Caspar David Friedrich: Biographie dieses romantischen Malers

Norbert Wolf sammelt in seinem Friedrich gewidmeten Buch den Eindruck, den der romantische Maler auf einen seiner Besucher, den russischen Dichter Wassili, machte Andreyevich Shukowski, der über ihn sagte, dass seine Landschaften zwar einen melancholischen Menschen zu verraten schienen, dieses Bild jedoch nicht dem entsprach Wirklichkeit.

Während wir vielleicht glauben, dass sich Caspar David Friedrich nicht ständig in der typischen romantischen Düsternis befand, können wir Shukowskis Ansicht auch nicht völlig vertrauen. denn wir wissen von einigen seiner Zeitgenossen, dass der Maler gelegentlich einen Selbstmordversuch unternahm und dass sein Charakter (insbesondere in seinen letzten Lebensjahren) zu Depressionen und Depressionen neigte Isolation. Ein wahrer Charakter der Romantik.

In dieser Biographie von Caspar David versuchen wir, ein Porträt des Lebens und Werks dieses charismatischen Künstlers zu zeichnen., einer der größten Vertreter der romantischen Bewegung in der Malerei.

Kurzbiographie von Caspar David Friedrich, dem großen Maler der deutschen Romantik

Obwohl seine Heimatstadt Greisfwald, als Friedrich im September 1774 geboren wurde, aufgrund des Dreißigjährigen Krieges zur schwedischen Krone gehörte, war die Region kulturell deutsch. Erinnern wir uns daran, dass die deutschen Gebiete damals ein Mosaik von Staaten waren, die zu dieser Zeit und aufgrund vorromantischer Bewegungen wie der Sturm und DrangSie begannen, sich ihrer nationalen Identität bewusst zu werden.

Caspar David Friedrich war einer der großen Vorreiter der romantischen Bewegung im malerischen Bereich, der die Landschaftsmalerei auf ein noch nie dagewesenes Niveau an Symbolik und Spiritualität brachte. Doch wie immer begann seine Arbeit nicht bei Null. Der Künstler wurde offensichtlich von niederländischen und britischen Landschaftsmalern beeinflusst, insbesondere von John Constable (1775-1837), dem großen Führer der englischen Landschaftsmalerei.

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Eine frühe Erfahrung des Todes

Romantik ist ohne den Tod nicht zu verstehen. Die Romantiker empfanden ihr gegenüber eine Art Bewunderung mit einem Hauch von Angst, ein oft krankhaftes Gefühl, das praktisch ihr gesamtes Werk durchdrang. Friedrich war keine Ausnahme; Besonders in seinen Spätwerken, als er bereits schwer erkrankt war, lässt sich eine deutliche Besessenheit mit dem Thema erkennen, dessen Hauptausdruck das Verstörende ist Landschaft mit Grab, Sarg und Eule, hingerichtet um 1836, nur vier Jahre vor seinem Tod.

Aber Friedrich liebte sich nicht nur zu Tode, weil er der romantischen Bewegung angehörte. Er hatte sie seit seiner frühesten Kindheit sehr nahe gespürt: 1781, als er erst sieben Jahre alt war, starb seine Mutter, Sophie Dorothea, und er und seine fünf Geschwister kamen in die Obhut einer Haushälterin, der liebenswerten Mutter Heiden, zu der Friedrich stets große Zuneigung beteuerte.

Das Sterben hörte hier nicht auf. Ein Jahr nach dem Tod der Mutter starb Elizabeth, eine der Schwestern, an den Folgen der Pocken. Später, im Jahr 1791, erlag ein weiteres Mädchen, Maria, dem Typhus. Doch der Tod, der den sensiblen Geist des Kleinen am meisten getroffen hat, war wohl der seines Bruders Johann Christoffer, der im Winter 1787 bei dem Versuch, den ins Wasser gefallenen Friedrich zu retten, ums Leben kam Eis. Die Schuldgefühle, die der Künstler sein ganzes Leben lang tragen sollte, trugen nicht zuletzt zu seinen ständigen Anfällen von Melancholie bei und höchstwahrscheinlich auf seine Selbstmordversuche.

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Die Ankunft des Erfolgs in der Welt der Kunst

Erste Erfolge verzeichnete Friedrich in den 1810er Jahren. Zuvor hatte er jedoch an der Universität Greifswald bei dem berühmten Professor Johann Zeichnen studiert Gottfried Quistorp und zog später nach Kopenhagen, um dort sein Studium fortzusetzen Akademie. In der dänischen Stadt malte er sein erstes Aquarell, Landschaft mit Pavillon (1797), inspiriert von englischen Gärten und in dem noch Anklänge an einen fernen Rokoko-Stil nachhallen.

Es war Thomas Thorild, ein Schwede, der den Lehrstuhl für Literatur und Ästhetik an der Universität Greifswald innehatte, der dem jungen Friedrich das Unterscheiden beibrachte eine äußere Vision (das heißt diejenige, die die realen Formen einer Landschaft einfängt) und die innere, die viel mehr mit dem psychischen und spirituellen Zustand der Person zusammenhängt Beobachter. Dies ist wichtig, da Friedrichs Landschaften keineswegs konventionelle Landschaften sein werden; Der Maler durchdringt seine Ansichten mit einer ganzen Symbologie und einer Bedeutung, die über die bloße Erscheinung hinausgeht.

Im Jahr 1808 führt der Künstler eines seiner größten Werke aus: Das Kreuz auf dem Berg, auch bekannt als Der Tetschen-Altar. Baron von Ramdohr, der das Werk in Friedrichs Atelier sah, kritisierte es scharf und kritisierte den Mangel an Perspektive und Tiefe sowie die übermäßige Stilisierung. Was von Ramdohr kritisierte, war genau das, was dieses Gemälde seitdem zur Apotheose der neuen deutschen romantischen Malerei machte Der Tetschen-Altar erinnert unweigerlich an ein gotisches Altarbild.

Die napoleonischen Invasionen hatten bei den Deutschen eine antifranzösische und antiklassizistische Stimmung ausgelöst, und Friedrich bildete da keine Ausnahme. Tatsächlich und wie Norbert Wolf feststellte, ist dies plausibel Der Tetschen-Altar Es war zunächst ein patriotisches und nichtreligiöses Werk, und erst nach einigen Wechselfällen schmückte es schließlich den Altar einer Kirche.

Wie dem auch sei, dieses Jahr markiert für Friedrich den Beginn des Erfolgs. Erstens, weil Das Kreuz auf dem Berg er brachte seinen Namen in aller Munde; Zweitens, weil im selben Jahr führt eines seiner Meisterwerke auf, das berühmte Mönch am Meer, eine authentische Hymne an die romantische Spiritualität und die Betrachtung des Erhabenen.

In ähnlicher Weise wie sein späteres Gemälde Reisender betrachtet ein Wolkenmeer (1818) konfrontiert Friedrich hier den Menschen mit der Unermesslichkeit der Natur, vor der die Figur unweigerlich in den Schatten tritt. Allerdings gibt es deutliche Unterschiede zwischen den beiden Gemälden: Während im zweiten Gemälde der Mann einen großen Teil des Bildes einnimmt Gemälde, im ersten ist der Mönch praktisch ein winziger Punkt, der zwischen der Ausdehnung des Meeres und dem kaum zu erkennen ist Schatz.

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Caroline Bommer, Muse und Mitliebhaberin

Vielleicht ist die viel größere Größe, die der Wanderer im Wolkenmeer bietet, auf die Veränderung zurückzuführen, die sich im Lebenslauf des Malers vollzieht.

Im selben Jahr, 1818, heiratete er Caroline Bommer, eine lächelnde 25-Jährige (Friedrich ist bereits vierundvierzig) scheint ein friedvolles Licht auf die Existenz der Gequälten zu werfen Künstler.

Dies lässt sich überprüfen, wenn man sich die Arbeit dieser Zeit ansieht, in der die Leinwände immer größer werden helle und fröhliche und vor allem menschliche Figuren beginnen sich zu vermehren, besonders diese feminin. Kritiker führen diese Veränderung auf die glückliche Verbindung des Malers mit Caroline zurück dass er, obwohl er „sein Leben auf den Kopf gestellt“ habe (Friedrich schreibt in einem Brief, wie sich sein Leben als Einsiedler verändert habe), seinem Dasein eine positive Richtung gegeben habe.

Caroline erscheint in zahlreichen Werken Friedrichs aus den 1810er und 1820er Jahren. Wir sehen es zum Beispiel im berühmten Frau vor dem Ausgang (oder) Sonnenuntergang, entstanden um 1820. Caroline erscheint von hinten auf der Leinwand, umhüllt von warmen Sonnenstrahlen, von denen nicht zu unterscheiden ist, ob sie zur Morgen- oder Dämmerung gehören. Beide Versionen sind plausibel; Ein Sonnenaufgang wäre sinnvoll, wenn wir die Figur als eine Art Gebet aus der christlichen Zeit betrachten primitiv, aber die Sonnenuntergangsversion würde perfekt mit der Idee des Todes übereinstimmen, die so konstant ist Friedrich. Der Weg war plötzlich abgeschnitten, bevor die junge Frau diese letzte Hypothese bekräftigen konnte.

Ein weiteres berühmtes Werk Friedrichs, in dem seine Frau vorkommt, ist Kreidegestein auf Rügen (1818), genau inspiriert von ihren Flitterwochen. Drei Figuren blicken (mit dem Rücken zugewandt, wie es im Werk des Malers üblich ist) in die Leere, die sich vor ihnen öffnet, als stünden sie am Rande einer wunderschönen weißen Klippe. Jenseits davon entfaltet sich das Meer ewig und unveränderlich, auch ein wichtiges Leitmotiv in Friedrichs Werk als Symbol des Lebens und der Reise in den Tod. Die drei Charaktere wären Caroline, die Künstlerin, und sein Bruder Christian, der sie auf der Reise begleitet hatte.

Auch zu dieser Zeit Männliche Figuren beginnen sich als Paar zu vermehren und spiegeln ihre engsten Freundschaften wider (besonders bei Carus und Johann Christian Clausen Dahl, einem in Norwegen geborenen Maler, der sein Nachbar in Dresden wurde und mit seiner Anteilnahme und seinen abendlichen Plaudereien sein Dasein belebte). Es ist die Zeit der Gemälde wie Zwei Männer beobachten den Mond (1819-20), Mann und Frau betrachten den Mond (1824) und Sonnenuntergangslandschaft mit zwei Männern (1830-35).

Seit dem Wiener Kongress (1814-15) und der Wiedereinführung des Ancien Regime war Friedrichs Werk in gewisser Weise zurückgezogener und intimer geworden. Nach den „leuchtenden“ Jahren seiner ersten Ehe mit Caroline begann sich der Charakter des Künstlers zu verschlechtern, und um 1830 verfiel er wieder in Melancholie. Seine Werke interessieren niemanden mehr außerhalb seines Kreises.

Letzte Jahre und Tod

Im Jahr 1824 wurde er von einer Krankheit heimgesucht, die ihn einige Jahre lang daran hinderte, in Öl zu malen, was jedoch nicht zu einer Besserung seines Zustands beitrug. Im Jahr 1835 erlitt er einen Schlaganfall, der seine Arme und Beine vorübergehend nicht mehr bewegen konnte, was seine Arbeit stark beeinträchtigte. Die Krankheit verstärkt seine Depression und seine Todesbesessenheit, dieser alte Freund, der ihn seit seiner frühen Kindheit begleitet und ihn dazu veranlasst, zahlreiche Arbeiten auf Friedhöfen auszuführen: Friedhof im Schnee, aus dem Jahr 1826, mit einem offenen Grab im Vordergrund, das mit der morbiden Obsession seines eigenen Abgangs in Verbindung steht; das Tor des Friedhofs (1825-1830) und vor allem der Eingang zum Friedhof (1825), wo wir ein Paar sehen, das auf das kleine Grab ihres Sohnes schaut, über dem geflügelte Figuren fliegen, die zunächst kaum wahrnehmbar sind.

Im selben Jahr, in dem die Krankheit sein Leben traf, schuf er ein Werk, das praktisch als sein Meisterwerk gilt, das jedoch zu Lebzeiten des Malers so erfolglos war, dass es nicht einmal verkauft werden konnte. Handelt von der eisige Ozean, dessen überraschende Modernität uns völlig in Erstaunen versetzt. Inspiriert von einem Schiffswrack im Eis, zeigt die Leinwand nur den winzigen Kiel des Schiffes, der zwischen den riesigen, festen Eisblöcken getarnt ist. Man muss nicht sehr scharfsinnig sein, um den Zusammenhang zu erkennen, den dieses Werk mit der großen Qual von Friedrichs Leben herstellt: dem Tod seines Bruders, der genau im Eis ertrunken ist. der eisige Ozean Es handelt sich also um eine Art lebendiges Testament, einen Exorzismus, mit dem der Maler den Schmerz ausrotten will, den er im Laufe seines Lebens angesammelt hat.

Friedrichs Geisteszustand verschlechtert sich sprunghaft. Einige Zeugen sprechen von Misshandlungen seiner Frau, der er Untreue vorwirft. Sein Freund Shukowski, von dem wir bereits gesprochen haben, besucht ihn einige Monate vor seinem Tod und versichert, dass sein Zustand beklagenswert sei und dass der Maler in seiner Gegenwart zu weinen begonnen habe. Friedrich starb schließlich am 7. Mai 1840; Seine Arbeit wird erst fast ein Jahrhundert später wieder anerkannt.