Realisme i kunsten: karakteristika, oprindelse og eksempler

Kunst er et iboende menneskeligt udtryk. Netop derfor, og på grund af den ekstraordinære kulturelle mangfoldighed, der altid har eksisteret, hver epoke og hvert samfund har udøvet kunstnerisk skabelse på forskellige måder, tilpasset kunsten til deres egne behov for udtryk og meddelelse.

Kunsten har ikke altid søgt at efterligne virkeligheden; ikke blot i det 20. århundredes avantgarde oplevede den en betydelig afvigelse fra den, men den gjorde heller ikke vi finder realisme i det kunstneriske udtryk for civilisationer som det gamle Egypten eller Vesten middelalderlige. Der har dog været kulturer og historiske øjeblikke, hvor efterligningen af ​​naturen var det vigtigste, og ideen var fuldstændig underordnet repræsentationen af ​​virkeligheden.

Hvordan er realismen opstået i kunsten? Hvad har din udvikling været? I denne artikel vil vi forsøge at tegne en rundvisning gennem de forskellige kunstneriske manifestationer og deres grad af realisme.

Hvad er realisme i kunst?

Det er vigtigt at skelne mellem to begreber: Realisme som kunstnerisk retning og Realisme som kendetegn ved et kunstværk.

. Mens den første således er en plastisk og litterær bevægelse, der er begrænset til årtierne, der går fra 1840 til 1880, er realismen m.h.t. karakteristisk for et kunstværk har at gøre med graden af ​​realisme, som værket præsenterer, nemlig: perspektiv, proportioner, rumfang, rum, etc

På den måde hører ikke alle realistiske værker til realismens strømning, såvel som et indrammet værk i denne bevægelse behøver den ikke at præsentere realistiske karakteristika (selvom sidstnævnte ikke er den mest sædvanlige).

Karakteristika for realismen som en kunstnerisk strømning i det 19. århundrede

Realismebevægelsen opstod i Frankrig og betød et klart svar på dens forgænger, romantikken. På denne måde, mens sidstnævnte var inspireret af legendariske temaer og bragte menneskelige følelser til deres paroxysme, Realismen foreslog en radikal drejning og rettede sit blik mod den omgivende virkelighed i hverdagen. Denne realistiske vision af emnerne blev sammen med naturalismen (realismens "mørke" søn) en elendig udforskning af underverdenen og menneskehedens mørkeste situationer. Nogle af de vigtigste billedlige repræsentanter for denne strømning er Jean-François Millet og på det litterære område Émile Zola, der betragtes som naturalismens fader.

Så vi har, at realisme og naturalisme, hvad angår kunstneriske strømninger i XIX, udforsker temaer relateret til hverdagen og bevæge sig væk fra motiver, der ikke er baseret på en empirisk observation af omgivelserne af kunstneren. Derfor repræsenterer både det ene og det andet (især naturalismen) ofte en sur fordømmelse af den sociale prekærhed, der fulgte med den industrielle revolution.

På den anden side er realisme som karakteristik af et kunstværk relateret, som vi allerede har sagt, til dets formelle karakteristika. Med dette eksempel vil det være helt klart: et renæssanceværk, der kan prale af et matematisk perspektiv og respekterer mængder af figurer er et formelt realistisk værk, men det er på ingen måde afgrænset til det aktuelle 1800-tals realist

• Relateret artikel: Hvad er de 7 kunst?

Siden hvornår eksisterer realisme i kunsten?

Allerede i de første kunstneriske manifestationer (den såkaldte klippekunst) finder vi karakteristika, som vi kunne overveje realistisk. For på trods af, at vi i bisonen i Altamira og i hestene repræsenteret i hulerne i Lascaux (Frankrig) ikke finder nogen indikation af perspektiv eller et autentisk ønske om at repræsentere en virkelig scene, finder vi usædvanlige detaljer i repræsentationen af dyr.

På trods af dette kan vi endnu ikke tale om realistisk kunst, da hulemalerier Generelt præsenterer de en tydelig skematisering og ville snarere være relateret til en kunst konceptuelle. Faktisk, i store træk, menneskehedens kunst var aldrig strengt realistisk indtil fremkomsten af Renæssance, naturligvis med undtagelse af græsk og romersk kunst.

I Egypten finder vi igen en eminent konceptuel kunst: der gøres forsøg på at udtrykke koncepter og ideer, ja endda scener daglige aktiviteter følger markante konventioner, der ikke har noget at gøre med en mimetisk repræsentation af virkeligheden omgivende. I det gamle Egyptens kunst er scenerne organiseret i vandrette bånd, og der er ingen realistisk rækkefølge af elementerne i repræsentationen.. Derudover blev de mest markante dele af hvert element valgt, så ansigtet var repræsenteret i profil, øjnene og torsoen foran og benene til siden. Dette adlød ikke nogen virkelighed og var udelukkende underordnet ønsket om at repræsentere de mest genkendelige dele af hvert element.

Det vil sige, at egypterne "formede" virkeligheden på deres egen måde. Nildalens kunstnere fulgte strengt et skalasystem relateret til vigtigheden af ​​det repræsenterede individ. Således finder vi i samme scene og på samme plan nogle figurer, der er meget større end andre. Denne størrelsesforskel skyldes ikke noget forsøg på perspektiv, men er snarere knyttet til (i øvrigt meget strenge) hierarki i Egypterne: en gud vil altid være repræsenteret meget større end en farao, denne vil altid være meget større end hans kone og børn, etc

Denne konceptuelle repræsentation vil blive genvundet i middelalderkunsten, som vi vil se senere. Men mellem de gamle civilisationers kunst og middelalderen var der en kort parentes af realistisk kunst: græsk kunst og romersk kunst, som vi vil diskutere nedenfor.

• Du kan være interesseret i: "10 kuriositeter om berømte kunstværker"

Den "realistiske" parentes: Grækenland og Rom

Arkaisk græsk kunst var nært beslægtet med måden at repræsentere folkene i Østen, især Egypten. Men hen imod det VI århundrede f.Kr. c. noget begyndte at ændre sig. Det er den såkaldte klassiske græske periode, hvor der tilskyndes til en form for plastiske repræsentationer, der er mere i overensstemmelse med virkeligheden.

Grækernes voksende interesse for menneskets anatomi stammer fra en skulpturel produktion, der strengt efterligner naturen. er græsk mimesis, forsøget på at fange virkeligheden, som den er, og derfor følge kriterier for proportion, volumen og symmetri.

Men på trods af at de fanger enormt realistiske anatomier i marmor og bronze, så lad os ikke glemme, at disse værker samtidig adlød, hvad de forstod som "ideel skønhed". Med andre ord, mens guderne og gudinderne i græsk skulptur er anatomisk perfekte, repræsenterer de prototyper, ikke konkrete, identificerbare personer.

For at gøre dette må vi vente på Rom, hvor individualiseringen når uanede højder gennem portrættet. På den anden side, de kalkmalerier, der findes i Pompeji, især dem, der svarer til den såkaldte anden og fjerde Pompeiansk stil, viser en realisme, der ikke vil blive fundet igen i vestligt maleri før kl XV århundrede.

Disse malerier forblev skjult i århundreder, begravet af resterne af asken produceret af Vesuvs udbrud. Paradoksalt nok tillod katastrofen, at resterne blev bevaret praktisk talt intakte indtil opdagelsen af ​​ruinerne i det 18. århundrede. Opdagernes overraskelse var enorm, for foran deres øjne blev der vist nogle malerier af udsøgt kvalitet og en endnu mere overraskende realisme.

Faktisk er de i freskoerne i den såkaldte anden pompeianske stil vist gennem et vindue fiktive meget udførlige arkitektoniske perspektiver, som virkelig ser ud til at "åbne" et rum i Væg. Den samme teknik blev brugt mange århundreder senere af Masaccio i hans fresko af Treenighed, fra den florentinske Santa Maria Novella, som forbløffede hans samtidige, fordi den så ud til at åbne et hul i kirkens væg.

middelalderlig plastik

Masaccios arbejde var meget nyskabende for sin tid; Lad os tro, at der siden de pompeianske kalkmalerier ikke var blevet gjort forsøg på at skabe et rum med så udtalt realisme. Den middelalderlige kunst, der fulgte de sidste år af Romerriget, er generelt (vi kan ikke dvæle her ved alle stilarter og manifestationer) skematisk og eminent konceptuel.

På samme måde som egypterne repræsenterede middelalderlige kunstnere ikke virkelige rum og elementer, men udtrykte snarere gennem maleri og skulptur en række koncepter og ideer. Elementer som symmetri og volumen går tabt i denne type arbejde., men ikke, som mange har hævdet (og desværre stadig fastholder), fordi "de ikke vidste, hvordan man maler", men fordi deres formål med at repræsentere disse værker ikke var at efterligne naturen.

Der er mange emner om romansk "udtryksløshed"; udtryksløshed, der ikke er sådan, som hurtigt kan forstås, hvis man nøje overvejer nogle af de relieffer, der er blevet bevaret. For selvom romansk plastik (og middelalderkunst generelt) er eminent konceptuel (ligesom egyptisk plastik), er det ikke rigtigt, at den mangler udtryk. Problemet er, at deres udtryksform ikke er vores, så mange af de måder, romanske kunstnere havde til at fange følelser og følelser, svarer ikke til vores nuværende sprog.

På den anden side er mange af romanskernes kunstværker fyldt med detaljer, som kan komme til udtryk i efteråret folderne i en tunika (skematiske, men ofte meget detaljerede) eller i kanterne, der dekorerer en dug fra det sidste Aftensmad.

Opnåelsen af ​​perspektiv

I begyndelsen af ​​det femtende århundrede markerede Filippo Brunelleschi en milepæl i kunsthistorien ved at etablere proceduren for matematisk eller lineært perspektiv. Lidt senere skrev Alberti Brunelleschis nye teorier ned i sit arbejde af pictura (1435). Fra da af vil vestlig kunst blive bygget på disse forskrifter, som vil blive betragtet som grundlaget for "godt" maleri.

Så, I løbet af hele 1400-tallet og en del af 1500-tallet forsøgte den italienske renæssance at gengive lineært perspektiv i sine billedværker.. Dette perspektiv opnås gennem etableringen af ​​et forsvindingspunkt, hvorfra alle de linjer, der bygger maleriets rum, opstår. Dette frembringer en optisk illusion, der giver hjernen en fornemmelse af dybde.

Den såkaldte flamske renæssance eksisterer sideløbende med renæssancen på den italienske halvø, en anden af ​​de store revolutioner i maleriet, der i dette tilfælde blev udført af kunstnerne i Flandern i det 18. århundrede. XV. Disse "flamske primitiver" gav deres værker dybde gennem rækkefølgen af ​​fly og, Frem for alt sætter de en milepæl i billedrealisme ved at gengive alle detaljerne i genstande. Det siges, at i Jan van Eycks malerier kan alle de plantearter, der optræder, katalogiseres takket være overfloden af ​​detaljer.

Det italienske matematiske perspektiv var imidlertid den store vinder af den moderne tids vestlige kunst, og fra det 16. århundrede prægede realismen det europæiske maleri. Barokkunst er en eminent realistisk kunst, fordi den, på trods af at den har (temmelig) berømmelse for at være en ophøjet og stærkt følelsesladet kunst, også forbeholder sig en plads til repræsentation af virkeligheden: gamle mænd med rynker, tandløse ansigter, børn med snavsede fødder, stilleben af ​​frugt fanget med ekstraordinære realisme…

Vend tilbage til den kunstneriske realismes oprindelse

Realistisk kunst dominerede den vestlige kunstscene indtil midten af ​​1800-tallet, hvor de første brud med "traditionel" kunst dukkede op.. Impressionister, æstetiske strømninger og senere fauves, stillede spørgsmålstegn ved, hvad der siden det femtende århundrede var blevet etableret som det uomtvistelige grundlag for "god" kunst.

Det 20. århundredes avantgarde udgør altså en slags tilbagevenden til oprindelsen. Avantgarde kunstnere, i deres iver efter at tage afstand fra akademisk og officiel kunst, søger nye udtryksmåder og finder dem i ødelæggelsen af ​​"realismen"; det vil sige perspektivet, proportionen, den kompositoriske sammenhæng. Kort sagt, den strenge efterligning af virkeligheden.

Kendt er tilfældet Picasso, hvis tegninger ofte minder om mozarabiske miniaturer, eller de kubister, der på lignende måde som Egypterne for mere end to årtusinder før brød den realistiske vision af objekter og gengav dem i en absolut subjektiv.

Hyperrealisme og de nye realistiske strømninger

Ofte reagerer de forskellige strømninger og kunstneriske udtryk på hinanden. Vi har allerede nævnt i indledningen, hvordan den realistiske bevægelse i det 19. århundrede var et svar på romantikken i de foregående årtier. Nå, for tiden finder vi i det kunstneriske panorama en strømning, der løfter billedrealismen til uanede grænser; vi henviser til den såkaldte hyperrealistiske strømning.

Hyperrealismen blev født i slutningen af ​​det 20. århundrede, dels som et svar på den konceptuelle og abstrakte tendens i den plastiske kunst.. Denne strøm bringer naturens efterligning til sit maksimale udtryk, hvilket gør dens malerier til fotografiske gengivelser (faktisk kaldes det også fotorealisme). Skarpheden i kompositionerne er sådan, at den ofte er virkelig overvældende for beskueren; Selvfølgelig er der ingen mangel på kritikere, som kalder det en simpel imitator af virkeligheden.

Spørgsmålet er: skal kunst kopiere naturen, som de gamle grækere argumenterede med deres mimesis, eller har den en "forpligtelse" til at bidrage med noget nyt? Hvis vi tager udgangspunkt i, at en efterligning aldrig er en nøjagtig gengivelse af den ægte vare (da den altid passerer gennem kunstnerens sigte), hvad vi måske bør spørge os selv er, om "kunst realistisk".