Mexikanische Wandmalerei: 5 Schlüssel, um ihre Bedeutung zu verstehen

Der mexikanische Muralismus ist eine malerische Bewegung, die ihren Ursprung kurz nach der mexikanischen Revolution von 1910 hatte und eine wahrhaft transzendente Bedeutung erlangte. Es ist eine der ersten Bildbewegungen in Lateinamerika im 20 bewusst die europäisierende Ästhetik zu brechen und die lateinamerikanische Ästhetik auf der Suche nach einem "Authentizität".

Der Ursprung und die Entstehung der Bewegung finden im Jahrzehnt der 20er Jahre statt, das mit dem Ende des Ersten Weltkriegs und der Zeit der Weltwirtschaftskrise zusammenfällt. Seine Blütezeit dauerte bis in die 1960er Jahre und wirkte sich auf andere lateinamerikanische Länder aus. Aber auch heute noch ist die Flamme der mexikanischen Wandmalerei lebendig.

Die Intellektuellen, die dieser Bewegung angehörten, versuchten Lateinamerika und insbesondere Mexiko in zweierlei Hinsicht zu rechtfertigen: zum einen ästhetisch und zum anderen gesellschaftspolitisch. Um den mexikanischen Muralismus zu verstehen, müssen einige Schlüssel berücksichtigt werden:

1. Eine engagierte künstlerische Bewegung

Der mexikanische Muralismus war eine politisch engagierte Kunstbewegung. Dies ist auf zwei Faktoren zurückzuführen: erstens die mexikanische Revolution von 1910 und zweitens den Einfluss marxistischer Ideen.

Die Diktatur von Porfirio Díaz endete nach der mexikanischen Revolution, die unter anderem von Francisco "Pancho" Villa und Emiliano Zapata gefördert wurde. Das setzte ein neues Umfeld gesellschaftlicher Erwartungen voraus, das im Namen eines erneuerten Nationalismus die Anerkennung der Rechte der Volksgruppen forderte.

Obwohl die Revolution nicht vom Marxismus inspiriert war, haben einige Intellektuelle, darunter die Wandmaler, verbanden die beiden Diskurse, als sich die Ideen der internationalen Linken durch die Welt. So begannen sie, sich dieser "neuen" Ideologie zuzuwenden und die Rolle der Kunst daraus zu interpretieren.

Für Künstler, die von marxistischen Ideen beeinflusst waren, war Kunst ein Spiegelbild der Gesellschaft und sollte daher Ausdruck des Engagements für die Sache der unterdrückten Klassen (Arbeiter und Bauern) sein. So wurde die Kunst zu einem Instrument im Dienste der Ideale der Revolution und der sozialen Rechtfertigung im Rahmen des Klassenkampfes.

Wenn die Geschichte Mexikos bei den Wandmalern die Notwendigkeit geweckt hat, nach nationaler Identität zu suchen, dann ist der Marxismus inspirierte sie, Kunst als Ressource für ideologische Propaganda und die Sichtbarkeit des Kampfes der Lektionen.

Ihr Engagement war so groß, dass die Wandmaler die Revolutionäre Gewerkschaft der technischen und plastischen Arbeiter und ein aufsuchendes Organ der Gewerkschaft gründeten, genannt Die Machete, die am Ende das Magazin der mexikanischen Kommunistischen Partei werden sollte.

2. Die öffentliche Funktion der Kunst beanspruchen

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden die Kunsttrends von Paris diktiert und die besten Künstler der Welt studierten dort, darunter auch Lateinamerikaner. Aber seit dem 19. Jahrhundert hatten sich die Bedingungen für die Kunstproduktion geändert, und die großen Mäzene verblassten, wodurch die Aufträge für öffentliche Wandarbeiten zurückgingen. Die meisten Künstler mussten sich auf die Leinwand flüchten, die sich leichter vermarkten ließ. So begann die Malerei an Einfluss in der Öffentlichkeit zu verlieren.

Das immer freiere Umfeld der ersten Avantgardewelle und das Gewicht revolutionärer politischer Ideen waren ein Nährboden für mexikanische Künstler, um eine künstlerische Revolte in ihren Gesellschaft.

In Mexiko nahm der Wandel ab 1913 Gestalt an, als Alfredo Ramos Martínez zum Direktor der National School of Plastic Arts ernannt wurde und wichtige Reformen einleitete. Seine Arbeit wurde durch den Maler Gerardo Murillo, bekannt als Dr. Atl, vertieft, der die europäischen Kanons in der mexikanischen Kunst überwinden wollte.

Als 1921 José Vasconcelos, Autor des Buches Die kosmische Rasse, wurde zum Sekretär für öffentliche Bildung ernannt, stellte den Künstlern die Wandräume öffentlicher Gebäude zur Verfügung, um der Bevölkerung eine revolutionäre Botschaft zu übermitteln. Damit wären Diego Rivera, José Clemente Orozco und David Alfaro Siqueiros die ersten.

In den Blicken dieser Künstler spiegelte sich ein Interesse: eine authentisch mexikanische Kunst zu finden, die die Massen erreicht und einen neuen Horizont von Ideen und Werten vermittelt. Auf diese Weise wurde auch ein Bewusstsein für das authentisch Lateinamerikanische geschaffen. Diese Kunst musste öffentlich sein, für das Volk und vom Volk. Daher wäre die ideale Stütze die Mauer, die einzige wirklich "demokratische" künstlerische Stütze, wirklich öffentlich.

Siehe auch:

• Jose Clemente Orozco.
• Mexikanische Wandmalerei: Merkmale, Autoren und Werke.

3. Ein einzigartiger Stil auf der Suche nach nationaler Identität

Mexikanische Wandmaler hielten den künstlerischen Akademismus für etwas "Bürgerliches". Dieser Akademismus bestand auf einem eurozentrischen Blick auf religiöse, mythologische oder historische Szenen sowie Porträts und Landschaften. Diese Konventionen entfesselten die kreative Dynamik der Künstler, die die Avantgarde trieben.

Die Avantgarden ebneten den Weg zur künstlerischen Freiheit, indem sie die Bedeutung der plastischen Sprache über den Inhalt behaupteten. Die Wandmaler ließen sich von diesen Formen und dieser Freiheit imprägnieren, aber auf den Inhalt konnten sie nicht verzichten transzendent, nur fügten sie einen Ansatz hinzu, der im sozialen Realismus kaum thematisiert wurde: den Kampf der Lektionen.

Eine Reihe von Merkmalen definierte den mexikanischen Muralismus. Neben der Abgrenzung ihres eigenen Stils grenzten sie eine programmatische Agenda ab und zeigten soziale Probleme auf, die ignoriert wurden. So griffen die Wandmaler durch die Kunst die indigene Ästhetik und Kultur sowie nationale Themen auf und eroberten sie zurück.

So inspirierten sie wiederum Künstler aus lateinamerikanischen Ländern, sich der Sache einer der Geschichte verpflichteten Kunst anzuschließen, und das der Konstruktion und Verteidigung einer lateinamerikanischen Identität eine Stimme geben, in Konfrontation mit dem vermeintlich universalisierenden Modell der Europa.

Siehe auch Das Labyrinth der Einsamkeit von Octavio Paz.

4. Ein unsammelbares künstlerisches Erbe

Die Wand als Träger von Kunst sowie künstlerische Installationen sind ein Problem für den Markt. Diese Arten von Werken können nicht kommerzialisiert werden, da sie keine "Sammlerstücke" sind. Aber eines zeichnet sie aus: Die Wand ist dauerhaft und die Installationen sind ephemer. Und dieser Unterschied unterstreicht das von den Wandmalern erreichte Ziel: der Malerei ihren öffentlichen Charakter zurückzugeben.

Die Tatsache, dass die Mauer die mexikanische Wandmalerei unterstützt hat, erlaubt, dass das entwickelte Erbe seiner sozialen Funktion nicht entzogen werden kann. Ungeachtet der Tatsache, dass einige dieser Wandmalereien in öffentlichen Gebäuden entstanden sind, sind sie immer noch Teil des öffentlichen Erbes, und Freiflächen oder des täglichen Bedarfs, wie z. B. Schulen oder Universitäten, stehen den Besuchern weiterhin zur Verfügung setzt.

So hinterlässt der mexikanische Wandmalerei ein unschätzbares Erbe durch die Werke seiner Künstler. Einige der bekanntesten waren Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros und José Clemente Orozco. Hinzu kamen die Künstler Gerardo Murillo (Dr. Atl), Rufino Tamayo, Roberto Montenegro, Federico Cantú, Juan O'Gorman, Pablo O'Higgins und Ernesto Ríos Rocha.

Siehe auch: Wandbild Der Mann, der das Universum kontrolliert, von Diego Rivera

5. Ein umstrittener Schritt

Als eine Kunst mit einem ausgeprägten politischen Geist hat die mexikanische Wandmalerei viele Kontroversen ausgelöst. Einer davon würde mit der wahren Wirksamkeit der Mauer als öffentliche Stütze zu tun haben. Tatsächlich war es für einige Kritiker ein Widerspruch, dass sich diese Mauern in öffentlichen Gebäuden befanden, die die Bauern nicht erreichten.

Ebenso waren sie der Ansicht, dass die PRI-Regierung heuchlerisch handelte, indem sie eine Kunst förderte, die die Werte der mexikanischen Revolution, nachdem Zapara und Pancho Villa von der Bildfläche gestrichen wurden Politik. Für diese eher politischen als künstlerischen Kritiker war der mexikanische Muralismus ein weiteres Versteck der dominanten Bourgeoisie.

Neben der mexikanischen Wandmalerei wurden andere plastische Bewegungen in Lateinamerika von der sozialen Denunziation und der Darstellung lokaler Bräuche und Farben inspiriert. Hinzu kommen die Bewegungen, die die eurozentrischen Schemata künstlerischer Wertschätzung durchdringen oder hinterfragen wollten, wie die Modernist Movement of Brazil mit ihren Manifest Manifest (Oswald de Andrade, 1924). Dies war damals entscheidend für die Projektion der lateinamerikanischen Kultur und markierte damit eine Präsenz auf der internationalen Bühne.

Diese auf der Suche nach "lateinamerikanischer Identität" basierenden Ästhetiken wurden jedoch von der westlichen Welt als Stereotypen verwendet. In einem Artikel der chilenischen Forscherin Carmen Hernández, veröffentlicht vom Latin American Council of Social Sciences (CLACSO) schwankten diese Stereotypen zwischen der "Exotisierung" und der "Soziologisierung" der Kunst Lateinamerikanisch. Das heißt, Lateinamerika sei entweder "exotisch / malerisch" oder "soziale Denunziation".

Abgesehen von den dargestellten Inhalten und der damit verbundenen Kontroverse steht außer Zweifel, dass die mexikanische Wandmalerei in der Lage war, etwas zu erschaffen eine Ästhetik mit eigener Autorität, die an sich wertvoll ist und die zu einem Bezugspunkt in der Geschichte der Malerei geworden ist, sowohl in Mexiko als auch in International.

So gesehen ist es leicht zu verstehen, warum Rockefeller Diego Rivera beauftragt hat, eine Wandgemälde und warum er es auch löschen ließ, als er mitten in der Komposition das Gesicht von face entdeckte Lenin.

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