10 kunstværker om tid

Tempus fugit, sagde latinoerne; "tiden flyver". Og sådan er det. Ud over de nyere relativitetsteorier har der til enhver tid eksisteret et konkret tidsbegreb. For de gamle var det noget cyklisk, som altid vendte tilbage til sit udgangspunkt; for middelalderlige mænd og kvinder var det lineært og endte med Kristi andet komme.

For barokken var det den store nedrivning af skønhed og flygtige ting, deraf den store overflod af vanitas (forfængelighed), værker, hvor der blev introduceret elementer, der vidnede om tidens gang og dens ubønhørlige ødelæggelse. For 1800-tallets romantikere var tiden derimod hovedkonstruktøren af ​​deres nostalgi; en nostalgi efter fortiden, der udmøntede sig i smag for ruiner og dekadence.

10 berømte kunstværker om tiden

Det er svært at vælge mellem så mange værker, der taler om emnet tid; det her Det er et meget tilbagevendende begreb i kunsthistorien.. Nedenfor præsenterer vi nogle af de mest relevante.

1. mensarisk af Det Kongelige Pantheon San Isidoro de León (s. XI)

Royal Pantheon of the Kings of León betragtes som en af ​​de mest perfekte juveler af romansk kunst på halvøen. Ikke overraskende er det blevet kaldt det "romanske Sixtinske Kapel" for sine storslåede fresker, herunder en højkvalitets mensarial.

Hvad var de middelalderlige menstruationer? Det var kalendere, hvis rytme var præget af de landbrugsaktiviteter, der svarede til hver måned.. I tilfælde af mensario i San Isidoro de León er månederne placeret på intrados af buen, der er ved siden af ​​Pantokrator. Januar måned omfatter, som det er traditionelt i disse fremstillinger, guden Janus, af romersk oprindelse og som markerede begyndelsen af ​​året. I februar måned, den koldeste af alle, er en gammel mand repræsenteret i læ for ilden. April måned, forårets pragt, er personificeret af en ung mand, der har nogle blomster i hænderne, og september er en landmand, der samler druer...

I den Middelalderen, tiden kredsede om Gud. Den middelalderlige kristne tidslinje var begrænset, eftersom menneskers tid ville ende med Kristi andet komme. Parallelt med denne lineære tid var der også en anden, nedarvet fra antikken, som så tiden som noget cyklisk, relateret til forandringer i naturen og livets kredsløb.

2. Saturnaf Peter Paul Rubens (1636)

Du kan ikke forstå tid i kunst uden at tale om Saturn. Denne gud var en gammel guddom fra den italienske halvø, der senere blev assimileret med den græske gud Cronus, fra hvem han tog egenskaberne. Selvom Crono ikke var tidens gud, har ligheden mellem hans navn og det græske navn for tid forårsaget en assimilering mellem de to.

Myten fortæller, at Chrono/Saturn, Han var bange for et orakel, der havde forudsagt, at en af ​​hans sønner ville ende med at detronisere ham, en efter en slugte han alle de skud, som hans kone, Rhea, gav ham.. Denne legende har ikke gjort andet end at understrege guden som personificeringen af ​​tiden, da tiden er ustoppelig og fortærer til mennesker.

Rubens malede dette lærred til Torre de la Parada i Madrid. I den skildrer han Saturn som en gammel mand, dog med en stadig muskuløs krop (han var jo en Titan), der river kødet af sin nyfødte søn. Det stærke teatralske lys, så typisk for barokken, der oplyser begge kroppe og omriderer dem mod den mørke baggrund, giver scenen dramatik.

• Relateret artikel: De 7 skønne kunster"

3. Ved slagtilfælde oculiaf Juan de Valdés Leal (1672)

Dette dystre lærred, der er blandt de mest kendte kunstværker om tiden, er parret med den såkaldte Finis Gloriae Mundi, også af Valdés Leal. Begge malerier er i det nederste kor på Hospital de la Caridad i Sevilla, og er bestilt af humanisten Miguel Mañara for at illustrere de to nøglebegreber i barokmentaliteten: den dødsøjeblik ("husk, at du skal dø") og vanitas (verdens forfængelighed).

Begge begreber er tæt knyttet til tiden: På den ene side minder erindret os om, at det går ubønhørligt forbi, og at døden ender med at komme til os alle; hvad angår det andet, er det en påmindelse om livets forgængelighed, og at alt smukt forsvinder eller fordærves med tiden. I tilfældet med det foreliggende værk kunne In ictu oculi oversættes som "i et øjeblik", en meget klar hentydning til tilværelsens flygtige natur.

På Valdés Leals lærred ser vi et gysende skelet rejse sig på en jordklode (døden, der dominerer jorden); i venstre hånd bærer han en le, mens han med højre slukker ilden fra livets lys. Nedenfor et bjerg af elementer, som vi ikke kan tage med os med døden, et symbol på, at alt er flygtigt.

• Du kan være interesseret i: "Kronopati: karakteristika ved besættelsen af ​​at udnytte tiden"

4. The Last Straw (The Jolly Knight)af Judith Leyster (1639)

I et mørkt rum, praktisk talt uden nogen rumlig reference, placerer maleren Judith Leyster to unge mænd, der drikker og ryger glade. Deres tøj er i varme og skarpe farver, og deres ansigter er forvrænget af alkohol og eufori. Det er en festscene, ikke?

Nå... faktisk, nej. Fordi Leyster placerer bag den unge mand, der sidder til venstre, et foruroligende skelet, der oplyses af flammen fra det stearinlys, som han selv har med sig. Det handler om livets flamme; livet for den glade unge mand, som døden er ved at udslette. Skelettet nærmer sig drengen og ser ud til at hviske noget til ham. Uden tvivl advarer han dig: tiden går, og din er talt. For at understrege sit budskab løfter han sin højre hånd, hvor vi bemærker et løbende timeglas...

Judith Leyster, sin tids trofaste repræsentant, fanger i dette storslåede værk de barokke vanitas, hvorefter tiden løber, og intet står. Meget mindre ungdom og fornøjelse...

5. Rembrandt selvportrætter

Hvis der er en kunstner, der er interesseret i de forandringer, som tiden efterlod i hans ansigt, er det Rembrandt van Rijn (1606-1669). I løbet af fyrre år lavede kunstneren ikke mindre end hundrede fremstillinger af sig selv (selvom hans identitet sættes spørgsmålstegn ved nogle), hvorfor vi kan ledsage dig på dit livs bane.

Rembrandt lavede sit første selvportræt i 1628, da han kun var 22 år gammel. Kunstneren fremstår grinende med et penselstrøg, der stadig er usikkert. Meget bedre er selvportrættet fra 1629, hvor vi ser bustemaleren med en meget alvorlig rictus i ansigtet. Og så videre; Vi kan følge sporene af malerens træk indtil 1669, hans dødsår, hvor han i en alder af 63 år malede sit sidste selvportræt. Et sandt vidnesbyrd for eftertiden.

6. Tid til at ryge et maleriaf William Hogarth (1732)

William Hogarth er en af ​​de mest værdsatte satiriske kunstnere i det engelske 18. århundrede. Berømte er hans malerier og graveringer, der kritiserer Englands skikke på det tidspunkt. I dette tilfælde finder vi en allegori til tidens gang, og hvordan den ødelægger alt, den rører ved, inklusive kunst.

En gammel mand med langt skæg og muskuløs krop (personificering af tiden) overvejer et maleri, der hviler på hans staffeli. I venstre hånd bærer han leen, identificeret med døden, slutningen og forsvinden, og med den anden holder han en pibe. Røgen, der kommer ud af det, rammer lærredet helt og holdent, tilsmudser og sortner det.

Det er klart, Hogarth reflekterer over de virkninger, som tiden har på tingene. Især om malerierne; I denne forstand er graveringen satiren over en tankestrøm fra hans tid, forkyndt især af Addison, som fastholdt, at tiden "malede" og forbedrede værket. Nej, synes Hogarth at sige med denne indgravering; tiden forbedrer ikke arbejdet, den ændrer og ødelægger det.

• Relateret artikel: "De 8 grene af humaniora"

7. Skæbnerne (Atropos), af Francisco de Goya (1820-23)

Skæbnerne var tre mindre guddomme i græsk mytologi, som var ansvarlige for menneskets tid og eksistens; det var dem, der bestemte, hvor længe et menneskes liv varede. I opgørelsen af ​​Goyas søns aktiver, der blev udført i det 19. århundrede, maleriet beskrives som Atropos, der hentyder til navnet på Grim Reaper, som er ansvarlig for at klippe livets tråd.

Ligesom resten af ​​opkaldene sorte malinger, dette værks kromatik er luguber og mørk, baseret på grålige, brunlige og sorte toner. De tre skæbner er ophængt i luften, som om de svæver, og i midten af ​​gruppen tiltrækker en fjerde figur med bundne hænder vores opmærksomhed. En mand, hvis liv de bestemmer?

8. Drømmeren (ruinerne af Oybin)af Caspar David Friedrich (1835)

Under romantikken går tiden fra at være noget truende til noget smukt. Den romantiske kunstner er den typiske nostalgiske kunstner; han føler sig godt tilpas blandt resterne af et tempel eller et slot, og forestiller sig for dem en idealiseret fortid, der intet har med virkeligheden at gøre.

Friedrich var en af ​​de største kunstnere i kunsten at male rester fra fortiden.. Vi bekræfter det med det førnævnte værk, hvor vi ser en mand sidde på resterne af, hvad der ser ud til at være en gotisk katedral. Gennem hullet i buerne af det, der er tilbage af vinduet, ser vi en smuk solnedgang (eller solopgang), som omslutter lærredet i et særligt lys. Friedrich fanger religionens renhed og spiritualitet fra fjerne tider og ophøjer i øvrigt den tyske nations fortid. Manden, den drømmer af titlen, står som et perfekt eksempel på romantisk følelse.

9. Stilleben med væltet lysaf Max Beckman (1930)

På trods af, at pragtøjeblikket af den vanitas Det var, som vi allerede har kommenteret, barokken, årsagen til tidens gang og livets forgængelighed blev ikke glemt i senere maleri. Ikke engang i det 20. århundrede, da dette værk af Max Beckmann, dateret 1930 og som viser os en vanitas med et avantgardesprog.

Tre stearinlys hviler på et bord. To af dem er stadig på; den tredje er blevet skudt ned og er gået ud. Spejlet, der er placeret mod væggen, afspejler på foruroligende vis ilden fra de to overlevende: vilje til at ville forlænge livet imod al naturlov? Den brogede sammensætning frembringer en klaustrofobisk effekt, der fremhæver følelsen af ​​rastløshed og fortvivlelse.

10. Hukommelsens vedholdenhedaf Salvador Dali (1931)

De berømte Dalí smeltede ure har deres maksimale udtryk i dette værk. Med geniet selvs ord er de "tidens camembert", i forhold til deres slappe konsistens, som smeltet ost.

Lærredet (på omslaget) er en del af den berømte metode, etableret af Dalí, som han selv kaldte "paranoid-kritisk", hvorigennem kunstneren fangede visioner og optiske spil, der bedragede og forvirrede beskueren. I det maleri, der optager os, har tiden mistet al mening: Virkeligheden og drømmen blandes som i en drøm. Spredt over landskabet, dystre som i et mareridt, dukker halvslidte ure op; til venstre flokkes myrer til det eneste ur, der ser ud til at holde sin form. I midten af ​​maleriet synes et mærkeligt ansigt med lange øjenvipper at symbolisere dødens forfald. I Persistencia de la memoria bliver tiden vendt på hovedet og får en ny betydning.