Zeitgenössische Kunst: was sie ist, Merkmale und Hauptbewegungen

Wir leben heute in einer von Schnelligkeit geprägten Zeit. Moden erscheinen und verschwinden nicht nur im Handumdrehen, sondern breiten sich auch in der Welt aus Lichtgeschwindigkeit dank des Aufkommens von Technologien wie dem Internet, mobilen Anwendungen und Netzwerken Sozial. Zeitgenössische Kunst ist natürlich nicht außerhalb dieser Realität zu verstehen.

Obwohl wir seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts nicht mehr von künstlerischen Bewegungen als solchen sprechen können, tun wir dies Es gibt eine Reihe von Mustern, die zeitgenössische Kunst charakterisieren, und die wir in diesem Artikel analysieren werden.

Was ist zeitgenössische Kunst?

Als zeitgenössische Kunst gelten jene künstlerischen Manifestationen, die in die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts und den Beginn des 21. Jahrhunderts fallen. Schon das Wort „zeitgenössisch“ bringt ein kontinuierliches Vergehen und Erneuern mit sich, da wir offensichtlich in hundert Jahren nicht mehr in der Lage sein werden, aktuelle Kunst „zeitgenössische Kunst“ zu nennen.

Zeitgenössische Kunst basiert auf der Nichtexistenz solider und repräsentativer Bewegungen, wie es die „Ismen“ des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts waren. So, Die zeitgenössische Kunst ist ein klares Kind ihrer Zeit, da sie für absolute Gestaltungsfreiheit steht. Wir können fast einen bestimmten Trend für jeden bestehenden Künstler beschreiben. Es ist der Triumph der Individualität gegen die Gemeinschaft.

Trotzdem und vielleicht paradoxerweise können wir eine Reihe gemeinsamer Merkmale unterscheiden, die wir im nächsten Abschnitt besprechen werden.

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Allgemeine Merkmale zeitgenössischer Kunst

In groben Zügen können wir 4 wesentliche Merkmale der Kunst aufzählen, die wir als zeitgenössisch bezeichnen. Sehen wir sie uns unten an.

1. Der Einsatz neuer Technologien

Obwohl im Allgemeinen jede neue künstlerische Manifestation mit einer technischen Innovation einhergeht, trifft es zu, dass in Im Fall der zeitgenössischen Kunst ist Innovation ein grundlegendes Merkmal, um ihre eigene Definition zu stützen. Zum Beispiel war in der Entstehung der flämischen Kunst im 15. Jahrhundert die damals erfundene Ölmalerei sehr wichtig; aber wir können nicht sagen, dass diese neue Technik etwas Wesentliches bei der Geburt dieses neuen Stils ausmachte.

Wir können jedoch bestätigen, dass neue Technologien viel mit der Entstehung zeitgenössischer Kunst zu tun haben. Auf der einen Seite Fotografie und Kino, die die Grundlage für viele Schöpfungen der ersten Avantgarde des 20. Jahrhunderts waren; für einander, digitale Techniken und Netzwerke, die für das Verständnis aktueller Kunst unerlässlich sind.

Daher ist eines der wichtigsten Elemente, die zeitgenössische Kunst charakterisieren, die Nutzung und Nutzung neuer aufkommender Technologien, die übrigens gegeben hat Namensherkunft einer der aktuellsten (und auch heterogensten) Kunstströmungen des späten 20. und frühen 21. Jahrhunderts: Neue Medienkunst oder Kunst des Neuen Medien.

2. Viralität und Massenkonsum

Ein weiteres Merkmal, das zeitgenössische Kunst untermauert, ist ihre Viralität und der Aufstieg des Massenkonsums oder Massenkonsums. Wir können aktuelle Kunst nicht verstehen, ohne sie mit der Geschwindigkeit der Kommunikation und dem Zugang der breiten Öffentlichkeit zu künstlerischen Kreationen zu verknüpfen. Dies ist eine Tatsache, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts bemerkt wurde der Verallgemeinerung von Zeitungen und Zeitschriften und mit dem Wachstum der Konsumgesellschaft; jedoch erst in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts und insbesondere zu Beginn des 21. Jahrhunderts wenn dieses Phänomen dank Internet, Mobilgeräten und Netzwerken zugenommen hat Sozial.

Diese außergewöhnliche Viralität, die es noch nie zuvor gegeben hat, macht es der Schöpfung eines Künstlers leicht, in nur wenigen Stunden (manchmal Minuten) um die Welt zu reisen. Darüber hinaus verursacht der hohe Konsum, den die Menschheit heute lebt, ein größeres "Bedürfnis" nach Kunst in der breiten Öffentlichkeit sowie einen größeren Zugang.

3. Die Entwicklung von „Subkulturen“

Am Ende des 19. Jahrhunderts tauchten erstmals in der Kunstgeschichte gleichzeitig verschiedene künstlerische Strömungen auf, die als „Ismen“ bekannt sind. Von da an schritt die Ausbreitung ästhetischer Strömungen immer schneller voran, bis hin zu Anfang des 20. Jahrhunderts finden wir Avantgarden, die sich im Laufe der Zeit überschneiden.

Diese Multikulturalität und Gleichzeitigkeit künstlerischer Ausdrucksformen erreichte ihren Höhepunkt Mitte des 20. Jahrhunderts mit der Verbreitung von sogenannte "Subkulturen", das heißt, soziale Gruppen mit eigenen kulturellen Ausdrucksformen, die sich erheblich von denen unterscheiden, die von der akzeptiert werden "Amtlichkeit". Dies ist beispielsweise bei Graffiti und Urban Art der Fall.

4. Die fortschreitende Relativierung der Kunst

Zu guter Letzt finden wir eine Relativierung (wenn nicht Trivialisierung) der Kunst, die Anfang des 20. Jahrhunderts mit den ersten Avantgarden begann und bis heute andauert. Tage.

Im Laufe der Geschichte wurden künstlerische Bewegungen von einer Vorstellung von Schönheit geleitet. Offensichtlich hat sich diese Idee im Laufe der Jahrhunderte verändert und war je nach Kultur, die sie ausstrahlt, sehr unterschiedlich. Allerdings ist das Phänomen der künstlerischen Negation, also der das Nichtvorhandensein eines ästhetischen Leitfadens ist etwas absolut Neues.

Vielleicht die ersten, die die Negation der Kunst und damit einer Ästhetik etablierten, waren die Dadaisten, eine Gruppe desillusionierter Intellektueller, die sich 1916 als Bewegung etablierten. Die Dada-Bewegung war natürlich nicht die erste Avantgarde, aber sie war die erste, die das künstlerische Schaffen gewaltsam und absolut leugnete.

Einige Jahre zuvor schlugen die Futuristen eine Ästhetik vor, ein Schönheitsideal, in diesem Fall basierend auf Geschwindigkeit und Fortschritt. Sie waren Formsünder, aber keinesfalls leugneten sie die Existenz der Kunst. Tatsächlich sprachen sie von der „Schönheit eines Rennwagens bei voller Fahrt“. Der DadaistenSie brachen jedoch mit allem Ideal. Ohne es zu wissen, legten sie den Grundstein für die zukünftige zeitgenössische Kunst.

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Die Ära der „Postmoderne“

Die zeitgenössische Kunst gründet ihren Diskurs nicht auf Grenzüberschreitung (das hatte schon die Avantgarde getan), sondern auf der Bruch mit dem eigentlichen Konzept von Schöpfung und Autor. Es werden Fragen nach der Urheberschaft, der Gültigkeit der Sichtweise des Künstlers, der Originalität und dem eigentlichen Wert des Kunstwerks gestellt. Das nennt man „Postmoderne“.

Dieser Bruch mit künstlerischen Formalitäten lässt ihn in einen offenen Widerspruch eintreten, da er gleichzeitig als Sie stellen die Gültigkeit von Kunstgalerien, Stiftungen, Künstlern usw. in Frage, sie nutzen all dies dazu legitimieren Legitimieren, warum? Denn in der Postmoderne kann jedes Objekt als Kunstwerk betrachtet werden, weshalb es einer Institution mit ausreichender Autorität und Prestige bedarf, um es als solches zu bestätigen.

Einige der zeitgenössischen Kunstbewegungen

Im Folgenden werden wir einige der wichtigsten Bewegungen der zeitgenössischen Kunst von ihrem Erscheinen in den 1960er Jahren bis zur Gegenwart Revue passieren lassen.

1. Die „Pop-Art“

Entstanden in den 1960er Jahren von so wichtigen Künstlern wie Andy Warhol, "Pop Art" oder Popular Art Alltagsgegenstände neu erfunden und zu Kunstobjekten gemacht. Somit war jedes alltägliche Element wahrscheinlich ein Kunstwerk und darüber hinaus konnte es sich dank verbesserter Reproduktionstechniken jedes Zuhause leisten, darauf zuzugreifen. Es war der Beginn der Kunst als Konsumobjekt.

2. Die „Op-Art“

Die Bezeichnung ist die Abkürzung für optische Kunst, also optische Kunst. Der Begriff wurde von der Zeitschrift geprägt Zeit Magazin im Jahr 1964, und verwies auf die Künstler, die mit optischen Täuschungen spielten, um ihren Kreationen Energie zu verleihen. Obwohl die „Op-Art“ ihre Blütezeit in den 1960er Jahren hatte, finden wir ihre Genese in früheren Avantgarde-Bewegungen, insbesondere in der Surrealismus. Man erinnere sich nur an Dalí und seine „Paranoid-Bilder“, wie er sie selbst nannte, die das Auge auf Elemente aufmerksam machten, die im Prinzip nicht auf dem Gemälde dargestellt waren.

3. "psychedelische" Kunst

Der kreative Reichtum der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts manifestiert sich in all diesen Bewegungen, die sich u. a großen Impuls in diesen Jahren der Demonstrationen, der Hippiebewegung und der Geburtsstunde der Gegenkulturen.

Speziell die sogenannte „psychedelische“ Kunst hat viel mit dem Konsumboom zu tun halluzinogene Substanzen wie LSD (tatsächlich wird dieser Trend zu "Ehren" dieser Designerdroge auch "lysergische" Kunst genannt) und seine Ästhetik spiegelt die veränderten Bewusstseinszustände wider, die durch seinen Konsum erzeugt werden. So präsentiert "psychedelische" Kunst Fraktale und lebendige und brillante Farben sowie optische und phosphenische Effekte (das Gefühl, Lichtflecken zu sehen, wenn die Netzhaut angemessen stimuliert wird).

4. Die Körperkunst

Es geht um das künstlerische Schaffen, das den menschlichen Körper als Träger nutzt. So entstehen durch Bemalen, Piercing oder Tätowieren ästhetische Muster, die besonders in den 1970er Jahren sehr beliebt waren.

5. die Graffiti

Die Quintessenz des Graffiti-Jahrzehnts waren die 1980er Jahre. Es ist eine völlig freie Kunst (und meistens illegal). nutzt öffentliche Oberflächen für ihren Ausdruck. Dies sind in der Regel Wortkompositionen mit einer Botschaft, aber wir finden auch hochwertige figurative Malerei. Üblicherweise werden diese Darstellungen unter Verwendung der Aerosoltechnik hergestellt.

6. „arme“ Kunst

Ende der 1960er Jahre entstand eine Bewegung italienischer Künstler, die das behaupteten Kunst, die mit „armen“ Materialien hergestellt wurde, das heißt, für den täglichen Gebrauch und zu geringen oder kostenlosen Kosten. Der „Povera“-Künstler schuf seine Werke mit Holz, Ton, Blättern, Stoffen, Steinen und anderen Materialien, die im Allgemeinen in der Natur oder in der Stadtlandschaft zu finden sind.

7. Hyperrealismus

Anders als viele glauben, basiert zeitgenössische Kunst nicht nur auf völlig neuen Sprachen. Zum Beispiel ist in den letzten Jahren der sogenannte Hyperrealismus eine künstlerische Ausdrucksform geworden ahmt die Realität punktgenau nach, auf absolut fotografische Weise.

8. Neue Medienkunst

Es ist die Kunst, die sich der fortschrittlichsten Technologien bedient, um sich zu entwickeln und der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Das bevorzugte Medium dieser Künstler ist natürlich das Internet. Er neue Medienkunst oder Kunst der neuen Medien Er interagiert mit dem Betrachter, eignet sich vorhandene Werke an und schafft seine Kreationen in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern. Einige Beispiele sind interaktive Kunst und das Metaverse.