10 Kunstwerke über die Zeit

Die Zeit flieht, sagten die Latinos; "Zeit vergeht". Und so ist es. Jenseits der neueren Relativitätstheorien gab es zu allen Zeiten einen konkreten Zeitbegriff. Für die Alten war es etwas Zyklisches, das immer wieder zu seinem Ausgangspunkt zurückkehrte; für mittelalterliche Männer und Frauen war es linear und endete mit der Wiederkunft Christi.

Für die Barockzeit war es der große Zerstörer von Schönheit und Vergänglichkeit, daher die große Fülle von Vanitas (Eitelkeiten), Werke, in denen Elemente eingeführt wurden, die den Lauf der Zeit und ihre unerbittliche Zerstörung bezeugten. Für die Romantiker des 19. Jahrhunderts hingegen war die Zeit der Hauptkonstrukteur ihrer Nostalgie; eine Nostalgie für die Vergangenheit, die sich in eine Vorliebe für Ruinen und Dekadenz übersetzte.

10 berühmte Kunstwerke über die Zeit

Es ist schwierig, zwischen so vielen Werken zu wählen, die sich mit dem Thema Zeit befassen; Das Es ist ein sehr wiederkehrendes Konzept in der Kunstgeschichte.. Nachfolgend stellen wir einige der relevantesten vor.

1. mensarial des Königlichen Pantheons von San Isidoro de León (s. XI)

Das Königliche Pantheon der Könige von León gilt als eines der vollendetsten Juwelen der romanischen Kunst auf der Halbinsel. Es überrascht nicht, dass sie wegen ihrer prächtigen Fresken, darunter ein hochwertiges Mensarial, als „romanische Sixtinische Kapelle“ bezeichnet wurde.

Was waren die mittelalterlichen Mensarien? Es handelte sich um Kalender, deren Rhythmus durch die dem jeweiligen Monat entsprechenden landwirtschaftlichen Aktivitäten gekennzeichnet war.. Im Fall des Mensarios von San Isidoro de León befinden sich die Monate auf der Intrados des Bogens neben dem Pantokrator. Der Monat Januar enthält, wie es in diesen Darstellungen traditionell ist, den Gott Janus römischen Ursprungs, der den Beginn des Jahres markierte. Im Monat Februar, dem kältesten von allen, wird ein alter Mann dargestellt, der vor dem Feuer geschützt ist. Der Monat April, die Pracht des Frühlings, wird von einem jungen Mann verkörpert, der einige Blumen in seinen Händen trägt, und der September ist ein Bauer, der Trauben sammelt...

Im Mittelalter, drehte sich die Zeit um Gott. Die mittelalterliche christliche Zeitlinie war endlich, da die Zeit der Menschen mit der Wiederkunft Christi enden würde. Parallel zu dieser linearen Zeit gab es auch eine andere, von der Antike geerbte Zeit, die die Zeit als etwas Zyklisches betrachtete, das mit Veränderungen in der Natur und den Zyklen des Lebens zusammenhängt.

2. Saturnvon Peter Paul Rubens (1636)

Sie können die Zeit in der Kunst nicht verstehen, ohne über Saturn zu sprechen. Dieser Gott war eine antike Gottheit der italienischen Halbinsel, die später an den griechischen Gott Cronus angepasst wurde, von dem er die Attribute übernahm. Obwohl Crono nicht der Gott der Zeit war, hat die Ähnlichkeit zwischen seinem Namen und dem griechischen Namen für Zeit zu einer Assimilation zwischen den beiden geführt.

Der Mythos erzählt, dass Chrono/Saturn, Aus Angst vor einem Orakel, das vorausgesagt hatte, dass einer seiner Söhne ihn entthronen würde, verschlang er einen nach dem anderen alle Sprossen, die seine Frau Rhea ihm gab.. Diese Legende hat nichts anderes getan, als den Gott als die Personifikation der Zeit zu betonen, da die Zeit nicht aufzuhalten ist und verschlingt zu Menschen.

Rubens malte dieses Gemälde für den Torre de la Parada in Madrid. Darin stellt er Saturn als alten Mann dar, wenn auch mit noch muskulösem Körper (schließlich war er ein Titan), der seinem neugeborenen Sohn das Fleisch abreißt. Das für den Barock so typische starke theatralische Licht, das beide Körper erhellt und vor dem dunklen Hintergrund abhebt, verleiht der Szene Dramatik.

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3. In Schlaganfall oculivon Juan de Valdes Leal (1672)

Diese düstere Leinwand, die zu den berühmtesten Kunstwerken der Zeit gehört, wird mit dem sogenannten gepaart Finis Gloriae Mundi, ebenfalls von Valdés Leal. Beide Gemälde befinden sich im Unterchor des Hospital de la Caridad in Sevilla und wurden vom Humanisten Miguel Mañara zur Illustration in Auftrag gegeben die zwei Schlüsselkonzepte in der barocken Mentalität: die Moment des Todes („denke daran, dass du sterben wirst“) und Vanitas (die Eitelkeit der Welt).

Beide Konzepte sind eng mit der Zeit verbunden: Einerseits erinnert uns das Memento daran, dass sie unaufhaltsam vergeht und dass der Tod schließlich zu uns allen kommt; Das zweite erinnert an die Vergänglichkeit des Lebens und daran, dass alles Schöne mit der Zeit verschwindet oder verdirbt. In ictu oculi könnte im vorliegenden Fall mit „im Handumdrehen“ übersetzt werden, eine sehr deutliche Anspielung auf die Vergänglichkeit des Daseins.

Auf der Leinwand von Valdés Leal sehen wir ein eiskaltes Skelett, das sich auf einer Erdkugel erhebt (der Tod, der die Erde beherrscht); in seiner linken Hand trägt er eine Sense, während er mit seiner rechten das Feuer der Lebenskerze löscht. Unten ein Berg von Elementen, die wir nicht mit dem Tod mitnehmen können, ein Symbol dafür, dass alles flüchtig ist.

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4. Der letzte Strohhalm (The Jolly Knight)von Judith Leyster (1639)

In einem dunklen Raum, praktisch ohne räumlichen Bezug, situiert die Malerin Judith Leyster zwei junge Männer, die fröhlich trinken und rauchen. Ihre Kleidung ist in warmen und grellen Farben gehalten, ihre Gesichter von Alkohol und Euphorie verzerrt. Es ist eine Partyszene, nicht wahr?

Nun… eigentlich nein. Denn Leyster platziert hinter dem links sitzenden jungen Mann ein verstörendes Skelett, das von der Flamme der Kerze beleuchtet wird, die er selbst bei sich trägt. Es geht um die Flamme des Lebens; das Leben des glücklichen jungen Mannes, den der Tod auslöschen wird. Das Skelett nähert sich dem Jungen und scheint ihm etwas zuzuflüstern. Ohne Zweifel warnt er Sie: Die Zeit vergeht und Ihre ist gezählt. Um seine Botschaft zu unterstreichen, hebt er seine rechte Hand, wo wir eine laufende Sanduhr bemerken ...

Judith Leyster, treue Vertreterin ihrer Zeit, fängt in diesem großartigen Werk die barocke Vanitas ein, nach der die Zeit läuft und nichts steht. Viel weniger Jugend und Genuss...

5. Rembrandt Selbstportraits

Wenn es einen Künstler gibt, der sich für die Veränderungen interessiert, die die Zeit auf seinem Gesicht hinterlassen hat, dann ist es Rembrandt van Rijn (1606-1669). In vierzig Jahren hat der Künstler nicht weniger als hundert Darstellungen von sich selbst gemacht (obwohl seine Identität bei einigen in Frage gestellt wird), aus welchem ​​​​Grund Wir können Sie auf Ihrem Lebensweg begleiten.

Rembrandt fertigte sein erstes Selbstporträt 1628 an, als er erst zweiundzwanzig Jahre alt war. Der Künstler erscheint lachend, mit noch unsicherem Pinselstrich. Viel besser ist das Selbstporträt von 1629, wo wir den Büstenmaler mit einem sehr ernsten Grinsen im Gesicht sehen. Usw; Wir können den Gesichtszügen des Malers bis zu seinem Todesjahr 1669 folgen, als er im Alter von 63 Jahren sein letztes Selbstporträt malte. Ein wahres Zeugnis für die Nachwelt.

6. Zeit, ein Gemälde zu rauchenvon William Hogarth (1732)

William Hogarth ist einer der meistgeschätzten satirischen Künstler des englischen 18. Jahrhunderts. Berühmt sind seine Gemälde und Stiche, die die damaligen Sitten Englands kritisieren. In diesem Fall finden wir eine Allegorie auf das Vergehen der Zeit und wie sie alles zerstört, was sie berührt, einschließlich der Kunst.

Ein alter Mann mit langem Bart und muskulösem Körper (Personifikation der Zeit) betrachtet ein Gemälde, das auf seiner Staffelei ruht. In der linken Hand trägt er die Sense, die mit Tod, Ende und Verschwinden gekennzeichnet ist, und mit der anderen hält er eine Pfeife. Der austretende Rauch trifft direkt auf die Leinwand, verschmutzt und schwärzt sie.

Offensichtlich reflektiert Hogarth die Auswirkungen, die die Zeit auf die Dinge hat. Vor allem über die Gemälde; In diesem Sinne ist der Stich die Persiflage auf eine Denkströmung seiner Zeit, die vor allem von Addison verbreitet wurde, der diese Zeit „gemalt“ und das Werk verbessert hat. Nein, scheint Hogarth mit diesem Stich zu sagen; Zeit verbessert das Werk nicht, sie verändert und zerstört es nur.

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7. Die Schicksale (Atropos), von Francisco de Goya (1820-23)

Die Schicksale waren drei kleinere Gottheiten in der griechischen Mythologie, die für die menschliche Zeit und Existenz verantwortlich waren; Sie waren diejenigen, die entschieden, wie lange das Leben eines Menschen dauerte. In der im 19. Jahrhundert durchgeführten Bestandsaufnahme des Vermögens von Goyas Sohn Das Gemälde wird als Atropos beschrieben, was auf den Namen des Sensenmanns anspielt, der dafür verantwortlich ist, den Lebensfaden zu durchtrennen.

Wie der Rest der Anrufe schwarze Farben, die Chromatik dieses Werkes ist düster und dunkel, basierend auf Grau-, Braun- und Schwarztönen. Die drei Schicksale schweben wie schwebend in der Luft, und in der Mitte der Gruppe zieht eine vierte Figur mit gefesselten Händen unsere Aufmerksamkeit auf sich. Ein Mann, über dessen Leben sie entscheiden?

8. Der Träumer (die Ruinen von Oybin)von Caspar David Friedrich (1835)

In der Romantik verwandelt sich die Zeit von etwas Bedrohlichem in etwas Schönes. Der romantische Künstler ist der Inbegriff des nostalgischen Künstlers; er fühlt sich zwischen den Überresten eines Tempels oder einer Burg wohl und stellt sich ihnen eine idealisierte Vergangenheit vor, die nichts mit der Realität zu tun hat.

Friedrich war einer der größten Künstler in der Kunst, Reste der Vergangenheit zu malen.. Wir bestätigen dies mit der oben erwähnten Arbeit, wo wir einen Mann sehen, der auf den Überresten einer scheinbar gotischen Kathedrale sitzt. Durch den Spalt in den Bögen der Reste des Fensters sehen wir einen wunderschönen Sonnenuntergang (oder Sonnenaufgang), der die Leinwand in ein besonderes Licht hüllt. Friedrich fängt die Reinheit der Religion und Spiritualität vergangener Zeiten ein und verherrlicht nebenbei die Vergangenheit der deutschen Nation. Der Mann, der Träumer des Titels, steht als perfektes Beispiel für romantische Gefühle.

9. Stilleben mit umgestürzter Kerzevon Max Beckmann (1930)

Trotz der Tatsache, dass der Moment der Pracht der Vanitas Es war, wie wir bereits bemerkt haben, der Barock, der Grund für das Vergehen der Zeit und die Vergänglichkeit des Lebens wurde in der späteren Malerei nicht vergessen. Auch nicht im 20. Jahrhundert, wie diese Arbeit von Max Beckmann, datiert 1930 und welche zeigt uns a Vanitas mit einer avantgardistischen Sprache.

Drei Kerzen ruhen auf einem Tisch. Zwei davon sind noch an; der dritte wurde abgeschossen und ist ausgegangen. Der an der Wand angebrachte Spiegel reflektiert verstörend das Feuer der beiden Überlebenden: Willen, das Leben gegen alle Naturgesetze verlängern zu wollen? Die kunterbunte Komposition erzeugt einen klaustrophobischen Effekt, der das Gefühl von Unruhe und Verzweiflung verstärkt.

10. Die Beständigkeit der Erinnerungvon Salvador Dalí (1931)

Die berühmten Dalí-Schmelzuhren kommen in diesem Werk voll zur Geltung. Nach den Worten des Genies selbst sind sie der „Camembert der Zeit“, in Bezug auf ihre lockere Konsistenz, wie geschmolzener Käse.

Die Leinwand (auf dem Cover) ist Teil der berühmten, von Dalí etablierten Methode, die er selbst "paranoid-kritisch" nannte, durch die der Künstler Visionen und optische Spiele einfing, die den Betrachter täuschten und verwirrten. In dem Gemälde, das uns beschäftigt, hat die Zeit jede Bedeutung verloren: Realität und Traum vermischen sich wie in einem Traum. Über die Landschaft verstreut, trostlos wie in einem Albtraum, tauchen halb abgenutzte Uhren auf; Auf der linken Seite strömen Ameisen zu der einzigen Uhr, die ihre Form zu behalten scheint. In der Bildmitte scheint ein fremdes Gesicht mit langen Wimpern den Untergang des Todes zu symbolisieren. In Persistencia de la memoria wird die Zeit auf den Kopf gestellt und erhält eine neue Bedeutung.