Edvard Munch: 20 skvělých prací k porozumění otci expresionismu

Edvard Munch je norský malíř, který se nachází na přechodu od 19. do 20. století a je považován za otce expresionismu. Jeho práce, pro mnohé skandální, vzbudila obdiv mladých umělců i odborné veřejnosti. Ty byly identifikovány s úzkostí vyvolanou rychlou industrializací a převládajícím mechanismem.

U zavedených umělců byla příčina skandálu v Munchově technické svobodě. U konzervativních sektorů to bylo založeno na skutečnosti, že malíř otevřeně oslovoval předměty, jako je sex, láska a především nemoc a smrt, jeho velké posedlosti.

Jeho styl byl jedinečný díky tomu, že vytvořil autentický a originální jazyk, důsledek svobodného dialogu s postimpresionismem, secesí a avantgardou. Proto, i když Munch otevřel dveře expresionismu, nemůže být označen v žádném pohybu. Při pohledu na jeho nejdůležitější díla pochopíme, proč je Munch jedinečný a neopakovatelný umělec.

1. Křik, 1893

Křik Právě Munchova práce rozpoutala největší skandál a přesto je dnes považována za Mona Lisa současného umění. Představuje androgynní osobu, jejíž tvář vyjadřuje úzkost v maximálním vyjádření po vyslechnutí nebo vyslovení křiku. Subjekt tedy vnímá svět jako zvlněnou a pronikavou masu. Nikdo kromě Muncha to předtím v umění neudělal.

Hra byla koncipována po období, kdy byla jedna z jeho sester uvězněna za pokus o sebevraždu, což naznačuje určitou souvislost s epizodou. Zvláštní skutečnost o Křik je to, že Munch vytvořil čtyři verze s mírnými rozdíly mezi nimi, což je v malíři velmi běžná praxe. Nejznámější verzí je verze z roku 1893, která byla ukradena v roce 1994 a krátce poté se vzpamatovala.

2. Úzkost, 1894

Ano Křik Je to obraz individuálního zoufalství Úzkost je to výraz kolektivní úzkosti, kterou Munch zachycuje v norské duši. Munch proto není umělec omezený na registr individuálního nepohodlí, ale je citlivý na všeobecné nepohodlí ovlivňující společnost na konci 19. století, jejíž transformace je mnohem rychlejší než její zpracovatelská schopnost Změny.

Plátno Úzkost Je založen na dvou předchozích Munchových obrazech. Krajina, ve které vidíme Úzkost byl obnoven z plátna Křik. Postavy, na druhé straně, byly převzaty Odpoledne na ulici Karla Johana. Strategie přijímání prvků z předchozích snímků se v Munchovi opakuje. Malíř nejen „představuje“ scény, ale prvky, které je tvoří, jsou koncipovány jako jejich vlastní symboly.

3. Nemocná dívka, 1885-1886

Nemocná dívka odpovídá časnému stylu Munchovy práce, blížícímu se impresionismu. Plátno zobrazuje Munchovu mladší sestru Sophii na smrtelné posteli z tuberkulózy. Do té doby měla mladá žena asi 15 let.

Jak bylo jeho zvykem, Munch provedl různé verze této písně, která pro něj byla trvalým zdrojem bolesti a viny. To bylo způsobeno skutečností, že malíř, který ve 13 letech trpěl tuberkulózou, měl pocit, že musel zemřít místo své sestry.

4. Láska a bolest (upír), 1893

Munch tuto práci nazval Láska a bolest. Představoval v něm ženu objímající muže, který jí leží na klíně, jako by hledal útěchu. Ačkoli Munch nikdy neprozradil osobní význam díla, původní název mluví za vše. Když však bylo toto dílo odhaleno, vyvolalo to obrovský skandál.

Lidé v ní viděli sadomasochistické znaky a vykládali si, že žena kousla krk svého milence jako upíra. V důsledku toho obraz začal být známý jako Upír. Takový byl skandál, který po letech byl jedním z mnoha Munchových obrazů cenzurovaných během nacistické okupace Norska.

5. madona, 1894

Krabice známá jako madona měl původně název Milenka nebo Žena, která miluje. Přejmenujte dílo madona je to nepochybně provokace. Munch vyrobil nejméně pět známých verzí tohoto kusu.

Umělec představuje ženu, jako by to byla ikona, aby vyjádřil pocit adorace, že se její krása a sexualita probouzí. Červená svatozář, která obklopuje jeho hlavu, se zmiňuje o vztahu mezi láskou a bolestí, a to i během dovršení sexuálního aktu.

Tato hypotéza je oprávněná, protože Munch vytvořil rytou verzi, jejíž rám zahrnoval dekorativní motivy spermií, které se sbíhají na děsivý plod. Na závěr je obraz symbolem cyklu života, který prochází sexualitou, plodením a smrtí.

6. Popel, 1894

Popel To je považováno za jedno z děl s největší estetickou krásou Munch kvůli navlékání linek a zbarvení. Ve složení vidíme muže v černém, barvě temnoty a smrti. Muž je ztracen v rohu, jako by si v hanbě skrýval tvář, s rukama nad hlavou. Připomíná nám to sklíčeného muže Láska a bolest (upír).

Za ním také zvedá ruce žena v bílých šatech barvy čistoty as červeným živůtkem barvy vášně. Jeho tvář vyjadřuje smutek a znepokojení. Závoj vášně byl roztržen.

Vztah mezi obrazem a nadpisem ukazuje na paradox: když je vášeň pohlcena, rozplyne se. Oheň vášně zanechává jen popel. Ale navíc gesta postav vyvolávají vinu a zoufalství. To ukazuje, že událost vzdoruje morálnímu kodexu. Je to cizoložství? Možná znásilnění? Musí to být divák, kdo to dešifruje.

7. Puberta, 1894-1895

Na Puberta, Munch líčí úplně nahého mladého teenagera. Mladá žena má ustráchaný obličej a skrývá své soukromé části. Více než symbol skromnosti a nevinnosti jsou gesta symbolem strachu a represe tváří v tvář sexualita, kterou Munch trpěl v mládí, vzhledem k náboženské přísnosti jeho otce a kontextu epocha.

Tajemnou náladu scény potvrzuje nerozluštitelný stín v pozadí, který vypadá jako jakási strašidelná fantazmagorie. Význam této rané Munchovy práce spočívá v tom, že představuje bod změny mezi „impresionistickou“ mrtvicí a osvobozením techniky ve službách psychologického světa umělce.

8. Autoportrét s cigaretou, 1895

Autoportrét s cigaretou Je to jedno z nejznámějších Munchových děl a také jeho nejznámější autoportrét z mnoha, které vytvořil. Na plátně autor demonstruje porozumění a absolutní zvládnutí techniky, která představuje záři světla uprostřed tmy a kouře.

Přitom Munch vytváří téměř tajemnou atmosféru, která přitahuje pozornost k jeho tváři a ruce. Tvář vypadá zmateně a překvapeně, zatímco ruka, kromě držení cigarety, stoupá na úroveň srdce. Je-li tvář znakem vnitřní identity subjektu ovlivněného emoční nestabilitou, je ruka symbolem plastického umělce.

9. Smrt v místnosti, 1895

Během svého dětství viděl Edvard Munch umírat mnoho členů rodiny na tuberkulózu: jeho případy jsou jeho matka a otec. Smrt v místnosti představuje utrpení jeho rodiny při ztrátě jeho mladší sestry Sophie, kterou nevidíme. Je génius autora soustředit pozornost diváka spíše na emoční utrpení než na smrt.

Muž, který zvedá ruce s modlitbou, je jeho otec, přísný protestantský řeholník. Za muže opírajícího se o zeď se považuje Munch, který se na scéně otáčí zády (smrt, náklonnost a víra) a dívá se přímo na svůj vlastní stín. Zdůrazňuje skutečnost, že každý člen rodiny trpí zvlášť.

10. Dva lidé (osamělí), 1896

Plátno Dvě lidské bytosti není to nic jiného než alegorie osamělosti. V něm vidíme muže a ženu bez identity, zády k divákovi, uvažující o inertním horizontu. Mezi nimi se zdá být nepřekonatelná vzdálenost.

Práce, stejně jako mnoho dalších od Muncha, byla zpracována mnohokrát a různými technikami. Téma i způsob jeho znázornění potvrzují úzkostlivý, osamělý a depresivní charakter umělce.

11. Polibek, 1897

Polibek, z roku 1897, je jednou z verzí obrazu známého jako Polibek za oknemsám Munch. Způsob, jakým malíř představoval dvě postavy, vyniká. Vypadají jako jediné tělo a mezi nimi nejsou žádné dělící čáry. Postavám chybí identita, jejich vlastní limity.

Spojení postav nelze číst romanticky, protože temná a těžká atmosféra scény také naznačuje blízkost smrti. Dopad generovaný touto sérií byl takový, že inspiroval slavné dílo PolibekGustav Klimt.

Mohlo by vás zajímat: Analýza PolibekGustav Klimt.

12. Plodnost, 1898

Na plátně Plodnost od Muncha vidíme těhotnou ženu, vztyčenou, nesoucí hojné plody stromu. Před ní kontrastuje muž sedící, zkreslený a sklonený. Vedle něj je vidět spadnutá hůl. Mezi mužem a stromem existuje kontinuita, protože první spočívá nohou na kmeni stromu.

Strom lze interpretovat jako strom života. Byla však odříznuta větev, z níž zbyl jen pařez. Aby strom přinesl ovoce, byl ořezán a rozřezán.

Radikálnější interpretace naznačují, že Munch vyjadřuje své odmítnutí mít děti. Její plody by představovaly konec jeho ovoce. Výklad je založen na skutečnosti, že obraz byl namalován, když Munch čelil možnosti oženit se s Tullou Larsenovou, závazkem, který nikdy nebyl naplněn.

13. Setkání ve vesmíru, 1898

Na Setkání ve vesmíru vidíme muže a ženu gravitovat ve vesmíru. Práce představuje erotický okamžik, ohraničený nejen těly a gesty, ale také liniemi narážejícími na pohyb spermií kolem postav. Tváře jsou od sebe vzdálené. Žena vypadá téměř lhostejně. Muž se zdá být doručen. Dílo ukazuje technickou univerzálnost autora, stejně jako symboly a expresivní prostředky.

14. Tanec života, 1899

Tanec života je to metafora pro etapy života a lásky. Jedná se o venkovní scénu, jejíž pozadí tvoří temně modrá obloha nad norským jezerem. Na obloze vidíme severní slunce a jeho odraz ve vodě, jeden ze symbolů, který se neustále opakuje v malířových malbách.

V popředí vidíme stejnou ženu ve třech fázích: mladá dívka v bílém vlevo. Vpravo osamělá žena oblečená v černém. Ve středu tancovala žena a její muž, jako by svět neexistoval. Červená barva šatů symbolizuje život a vášeň. Pár by mohl být Tulla Larsen a Munch.

Kolem nich tančí další postavy. Za černou ženou je viděn groteskní muž připravený ženu zneužít. Důležitost této práce spočívá ve způsobu, jakým Munch dokáže vyjádřit složitost své vnitřní úzkosti kolem životních stádií, které miluje.

15. Smrt Marata, 1907

Během svého života se Munch věnoval výrobě různých verzí Smrt Marata. Z těchto verzí představujeme verzi vyrobenou v roce 1907. Marat byl francouzský novinář a politik z 18. století, který byl zavražděn Charlotte Cordayovou.

Zdá se, že seriál má Muncha jako mužskou referenci, čímž upevňuje myšlenku, že malíř se cítil obětí žen. Z estetického hlediska se práce vyznačuje použitím linií jako formy vybarvení. Jedná se o druh rayonismu, který prolomí modernistický styl zakřivené čáry a použití hustých barevných povrchů.

16. Koupající muži, 1907

Koupající muži de Munch vyniká živým a živým charakterem, který je v rozporu s zvlněnou a temnou atmosférou mnoha jeho pláten. Scéna zobrazuje skupinu mužů na nahé pláži, kde Munch trávil období zotavení.

Munch předvádí svůj talent pro anatomickou kresbu i svůj talent pro barvení. Implementovaná technika je živena impresionistickými a rayonistickými principy a v některých aspektech se zdá, že vede dialog s fauvismem.

17. slunce, 1909-1911

slunce je monumentální nástěnná malba Edvarda Muncha nalezená na univerzitě v Oslu. V tomto Munch zkoumá nové plastické jazyky, které ho přibližují k abstraktní avantgardě, zejména Kandinského, zástupce skupiny Der Blaue Reiter, a lyrické abstrakce.

Symbolika zde dosahuje svého maximálního vyjádření. Slunce se stává metaforou pro božské, které vyzařuje své světlo na svět a čistí stíny nevědomosti. Touto prací Munch znovu demonstruje svou tvůrčí svobodu, což vysvětluje, proč nemůže být označen jediným stylem nebo pohybem. Munch se projevuje jako jedinečný umělec v neustálých inovacích.

Mohlo by vás také zajímat: Expresionismus: charakteristika, díla a autoři.

18. Cval koně, 1912

V rámu Cval koně, vidíme koně táhnout sněhové sáňky s mužem na palubě. Poutavý detail je na stopě, která vyniká jako příliš úzká pro tento výkon.

Vyděšený výraz koně a dispozice lidí na kraji silnice nám umožňují porozumět bezprostřednímu nebezpečí. Děti napravo se snaží utéct, zatímco dospělí vlevo čekají neohroženě, než se pohnou. Jedná se o nový přístup k tématu strachu a úzkosti, který je autorem přítomen.

19. Pracovníci ve sněhu, 1913

Edvard Munch byl také citlivý na sociální realitu kolem sebe. Důkazem toho jsou různé obrazy, které o dělnících vytvořil, například toto plátno Pracovníci ve sněhu.

V popředí Munch představuje tři pracovníky stojící před divákem, s lopatami jako podpůrným bodem. Cítíte v nich sílu, ale také únavu a stárnutí.

Zvednutá pěst pracovníka uspořádaného ve středu, je předzvěstí nároku nebo požadavku. Tito tři muži se zdají být v náručí. Za těmito třemi postavami pokračují ostatní dělníci ve své práci, lhostejní k pohledu umělce a společnosti.

20. Autoportrét mezi hodinami a postelí, 1940-1943

Autoportrét mezi hodinami a postelí je to obraz z poslední Munchovy tvůrčí fáze. Munch využil plátna, aby symbolizoval blízkost smrti, a umístil svou postavu mezi hodiny dědečka a postel. Hodiny představují nezastavitelný plynutí času a postel představuje smrt jako poslední postel jako věčný odpočinek.

Jeden detail naopak vyniká: zatímco hodiny mají starožitný design, potah postele má moderní geometrický design. Tím Munch vyjadřuje svědomí o dramatické změně doby, kterou musel žít.

Za Munchem lze rozlišit jakýsi pokoj, ve kterém je naznačena přítomnost referenčních děl jeho uměleckého života, kterému věnoval veškeré své úsilí.

Viz také: Analýza rámu Křik Edvard Munch.

Životopis

Edvard Munch je norský malíř a grafik, který se narodil 12. prosince 1863 a zemřel 23. ledna 1944.

Od mladého věku se musel vyrovnávat s nemocemi a smrtí. Tuberkulóza si poprvé vyžádala život své matky Laury Cathrine Munchové, když bylo chlapci pouhých 5 let. Později způsobil smrt své mladší sestry Sophie; to jeho strýců a o několik let později otce Christiana Muncha. Ve věku 13 let onemocněl i sám Edvard Munch.

Tyto události vedly malíře k rozvoji strašlivé hrůzy nemocí a nemocí. smrt, a proto celý život trpěl úzkostí a depresemi, což rozhodlo o jeho otázkách umělecký.

Munch začal studovat inženýrství v roce 1879, ale brzy opustil tuto kariéru, aby se věnoval malbě. Díky svým výletům do Paříže byl ovlivněn francouzským uměním 19. století. Kolem roku 1890 začal projekt malovat Vlys života, série obrazů zobrazujících různé milníky v lidském životě na základě jeho vlastních zkušeností.

Ačkoli byla jeho práce na začátku zdrojem skandálu, nakonec získala významné místo v muzeích jeho země a Evropy. Avšak po nacistické okupaci Norska, kolem roku 1940, byly Munchovy obrazy útočníky cenzurovány a byly z exponátů odstraněny.

Rok 1942 však znamenal jeho definitivní mezinárodní zasvěcení tím, že byl předmětem výstavy v New Yorku jako uznání jeho plodné umělecké práce. O dva roky později Munch zemřel v naprosté osamělosti.