosti a odmítnutí intelektuálních elit uznat, že tento jev prošel celou společností. kultura.

Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman nebo Batman byli tedy tak „kulturní“ a hodní pozornosti pro jejich současný svět jako repertoár afrodit, venus, adonis, apollos, panen, svatých, nositelů vody, pastýřů, krajin, králů a osobností pro století XVI.

Nejlepší umělci

Andy Warhol (1928-1987)

Byl významným severoamerickým plastickým umělcem, ilustrátorem a filmařem. Byl odpovědný za aplikaci principů marketingu a reklamy do umělecké sféry. Tím otevřel cestu pro rozvoj pop-artu.

Vytvořil jednu z nejznámějších frází v historii umění, která se dnes naplňuje díky novým informačním technologiím: „V budoucnosti bude každý slavný po dobu 15 minut.“ Z jeho nejvýznamnějších děl můžeme zmínit sérii Campbel polévkové plechovky a portréty osobností veřejného života, jako jsou Marylin Monroe, Mao Tse Tung a sebe, na sítotisk.

Viz také Sedm ikonických děl Andyho Warhola.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Malíř, grafik a sochař. Aplikoval komiksovou techniku ​​na konvenční plastiky, čímž dosáhl uznání nové vizuální kultury v uměleckém světě. Použil také další techniky, jako je sítotisk a koláž. Jeho díla jsou obzvláště slavná Polibek Y Wham!

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Svou kariéru malíře zahájil pod záštitou abstraktního expresionismu, ale uprostřed svého života začal prozkoumejte jazyk a možnosti pop-artu, dokud se nestane jedním z jeho nejdůležitějších zástupci. Vynikl kombinací neobvyklých materiálů ve výtvarném umění, které mohly zahrnovat i kombinaci malby se sochařstvím, gravírování fotografie a výkon. Tato technika se stala známou jako kombajn. Mezi jeho nejslavnější díla patří: seriál Factum a série Retroaktivní.

Jasper Johns (1930)

Je americkým plastickým umělcem, ve kterém jsou viditelné prvky pop-artu i abstraktního expresionismu, minimalismu a neodadaismu. Jeho oblíbená technika byla enkaustika. V kapitole Simpsonovi Jasper Johns, nazývaný „Máma a pop art“ nebo „Umění táty a matky“ (ve španělsko-americkém překladu), se jeví jako jeden z umělců, s nimiž se Homer spřátelí. Na konci kapitoly je viděn krást materiály pro svá díla. Z jeho nejznámějších skladeb můžeme zmínit Tři vlajky Y Diana se čtyřmi tvářemi.

Mohlo by vás zajímat:

• Umělecká hnutí 20. století
• Hyperrealismus