De 25 mest repræsentative malerier fra renæssancen for at forstå deres bidrag

Renæssancens store billedrevolution fandt sted konkret i det 15. århundrede, kendt som Quattrocento. I et miljø med voksende intellektuel nysgerrighed tillod forbedring og diffusion af oliemaleri brugen af lærredet som støtte, så maleriet kunne frigøre sig fra væggene, og dette favoriserede indsamling særlig.

Således blev der skabt nye genrer som portrætter, og der blev skabt interesse for landskab og stilleben, men endnu ikke som uafhængige genrer. Nøgenbillederne og ikke-kristne mytologiske, historiske og allegoriske temaer dukkede også op. Religiøse temaer forblev dagsordenen, men fra en antropocentrisk tilgang.

Dernæst tager vi en kronologisk rundvisning i renæssancens mest berømte malerier for at fange hver kunstners bidrag og innovationer og udviklingen af ​​stilen over tid.

1. Hellig treenighed med Jomfruen, Johannes og donoreraf Masaccio (1425-1427)

Frisk Holy Trinity, med Jomfruen, Saint John og donorer Det repræsenterer udgangspunktet for renæssancen, da tidens store plastiske og kulturelle ændringer kommer sammen. Det lineære perspektiv, chiaroscuro og trompe l'oeil-teknikken skiller sig ud. Tøndehvelvet af romersk inspiration forventer ændringer i renæssancearkitekturen. Sammen med de hellige karakterer bliver donorerne portrætteret, hvilket giver det religiøse tema et antropocentrisk udseende. Dette afslører den respekt, som generationen havde af sig selv.

2. Bekendtgørelsen, af Fra Angelico (1425-1426)

På BekendtgørelsenFra Angélico arver fra middelalderen smagen for detaljerne i vegetationen, men bringer ressourcer fra renæssancen. Han har brugt den sober græsk-latinske arkitektur og har udnyttet dens linjer til at fremhæve perspektivet. For at opnå større rumlig dybde har han åbnet flere åbninger, der skaber overlejrede fly: en dør fører til et rum, og dette viser et diskret vindue bagpå. Haven til venstre refererer til udvisning fra Adam og Eva. Nederst ser vi en række scener fra Marias liv. Denne type linjer med sekvenser af scener i bunden af ​​rammerne kaldes predelas.

3. Arnolfini-ægteskabetaf Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck var en flamsk maler, der perfektionerede oliemaleri og hjalp med at sprede det. Dette særlige arbejde er en af ​​de tidligste billedportrætter i historien. Fyldt med symboler formidler det betydningen og værdigheden af ​​tegnene, der har en god social position. Imidlertid er Van Eycks geni ikke der.

Maleren introducerer et spejl i baggrunden, der leger med repræsentationsplanerne. I det viser han refleksionen af ​​to karakterer, der ikke er synlige i hovedscenen, hvilket skaber en illusion om, at de indtager seerens positioner. Denne ressource vil sandsynligvis have inspireret Meniner af Velázquez, mere end to hundrede år senere.

4. Jomfruen af ​​Canon Van der Paeleaf Jan van Eyck (1434-1436)

Jomfruen af ​​Canon Van der Paele svarer til en genre, der er meget brugt i renæssancen, kaldet Hellig samtale (hellig samtale), hvor jomfruen holder en samtale med de hellige i en intim ramme. I dette tilfælde er donoren inkluderet, Canon Van der Paele, præsenteret af Saint George. Han træder på kanonens chasuble og husker, at han er underordnet åndelig magt. Imidlertid bekræfter hans tilstedeværelse på scenen hans sociale rolle i den tidsmæssige magt.

Lærredet fremhæver behandlingen af ​​tøjet og overflod af detaljerne. St Georgs rustnings glitter giver Jan van Eyck en undskyldning for at bruge refleksioner. Du kan se kunstnerens og Jomfruens spejling, opfattet som et pletfri spejl af guddommelig nåde.

5. Slaget ved San Romanoaf Paolo Uccello (ca. 1438)

Slaget ved San Romano af Paolo Ucello er en triptykon med scener fra slaget, hvor Firenze besejrede Siena under Lombardiskrigene. Oprindeligt bestilt af familien Bartolini, gik det snart ind i Medici-samlingen. Middelalderlige elementer er stadig til stede, såsom overflod af detaljer, der fremhæver det beskrivende. Imidlertid betragtes det som et mesterværk på grund af brugen af ​​perspektiv og forkortelse.

Forkortelse består af repræsentationen af ​​et objekt i en vinkelret vinkel på seeren. Vi kan se dem detaljeret i panelet Afvæbningen af ​​Bernardino della Ciarda, både i de faldne heste, som i den åndelige hest og den hvide hest til højre.

6. Jomfruens kroningaf Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Jomfruens kroning Det er en altertavle, som Fillipo Lippi bestilte af Francesco Moringhi til kirken San Ambrosio. I stedet for et himmelsk rum ser alt ud til at foregå i et teaterrum, der fremkalder en kongelig hal, som de hellige, donoren og Lippi selv er blevet inviteret til. Som vi ser insisterede den italienske renæssance på en antropocentrisk vision af himlen.

7. Nedstigningen fra korsetaf Rogier van der Weyden (ca. 1443)

Rogier van der Weyden var en flamsk maler. Hans mest kendte arbejde er Nedstigningen fra korset, oprindeligt malet til kapellet Vor Frue uden for murene i Louvain. Anatony er ikke excata, fordi den med vilje er blevet rettet for at favorisere formel elegance.

Andelene ændres også bevidst for at fordele legemerne gennem hele sammensætningen. Jomfru Maria og Jesus ser ud til at være refleksioner af hinanden: ligesom moderen, sønnen; ligesom sønnen, moderen. Maleriet vinder i behandlingen af ​​udtryk, tøj og teksturer.

8. Kristi svøbeaf Piero della Francesca (1455-1460)

På Kristi svøbe, Piero della Francesca forbeholder sig den religiøse scene i baggrunden og er præget af sin kulde. Der er ingen følelser i karaktererne. Temaet synes næsten at være en undskyldning for udviklingen af ​​renæssancens plastikprogram baseret på i lineært perspektiv, kompositions geometrization og ophøjelse af arkitektur klassiker. Det bekræftes i samtalen mellem tre samtidige figurer, hvis identitet endnu ikke er bestemt.

9. Melun Diptychaf Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet var en fransk maler, der fornyede Frankrigs kunstneriske sprog gennem indflydelse af flamsk og italiensk maleri. Det pågældende arbejde blev opfattet som en diptych til gravstedet til Étienne Chevaliers kone, hans rektor. Begge tabeller står i kontrast til hinanden.

I venstre panel har maleren repræsenteret Etienne Chevalier og Saint Stephen, hans protektor, der ligger i et klassisk arkitektonisk rum. Til højre, Jomfruen med barnet og englene. Marias bare bryst refererer til hende som menneskehedens sygeplejerske. Der er en tro på, at Jomfruens ansigt var klientens elskerinde Agnès Sorel. Selvom motivet er hellig i udseendet, har det en stærk vanhellig karakter.

10. Magiens rejseaf Benozzo Gozzoli (1459)

I Palazzo Medici Riccardi, i Firenze, er der et rum kaldet Magi-kapellet, som en henvisning til de tre fresker fra Gozzoli, der fortæller Magi-kavaladerne. Ud over at være et mesterværk på grund af dets kompositionskompleksitet er værket faktisk et ophøjelse af den magt, der udøves af Medici-familien, hvis ansigter findes i tegnene repræsenteret.

Det kan interessere dig:

• Renæssance
• Renæssance funktioner

11. Husets ægtefælleraf Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna skiller sig ud i denne fresko for brugen af ​​renæssanceteknikker som trompe l'oeil i et klart forsøg på at sløre grænserne mellem maleri og virkelighed. Det billede, vi ser, svarer til kun en af ​​væggene i Mandenes kammer. Ligesom resten fejrer det Gonzaga-familiens herlighed, store lånere i deres tid.

12. Klagesang over den døde Kristusaf Andrea Mantegna (1475-1478)

Hvis Andrea Mantegna på noget tidspunkt overgår sig selv, er det i Klagesang over den døde Kristus. Stykket skiller sig ud for den mesterlige anvendelse af forkorte teknikken. Med denne ressource inkorporerer Mantegna seeren i scenen og udfordrer den traditionelle kompositionsmodel. Repræsentationen af ​​karakterernes fraktioner skiller sig også ud. Maria er ikke en ung pige, men et ansigt, der er ældet af smerte. Scenens stramhed understreger den frygtelige karakter af død og øde for sørgerne.

Se også: Kristi lidenskab i kunsten

13. Polyptych af San Vicenteaf Nuno Gonçalves (1470-1480)

Polyptych i San Vicente Det er et af mesterværkerne i den portugisiske renæssance. Tilskrevet Nuno Gonçalves repræsenterer det otteoghalvtreds tegn sammen med Saint Vincent, der vises duplikeret i de centrale paneler, som om det var en refleksion.

Det skiller sig ud for repræsentationen af ​​de forskellige lag i det portugisiske samfund i holdninger og bevægelser i henhold til deres tilstand. Fra venstre mod højre har vi broderpanelet; panelet af fiskere panelet til Infante Don Enrique (Enrique Navigator); ærkebiskopens panel ridderpanelet og relikviepanelet.

14. Tilbedelsen af ​​magierneaf Sandro Botticelli (1475)

Tilbedelsen af ​​magierne de Botticelli udgør en grundlæggende reference for den italienske Quatrocento. Indtil Botticelli stod den hellige familie på den ene side af scenen og bød tilbederne fra den anden. Botticelli placerede den i midten af ​​kompositionen og i toppen af ​​en pyramide og arrangerede tilbederne side om side og endda en af ​​dem foran.

Maleren har også afbildet Magierne med Medici-familiens ansigter: Cosimo og hans sønner, Piero il Gottoso og Giovanni. Andre familiemedlemmer og deres allierede bliver portrætteret, og Botticelli selv er inkluderet i karakteren og ser på seeren.

15. Levering af himmelens nøgler til Sankt Peterfra Perugino (1482)

Dette arbejde af Perugino blev bestilt af pave Sixtus IV, bygherre af det sixtinske kapel. Fresken svarer til ideen om overførsel af autoritet fra Gud til kirken, repræsenteret af Sankt Peter. Arbejdet er et mesterligt udtryk for malers eget luftperspektivarbejde og dybde. I forgrunden ser vi hovedpersonerne: Jesus, apostlene og forskellige renæssancesfigurer. I den sidste, den ottekantede centrale plantebygning, symbol på pavedømmets universalitet.

16. Venus fødselaf Sandro Botticelli (1482-1485)

Venus fødsel, af Sandro Botticelli, var oprindeligt en del af et møbel, og det er sandsynligvis derfor, vi ikke ser en så udtømmende udvikling af landskabet. Den opmærksomhed, den får, har delvis at gøre med behandlingen af ​​emnet, som ikke længere er et helligt emne. Vi deltager i myten om oprindelsen af ​​Venus eller Afrodite, gudinde for fertilitet og erotik.

Med dette arbejde legitimerede Botticelli repræsentationen af ​​helkrops kvindelig nøgen i kunsten på profane emner. Men Venus er ikke her en karakter, der er helt udstillet, men en beskeden Venus, der med håret dækker sin "skam". Således blev denne nøgen retfærdiggjort som en repræsentation af dyd i sammenhæng med tidens filosofiske tankegang.

Se også Fødslen af ​​Venus af Sandro Botticelli

17. Virgin of the Rocksaf Leonardo da Vinci (1483-1486)

Dette stykke af Leonardo blev bestilt af munkene i San Donato, hvilket forklarer det religiøse temas centralitet. Leonardo har ændret et element i renæssancetraditionen: i stedet for et arkitektonisk landskab har han indrammet scenen i et stenet naturlandskab. Figurerne danner en pyramide og er detaljeret skitseret takket være en af ​​malernes mest anerkendte spil: teknikken til sfumato.

Det kan interessere dig: Grundlæggende værker af Leonardo da Vinci

18. Portræt af Giovanna degli Albizzi Tornabuoniaf Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Dette arbejde af Ghirlandaio er et eksemplarisk udtryk for portrættsgenren i renæssancen. I overensstemmelse med de genoplivede værdier i den klassiske antikitet viser den idealiserede proportioner og funktioner samt en tilbageholdt eller fraværende udtryksevne. For at vise dine karaktertræk er nogle personlige ting inkluderet: smykker giver redegørelse for hans offentlige liv, mens bønebogen og rosenkransen redegør for hans liv åndelig.

19. Den sidste nadveraf Leonardo da Vinci (1498)

Den sidste nadver Det er et af Leonardos mest kendte værker. Det skiller sig ud for de intellektuelle og filosofiske referencer, der er indarbejdet i scenen, men også for dets drama. Uden at give afkald på renæssancens balance er værket ladet med følelsesmæssig og psykologisk spænding i sine karakterer, hvilket udfordrer den tilsyneladende kulde i mange tidligere kompositioner. Dens dårlige tilstand af bevarelse er dels et resultat af Leonardos forsøg på at blande tempera og olie for at foretage korrektioner på gipset.

Se også:

• Den sidste nadver af Leonardo da Vinci
• Mona Lisa eller La Gioconda af Leonardo da Vinci
• The Vitruvian Man af Leonardo da Vinci

20. Santo Domingo og Albigenses eller Testen af ​​ildenaf Pedro Berruguete (1493-1499)

Den spanske Pedro Berruguete repræsenterer en passage, ifølge hvilken Santo Domingo de Guzmán ville have foreslået bygge et bål for at teste bøgerne fra de kættere grupper i byen Albi, Frankrig. Ilden fortærer de kætterske bøger, mens den kanoniske bog flyder i luften.

Værket udtrykker den politiske mentalitet i de katolske monarkers æra, der søgte enhed i kongeriget ved at kæmpe kætteri. Formelt fremhæver det detaljes detaljer, tydelig flamencoinspiration samt smag for guld, der stammer fra det gotiske og meget værdsat i den tidlige renæssance.

21. Selvportrætaf Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer var en stor mester i den tyske renæssance. Dette berømte selvportræt, som ved første øjekast er et ikon af Jesus Kristus, viser to nøgleindskrifter: til højre står "Jeg maler mig selv med uudslettelige farver." Til venstre datoen der viser hans alder, 28 år.

Frontaliteten af ​​hans portræt er ret dristig. Trodsende tradition, som forbeholdt denne stilling til Jesu ikoner - og også håndens gestus, let ændret- spiller Dürer vending af identitet med den religiøse referent og forveksler bevidst den seer.

22. Dogen Leonardo Loredanaf Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, en maler i republikken Venedigs tjeneste, leverer dette storslåede portræt af dogen Leonardo Loredan. I dette strålende arbejde formår han at overvinde følelsen af ​​hieratisme takket være den udtryksfulde ansigtsrigdom og den fine behandling af teksturer og tøj. Med hensyn til sidstnævnte er det overraskende, hvordan Bellini formår at repræsentere glansen af ​​orientalske stoffer.

23. Mona Lisaaf Leonardo da Vinci (1503-1506)

Det Mona Lisa Det er utvivlsomt det mest berømte arbejde fra Leonardo da Vinci. Hun er et udtryk for modenheden i den Leonardesque stil med hensyn til chiaroscuro og chiaroscuro teknikker. Esfumato, som består i at sløre figurernes kanter, så integrationen i plads. Det viser også landskabsteknikken i baggrunden, som åbner rummet for at give større dybde. Imidlertid hører dette arbejde såvel som alt Leonardos arbejde ikke til Quattrocento, men til den høje renæssance, undertiden også kaldet den anden renæssance.

Se også: Mona Lisa eller Gioconda fra Mona Lisa af Leonardo

24. Athen Skoleaf Rafael Sanzio (1510-1511)

Hvis noget repræsenterer renæssancens kulturelle ånd, er det freskoen Athen Skole, af Rafael Sanzio, en af ​​scenerne fra "Vatikanets værelser" eller "Raphael-værelserne". Vi ser en mesterlig håndtering af lineært perspektiv og en dybde understreget af åbningerne i tøndehvælvningerne, der åbner ud mod det åbne rum.

I et arkitektonisk miljø med klar klassisk inspiration husker et væld af filosofiske og videnskabelige referencer værdien af ​​fornuft og viden. Platon og Aristoteles er hovedpersonerne. Vi ser også Ptolemaios, Heraclitus, Hypatia, Homer og som sædvanlig nogle moderne ansigter. Rafael selv, portrætteret som Apelles, kunne ikke være fraværende.

Det kan interessere dig:

• Skolen i Athen af ​​Raphael Sanzio
• Rafael Sanzios liv og arbejde

25. Loftfresker i det sixtinske kapel, af Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

At tale om Michelangelo Buonarroti såvel som malere fra den italienske Cinquecento er at komme ind i højrenæssancen. Derfor nærmer vi os manerisme, hvor Buonarroti vil være en af ​​dens eksponenter. Freskerne i det sixtinske kapel er hans mest berømte billedværk.

Der er ni scener, der fortæller passager fra Genesis, og alle fører til den sidste dom, en mur malet omkring to årtier efter loftet. På denne mur hænger Saint Bartholomew, en skinnet martyr, sin gamle hud. Men i det kan du se Michelangelos ansigt. Som vi kan se, bliver kunstneren også portrætteret, men ikke som kunstnerne i Quattrocento, der fejrede deres jordiske herlighed, men i anerkendelse af deres uværdighed.

Se også:

• Fresker fra det sixtinske kapel
• Analyse af fresken Skabelsen af ​​Adam af Michelangelo
• Geniale værker af Michelangelo