Fauvisme: hvad det er, og karakteristika ved denne kunstneriske bevægelse

Den 18. oktober 1905 blev den såkaldte Efterårssalon indviet på Grand Palais på Champs-Élysées i Paris. Selvom denne udstilling var startet i 1903, var udstillingen i 1905 noget særligt. Og det var det år, hvor de mest innovative kunstnere, mange af dem fra symbolisten Gustave Moreaus skole, kom ind i udstillingskataloget. Blandt disse kunstnere var fauves, udyrene".

Hvorfor blev de kaldt det, og hvem gav dem dette mærkelige navn? Hvem var disse "Fauves", og hvad betød deres arbejde for det 20. århundredes fremtidige avantgarde? I denne artikel foreslår vi en rejse til hjertet af det, der betragtes som den første avantgardebevægelse: fauvisme.

Hvad er fauvisme?

"Fauvisme" kommer fra det franske ord fauve, som betyder "dyr, vildt dyr." I sandhed passede navnet perfekt til denne gruppe af kunstnere, eftersom deres lærreder, af skrigende og skarpe farver, havde rystet det korseterede borgerlige samfund.

Dette var ikke noget nyt. Et par år forinden havde Van Gogh og Gauguin revolutioneret maleriets verden; Cézanne, som blev beundret af fauverne, havde også markeret et før og efter på kunstscenen i slutningen af ​​århundredet. Men det, der var et reelt chok for akademikere, stod ansigt til ansigt med disse innovative kunstneres værker på Salon d'Automne i 1905. En hel kaskade af lyse farver og uden nuancer, der uden tvivl imponerede offentligheden.

Selvfølgelig var ikke hele forbavselsen positiv. Louis Vauxcelles, kunstkritiker, var den, der indviede gruppen definitivt gennem sin berømte sætning: "Donatello blandt udyr". Kommentaren henviste til, at i udstillingens berømte rum VII var der en klassisk skulptur, omgivet af malerier af fauistiske malere. Vauxcelles var meget imponeret over kontrasten fra roen i skulpturens renæssanceformer. (hvilket i øvrigt var blevet gjort af Marquet, en fauvist) og klarheden i farverne på lærrederne, der de pakkede ind. Således blev bevægelsens navn, "Fauvisme", etableret for eftertiden.

• Relateret artikel: "Hvad er de 7 Fine Arts?"

Den "første fortrop"

Fauvisme er almindeligvis blevet kaldt den første avantgarde i det 20. århundrede. Dette er imidlertid ikke tilfældet. Og det er ikke af en væsentlig grund: Fauves dannede i modsætning til de senere fortrop ikke på noget tidspunkt en solid eller sammenhængende bevægelse. De havde ikke engang klare retningslinjer at følge (meget mindre et teoretisk manifest), så hver af kunstnerne, der tilhørte gruppen, fulgte deres egen vej. Derfor varede fauvismen strengt taget knap et par år (fra 1905 til 1907), på trods af at hans indflydelse på efterfølgende bevægelser var enorm, som vi vil se senere. frem.

Oprindelsen af ​​Fauves kan findes i School of Fine Arts i Paris, hvor Gustave Moureau (1826-1898) underviste. Moureau var en af ​​de store repræsentanter for symbolisme og dekadence, og havde en stærk indflydelse på maleri af tre af hans elever: Henri Matisse (1869-1954), Georges Rouault (1871-1958) og Albert Marquet (1875-1947). Disse tre kunstnere ville være kernen i den senere fauistiske bevægelse, hvortil malerne fra den såkaldte Chatou-skolen (André Dérain og Maurice de Vlaminck) og Le Havre-skolen (Othon Friesz, Raoul Dufy, Georges Braque og Kees van Dongen). Disse unge malere mødes i det berømte Berthe Weill kunstgalleri, og der bliver de venner og deler indtryk om kunstens nutid og fremtid.

fauvismens karakteristika

Det kan siges, at det, der virkelig forenede Fauves, var et oprigtigt venskab og fælles tilhørsforhold, men aldrig en solid og struktureret kunstnerisk teori, som surrealisterne eller de fremtidsforskere. Fauves delte en entusiasme for farve som et primært udtryksmiddel, idet de fulgte i fodsporene på deres beundrere Van Gogh og Gauguin., samt en kærlighed til primitive folks kunstneriske manifestationer og til børnekunst. Ikke forgæves bekræftede den allerede nævnte Louis Vauxcelles, at de fauistiske malerier lignede "et barn, der leger med en farvekasse".

Fauves følte en ukontrollabel lidenskab for livet, for fornøjelse og hedonisme. Maleriet var en ophøjelse af den glæde, af den skønhed, som de ønskede at synge til, som forenede dem tæt på den æstetiske bevægelse "kunsten for kunstens skyld", som i øvrigt hans lærer tilhørte, Gustave Moreau. Den livsglæde kommer hovedsageligt til udtryk gennem farver. Fauves anvender farver direkte fra røret; der er ingen forudgående blanding eller undersøgelse af nuancer. Således kan et træ være rødt, en flod kan have en smuk smaragdgrøn og et bjerg kan males kanariegult. I Fauves er farven ikke længere virkelighedens underordnede, og dens befrielse er kunstnerens egen befrielse.

I sommeren 1905, et par måneder før udstillingen, der bragte dem navn og berømmelse, mødtes Henri Matisse og André Derain i Collioure. Der ovre dedikeret til at gengive Middelhavets lys og muntre toner på lærred; Resultatet er ægte eksplosioner af farver: den Udsigt over Collioure fra Dérain, hvor havnens og husenes farver forvandles og får deres egen personlighed; og frem for alt de berømte det åbne vindue, af Matisse, hvor pletterne af ren farve insinuerer, gennem en vinduesramme, havet og byens både.

• Du kan være interesseret i: "De 8 grene af humaniora"

Farve som hovedperson

Vi har allerede kommenteret, at disse innovationer med farve og lys ikke var nye. For et par årtier siden havde impressionisterne revolutioneret maleriscenen med deres hurtige, løse penselstrøg. Men den sande fauvistiske nyskabelse er farven, som får en aggressivitet og autonomi, som aldrig er set før på hans lærreder. Tidens offentlighed er ikke vant til det; Fauvistiske farver "gør ondt" i øjnene på dem, der ser på dem.

I det berømte maleri kvinde med hat, også fra sommeren 1905, portrætterer Matisse sin kone gennem tykke farvepletter. Farven er formen; alt drejer sig om ham. Portrættet af Madame Matisse, et autentisk orgie af farver, er endnu mere overraskende, hvis vi tager i betragtning, at damen var klædt i sort...

Endnu mere revolutionerende er lærredet den grønne stribe (1905), ligeledes af Matisse, hvor han igen repræsenterer sin hustru. Maleriets navn kommer fra den aflange grønne plet, der ryger hustruens pande og næse. Farven fanget på lærredet er på den ene side vovet og uvirkelig; på den anden side er Madame Matisses ansigt henrettet efter stilen med afrikanske masker, som var så på mode på det tidspunkt.

I Houses and Trees (1906), af Maurice de Vlaminck, er den betydning, som fauvismen tillægger farve, tydelig i det virvar af penselstrøg, der befolker lærredet. Blandt sådan en knude af farver er titlens huse fuldstændig skjult og blander sig med himlen, træerne og havet.

• Relateret artikel: "Hvad er kreativitet? Er vi alle "ville-være genier"?"

fauvismens stadier

J. Elderfield, en kunstkurator, har etableret to meget klare faser i fauvismens udvikling. Den første skulle dække perioden fra 1905 til 1906, sammenfaldende med efterårsudstillingen og de følgende måneder, og ville være præget af blandet teknik. I løbet af denne fase finder fauves (eller forsøger at finde) en syntese mellem divisionisme (det pointillistiske penselstrøg af malere som Seurat) og kromatisk frihed. De førnævnte Collioure-værker af Henri Matisse og André Dérain er klare eksempler på denne blandede teknik, som kombinerer korte, opdelte penselstrøg med meget længere, tykkere.

Den anden (og sidste) fase af fauvismen er den, der går fra 1906 til 1907. Det falder sammen med inkorporeringen af ​​Le Havre-gruppen (Friesz, Dufy, Van Dongen, Braque) og er kendetegnet ved en "stabilisering" af formerne og kromatiske områder. Dette er, hvad der er blevet kaldt "flad farve fauvisme". Lærrederne fortsætter med at præsentere lyse og slående farver, men ikke så skarpe som dem fra forrige fase. Nogle repræsentative værker af denne fase er Gaden prydet med flag i Le Havre (1906), af Raoul Dufy, eller Vejens kurve i l'Estaque (1906), af Andre Derain.

Fauvisme i resten af ​​Europa

Indtil videre har vi kun henvist til den franske fauvistiske bevægelse. Imidlertid, Gruppens indflydelse krydsede grænser, og vi finder fauvistiske udtryk i Tyskland, Norden og endda i Spanien..

I juni 1905 grundlagde nogle studerende fra Higher Technical School of Architecture en kunstnerisk gruppe i Dresden: dø brucke (Broen). Det omfatter navne som Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erick Heckel (1883-1970) og Karl Schimdt-Rottluff (1884-1976). Det er især Kirchner, der vil have størst berømmelse, da han senere bliver en af ​​de største eksponenter for tysk ekspressionisme.

Selvom Kirchner ikke selv kunne lide, at de påpegede indflydelsen fra de franske Fauves i hans første værk, er sandheden, at dette faktum ikke kan benægtes. De første værker af "El Puente" fandt deres rødder i forskrifterne om farvefrihed som det eneste udtryksmiddel. Vi ser det i værker som Pige under en japansk paraply (1909), af Kirchner, eller in Ung kvinde liggende på en sofa (1909), af Heckel, selvom det er rigtigt, at tysk fauvisme er meget mere kraftfuld og udtryksfuld end fransk. Karakterernes ansigter præfigurerer for eksempel den forestående ekspressionisme.

På den anden side finder vi i München Alexej von Jawlensky (1864-1941) og frem for alt Wassily Kandinsky (1866-1944), der længe før han valgte abstraktion legede med figurative værker med klar indflydelse fauvist.

Nordisk fauvisme har i Emil Nolde (1867-1956) en af ​​sine største eksponenter. Hans Dans om en guldkalv (1910) har allerede en ubestridelig ekspressionistisk kraft. For sin del er Francisco Iturrino (1864-1924) i Spanien en af ​​de mest indflydelsesrige kunstnere fauve. I årene 1911 og 1912 opholdt han sig i Marokko i selskab med Henri Matisse, hvor han studerede lys og nye billedmæssige muligheder.

Fauvismens "død".

Som en bevægelse varede fauvismen kun to år, fra 1905 til 1907. Salon d'Automne fra 1907 er afgørende for Fauves: den repræsenterer både deres indvielse og deres svanesang. Fra den dato spredes dets medlemmer og går forskellige veje. Braque f.eks. omfavner endelig kubismen; andre, som Dérain og Matisse, fordybede sig i studiet af primitivisme og arbejdet med deres idol, Paul Cézanne. I denne periode umiddelbart efter opdelingen af ​​fauvistgruppen maler Henri Matisse, hvad der bliver et af hans mesterværker: Dans (1909). I den kan man allerede se det ønske om at vende tilbage til det fortabte og efterlængtede Arcadia, som ville kendetegne Matisse så meget i årene efter 1907. Fauvistisk passion er afkølet, og nu er kunst for ham noget, der skal fremkalde ro og ro.