Gibt es eine Kunst, die objektiv besser ist als eine andere?

Wir alle wissen, dass Kunst, wie so viele Dinge, subjektiv ist. Jedoch, Gibt es eine Kunst, die objektiv besser ist als eine andere? Können wir einen künstlerischen Stil oder eine Zeit finden, in der seine künstlerische Manifestation objektiv besser ist als die anderen?

Wir schlagen einen Spaziergang durch die Kunstgeschichte vor, um herauszufinden, ob es wirklich eine Kunst gibt, die objektiv besser ist als eine andere.

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Gibt es eine objektiv bessere Kunst?

In einigen Epochen der Geschichte wurde dies sicherlich geglaubt. Aus diesem Grund haben Autoren wie Vasari in der Renaissance die gotische Kunst herabgesetzt und sie als „barbarische“ Kunst bezeichnet (gotische Kunst, daher der Name). Der Barock war auch ein weiterer der viel geschmähten Stile mit dem Aufkommen der Französischen Revolution und des Klassizismus. Aber welchen Grund gab es für diese Überlegungen?

Der Grund war kein anderer als der Mentalitätswandel und damit das Auftreten von Vorurteilen. Zu Vasaris Zeit hatte die Renaissance die Künste übernommen, sodass alles, was nicht in eine „klassische“ Vision passte, als kleine, weniger entwickelte Kunst angesehen wurde. Dasselbe geschah Jahrhunderte später mit dem Barock und insbesondere dem Rokoko. Die französischen Revolutionäre sahen letztere als Kunst des Adels und daher als eine Kunst, die zerstört werden musste.

So Inwieweit sind künstlerische Wertungen mit Vorurteilen behaftet?

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Aber was genau ist Kunst?

Hier müssen wir eine Klarstellung einführen. Was ist die Kunst? Eine ebenso vielfältige wie komplexe (und komplizierte) Definition. Die Königliche Spanische Akademie bietet verschiedene Definitionen des Wortes an. Darunter sind die folgenden: "Fähigkeit, Fähigkeit, etwas zu tun" und "Manifestation der Aktivität". durch die Reales interpretiert oder Imaginiertes plastisch, sprachlich oder eingefangen wird geäußert“. Wir glauben, dass die RAE im zweiten Sinne den Nagel auf den Kopf getroffen hat. Sehen wir es uns genau an: "... durch die das Wirkliche interpretiert oder das Eingebildete erfasst wird." Es ist klar: Kunst hat zwei Wege: die Darstellung der Realität (manchmal strikt, wie wir später sehen werden) oder die Verkörperung transzendenter Konzepte. Außerdem müssen wir hinzufügen, dass beide Dinge nicht im Widerspruch zueinander stehen, obwohl sie uns das glauben machen.

Für seinen Teil, der bedeutende E. H Gombrich, in seinem berühmten KunstgeschichteEr beginnt seine Einführung mit der Feststellung: „Kunst existiert nicht wirklich. Es gibt nur Künstler. Dies waren einst Männer, die farbige Erde nahmen und grob die Formen eines Bisons auf die Wände einer Höhle zeichneten; heute kaufen sie ihre Farben und zeichnen Schilder für die U-Bahn-Stationen“. Und dann fügt er hinzu: „Es schadet nicht, all diese Aktivitäten Kunst zu nennen, solange wir das berücksichtigen ein solches Wort kann zu verschiedenen Zeiten und an verschiedenen Orten viele verschiedene Dinge bedeuten, und solange wir beachten, dass Kunst, geschrieben das Wort mit einem großen A, nicht existiert, da Kunst mit einem großen A ihrem Wesen nach ein Gespenst und ein Idol sein muss …“.

Mit anderen Worten, wenn es nur Künstler gibt und es daher kein Kunstideal gibt (dass Kunst mit Großbuchstabe, der kommentiert), dann bedeutet es, dass es in der Tat keinen künstlerischen Stil oder keine Ära gibt, die besser oder schlechter ist Andere. Um diese kleine Reise durchzuführen, wird es sehr hilfreich sein, sich auf konkrete Beispiele zu stützen; Auf diese Weise wird es viel einfacher zu verstehen, was Gombrich mit einer solchen Aussage gemeint hat.

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Komposition, Form, Perspektive

Nehmen wir als Beispiel den Bison, den Gombrich kommentiert. Sie alle haben die typische prähistorische Malerei im Sinn, die im Schutz einer Höhle entstanden ist. Lassen Sie uns eine Frage stellen. Ist diese Darstellung realistisch? Zögern Sie nicht zu antworten, denn die Antwort lautet „nein“.

Der Künstler, der den Bison malte, wollte keinen echten Bison darstellen, mit seinen Volumen, seiner Perspektive und seinen realistischen Details. Tatsächlich gibt es überhaupt keine Perspektive; Die Zeichnung ist völlig flach (obwohl in einigen Beispielen deutliche Versuche des Realismus festgestellt werden können). Das Ergebnis ist in jedem Fall dasselbe: Das an der Wand oder Decke der Höhle abgebildete Tier repräsentiert eine Idee, ein Konzept, keinen echten Bison.

Vergleichen wir den prähistorischen Bison mit einem Gemälde aus dem 19. Jahrhundert; Zum Beispiel, Angelus-Gebet auf dem Feld, des Malers Ignacio Díaz Olano aus Vitoria.

Wir werden das auf der Leinwand beobachten, der Maler hat eine akribische Darstellung gemacht, praktisch fotografisch, aus der Anatomie zweier Ochsen. Die Lautstärke ist perfekt, die Perspektive ist angemessen; wir haben das Gefühl, in der Szene präsent zu sein, als wären wir Teil des dargestellten Augenblicks. Mit einem Wort: Díaz Olano fängt ein Fragment der Realität ein.

An dieser Stelle stellen wir eine Frage. Ist die Mannschaft von Díaz Olano objektiv besser? In Auflösung, Zeichnung, Perspektive und Technik natürlich ja. Die Perspektive, die Volumen, die realistischen Farbtöne des Gemäldes; sie haben nichts mit der flachen Figur in neutralen Farben zu tun, die wir an der Höhlenwand gesehen haben. Bedeutet dies nun, dass die Arbeit von Díaz Olano im Allgemeinen objektiv besser ist als der prähistorische Bison? Die Antwort wäre in diesem Fall zweifellos „nein“.

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Der Ausdruck, das Konzept, die Idee

Nehmen wir ein weiteres Beispiel, das sehr gut verdeutlicht, was wir meinen. Und es ist nichts anderes als Die Hinrichtungen vom 3, von Goya.

Gut. Vergleichen Sie es jetzt mit einer anderen Aufnahmeszene: Hinrichtung von Torrijos und seinen Gefährten an den Stränden von Malagavon Antonio Gisbert.

Beginnen wir mit dem zweiten. In Torrijos, alles ist perfekt. Auch hier hat die Komposition keinen Fehler; noch die Perspektive, noch die Volumen, noch die Zeichnung, noch die Technik. Es ist formal ein perfektes Bild. Darüber hinaus bringt Gisbert auch Ausdruck in sein Werk: Wenn wir genau hinsehen, fällt jedes der Gesichter auf diejenigen, die sterben werden, drücken ein anderes Gefühl aus, das von der qualvollsten bis zur größten Angst reicht toll.

Kommen wir nun zu Goyas Hinrichtungen. Können wir sagen, dass Torrijos formal besser gelöst ist? Nun, trotz der Rede von Goya lautet die Antwort wieder einmal „Ja“. Gisberts Leinwand ist eine fotografische MomentaufnahmeEinen echten Moment im Leben festhalten. Wieder und wie bei der Engel von Díaz Olano, es scheint, dass wir mit Torrijos und seinen Gefährten am Strand sind. Tatsächlich ist das wirklich Aufregende an dem Gemälde, dass es scheint, dass wir Teil der Gruppe von Gefangenen sind, die auf ihren Tod warten, wenn man den Punkt betrachtet, an dem sich der Blick des Betrachters befindet. Zu den Gesichtern gibt es nichts weiter zu sagen; Gisbert machte sich Notizen zu Originalporträts der Opfer und traf sich auch mit Angehörigen der Verstorbenen, um die Gesichtszüge der Hingerichteten originalgetreu nachzubilden.

Wenn wir nun zu Goyas Gemälde gehen, werden wir sehen, dass die Gesichter nicht identifizierbar sind. Zunächst verbergen die Franzosen (die Henker) ihre Gesichter, als ob sie sich schämen würden. Außerdem bedecken die meisten der Erschossenen ihre Gesichter mit den Händen. Die wenigen, die ihre Gesichter zeigen, scheinen uns eher Karnevals- oder Albtraummasken als Menschen zu sein. Es gibt keine individualisierten Fraktionen; Goya malt Terror in seiner reinsten Form.

Kommen wir dann zur Frage. Bedeutet dies, dass Gisberts Malerei objektiv besser ist als die von Goya? Offensichtlich nicht. Und weil? Denn ganz einfach, Gisberts Absicht bei der Ausführung seiner Torrijos war nicht dasselbe wie Goyas, als er seine malte Hinrichtungen. Der erste wollte die makellose Realität zeigen, während der zweite Er drückte seine Wut und Frustration durch die Bürste aus. Gisbert hat das Erschießungskommando von Torrijos nicht erlebt; außerdem malte er das Bild mehrere Jahrzehnte später. Goya erlebte diese schicksalhaften Maitage.

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Der Ballast des Akademismus

Ab dem 18. Jahrhundert und vor allem im 19. Jahrhundert wurde die akademische Kunst (wie die Malerei von Torrijos) gilt als Höhepunkt der Malerei und Bildhauerei. Die perfekte Komposition, die Auflösung einer nahtlosen Perspektive, die richtigen Proportionen zwischen den Charakteren... wissenschaftliche Arbeiten weisen eigentlich keine formalen Fehler auf.

Nicht weniger wahr ist jedoch, dass im 19. Jahrhundert der Ausdruck und die Idee in Vergessenheit gerieten. Mit anderen Worten, das „Was“ wurde verwässert und nur das „Wie“ blieb übrig. Ganz im Gegensatz zu anderen "Künsten" in der Geschichte, wo vor allem das Konzept, die Idee, die repräsentiert wurde, vorherrschte. Dies ist unter anderem einer der Gründe, warum die mittelalterliche Kunst seit dem 18. Jahrhundert weitgehend verachtet wurde; sein konzeptioneller, transzendenter Stil passte nicht zum vorherrschenden Akademismus.

Wenn wir ein Kunstwerk richtig einschätzen wollen, müssen wir bedenken, dass wir in unserer Wertschätzung den Ballast des Akademismus tragen. Und seien Sie vorsichtig, denn damit meinen wir nicht, dass akademische Kunst schlecht ist, im Gegenteil; aber es ist wahr, dass uns viele Jahre lang beigebracht wurde, dass die Kunst nur „gut“ sei eine, die unter anderem die formalen Richtlinien von Perspektive, Volumen und Komposition respektiert Dinge. Und das führt natürlich dazu, dass wir uns verirren, und wir sind nicht in der Lage, die anderen "Künste" zu schätzen, die natürlich einen Wert an sich haben.

Denn die Richtlinien, die es braucht, um ein Werk zu bewerten, sind nicht nur die, die uns die Akademie seit Jahrhunderten diktiert. Es gibt andere, wie Ausdruckskraft, Gefühl und Idee die wiederum die Kunst anderer Zeiten und Kulturen diktiert haben. Sollen wir glauben, dass eine romanische Madonna mit Kind „schlimmer“ ist als eine Venus von Praxiteles? Natürlich nicht. Sie sind Töchter zweier Konzepte und zweier sehr, sehr unterschiedlicher Welten.

Die Entscheidung liegt jedoch, wie bei allem, was mit Kunst zu tun hat, bei jedem selbst. In diesem Artikel schlagen wir nur ein anderes Aussehen vor und vor allem geeignet für jede spezifische Arbeit; ein Look, der den Kontext, die technischen Möglichkeiten und die Persönlichkeit des Autors berücksichtigt.