Was sind die Schönheitskanons der mittelalterlichen Kunst?

Eine dunkle Zeit. Wenig Gelehrsamkeit. Eine raue und ungeschickte Kunst. Sehr religiöse Wesen, die immer beteten... Das sind die vorgefassten Vorstellungen, die wir vom Mittelalter haben, teilweise angespornt durch Filme und Romane. Die Realität sah jedoch ganz anders aus.

Die Menschen der Mittelalter Sie hatten künstlerisches Gespür und hatten ihre eigenen Regeln in Bezug auf Schönheit. Tatsächlich unterscheiden sich diese in vielen Aspekten nicht allzu sehr von der Antike, obwohl die Themen versucht haben, uns etwas anderes zu lehren.

Wie waren die Kanone der Schönheit im Mittelalter?

So dass, Was sind die wichtigsten Schönheitskanons in der mittelalterlichen Kunst? Was galt im Mittelalter als schön? Im folgenden Artikel werden wir versuchen, anhand so berühmter Autoren wie Umberto Eco einen kurzen Überblick über die Schönheit im Mittelalter zu geben und zu zeigen, wie sie sich in ihren künstlerischen Werken widerspiegelte.

ein symbolisches Universum

Zunächst ist es wichtig zu betonen, dass wir die mittelalterliche Kunst, die überaus symbolisch ist, nicht mit der Kunst anderer Zeiten vergleichen können, die viel naturalistischer ist. Was meinen wir damit? Nun ja, einfach

Was für mittelalterliche Künstler beim Schaffen vorherrschte, war nicht die Art und Weise, wie etwas dargestellt wurde, sondern was dargestellt wurde.

Aus diesem Grund ist es ehrlich gesagt absurd, darüber zu diskutieren, ob das Mittelalter Sie wussten oder nicht der Perspektive, der Proportionen oder der Symmetrie. Denken wir darüber nach, wenn wir vor einem ägyptischen Fresko stehen? Wahrscheinlich nicht, und das liegt daran, dass wir es gewohnt sind, im alten Ägypten eine dogmatische Zivilisation zu sehen, die überhaupt nicht naturalistisch ist.

Wenn wir uns also ganz klar darüber im Klaren sind, dass Ägypten eine religiöse Welt war und dass dies ihre einzige Absicht war Die Zeit zum Erschaffen bestand darin, dieses spirituelle Universum einzufangen. Warum sind wir gegenüber Plastik so unfair? mittelalterlich? Warum vergleichen wir die Gemälde des Mittelalters mit der klassischen Kunst und runzeln die Stirn und sagen, dass sie „nicht wussten, wie man malt“, aber wir tun das nicht mit der Kunst der Ägypter?

In Wirklichkeit sind die ägyptische und die mittelalterliche Welt gar nicht so weit voneinander entfernt. Wir erklären uns. Für mittelalterliche Männer und Frauen war der Kosmos Gottes Schöpfung, das perfekte Werk des perfekten Architekten, und daher war alles von seiner Göttlichkeit durchdrungen.

Dies bedeutete, dass jedes Element der Schöpfung miteinander verbunden war und Alles hatte eine tiefere Bedeutung, als es auf den ersten Blick hatte. Für das Mittelalter war ein Tier nicht nur ein Tier, sondern war mit einer Symbologie bedeckt: dem Pelikan, von Von dem man glaubte, dass er seine Brust öffnete, um seine Jungen mit seinem Blut zu füttern, war ein Symbol für Christus und sein Leben opfern. Der Strauß war die Verkörperung des Gerechtigkeitsgedankens, da seine Federn streng symmetrisch waren. Das Hermelin war aufgrund seiner makellosen weißen Farbe rein. Und so mit einer langen usw.

In der göttlichen Schöpfung wurde nichts zufällig auf der Welt gefunden. Die mittelalterliche Mentalität glaubte nicht an den Zufall, wie es später die moderne wissenschaftliche Mentalität tun würde. Jedes Element war einer von Gott festgelegten Ursache unterworfen, sodass die Existenz von etwas manchmal nur vom Schöpfer verstanden werden konnte.

Es handelte sich um die Hässlichkeit, die Deformität und das Monster, die übrigens die mittelalterliche Kunst plagen, insbesondere in Kapitellen und Säulen. Wenn sie existierten, dann deshalb, weil Gott ihnen eine Mission, eine Bedeutung gegeben hatte. Im Mittelalter war nichts überflüssig und nichts fehlte auf der Welt.

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Eine „unnaturalistische“ Kunst

Dieses symbolische Universum spiegelte sich ständig in der Malerei und Skulptur wider. Natürlich können wir in der mittelalterlichen Kunst nicht nach naturalistischen Elementen suchen. Wir haben bereits gesagt, dass die Absicht nicht das Wie, sondern das Was war. Der mittelalterliche Künstler fängt also nicht ein, was er sieht, sondern was er bedeutet Wirklichkeit. Dabei wird auf Volumen, Proportionen und jede andere „akademische“ Regel verzichtet und so eine größere Ausdrucksfreiheit erlangt. Stellen wir uns vor, dass der mittelalterliche Künstler versuchte, Himmel und Erde streng naturalistisch darzustellen. Unmöglich. Wie erfasst man Konzepte wie Erlösung, Verdammnis, Gott, Christus, Unsterblichkeit, Auferstehung??? Um ähnliche Ideen zu erfassen, ist eine symbolische Sprache notwendig und Symbolsprache kann nicht physikalischen oder mathematischen Regeln unterliegen, denn wenn er es täte, wäre seine Ausdrucksfähigkeit eingeschränkt.

Dies bedeutet jedoch nicht, dass es im Mittelalter keine bestimmte Vorstellung von Proportionen und Symmetrie gab. Erinnern wir uns daran, dass die Menschen des Mittelalters einen Großteil der klassischen Schriften kannten und nicht so weit von der Antike entfernt waren, dass sie sich darin nicht widergespiegelt sahen. Selbst in der so unnaturalistischen romanischen Kunst finden wir klare Beispiele, in denen der Künstler versucht hat, die Realität einigermaßen genau darzustellen.

Dies ist der Fall bei den Reliefs und Skulpturen der Abtei von Moissac in Frankreich, wo wir einen Heiligen Paulus und einen Heiligen Jeremia finden für die damalige Zeit erstaunlich naturalistisch, ihre Kleidung schmiegt sich an den Körper und fällt in Falten, die unweigerlich an die erinnern klassische Technik. Andererseits ist die Vorabend von Soulliac, ebenfalls in Frankreich, ist ein hervorragender liegender Akt, der die Brüste ganz natürlich nachbildet der Körper der Frau, was übrigens ein weiteres ziemlich abgedroschenes Klischee zerstört: dass es im Mittelalter „keine gab“. nackt".

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Anpassung an Raum und Symmetrie

Charakteristisch für die mittelalterliche bildende Kunst ist die Anpassung der Figuren an den Raum. In diesem Sinne ist das Mittelalter recht streng: Verantwortlicher ist das Gebäude oder der Ort, an dem die Arbeiten ausgeführt werden sollen, und dies muss an seine Eigenschaften angepasst werden. Aus diesem Grund kommt es recht häufig vor, dass Szenen gelöscht oder verändert werden, um die Charaktere in einem Tympanon, einer Archivolte oder einem Kapitell richtig zu positionieren.

Andererseits ist das Kriterium der Symmetrie in der mittelalterlichen bildenden Kunst durchaus vorhanden. Umberto Eco, in seinem großartigen Essay Kunst und Schönheit in der mittelalterlichen Ästhetikenthält einige interessante Beispiele, wie das von Soisson, wo einer der weisen Männer „eliminiert“ wird, um eine perfekte Symmetrie mit der Gegenüberstellungsszene herzustellen. Wir sehen hier ein klares Beispiel für die Starrheit, mit der die Mittelalterlichen über die Disposition und das Wesen nachdachten Symmetrie der Figuren, da die Gesamtheit der Darstellung absolut übereinstimmen musste perfekt.

Im Mittelalter gab es zumindest in den ersten Jahrhunderten keinen Raum für Innovation. Mittelalterliche Handwerker wiederholen Regeln und Formen und passen ihre Arbeit nach klaren Vorgaben an den Raum an die von Generation zu Generation weitergegeben werden. Ein Pantokrator wird immer ähnlichen Vorbildern folgen, ebenso wie eine Jungfrau Theotokos oder eine Verkündigung. Wir müssen bis zum Ende der Gotik warten, bis ein neuer Ausdruck auftaucht, der naturalisiert die Figuren und Ausdrücke und versucht, Hinweise auf Perspektive und die Neugestaltung von Räumen zu geben real.

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Licht und Farbe

Ein weiterer wichtiger Aspekt, um zu verstehen, worauf der mittelalterliche Mensch das Schönheitskonzept gründete, ist Licht und Farbe. Das Mittelalter ist ohne diese beiden Elemente nicht zu verstehen, denn für seine Protagonisten ist Gott Licht und Licht Farbe..

So wird alles zum chromatischen Ausdruck: die Wände und Decken von Kirchen und Kathedralen, Skulpturen, Kleidung, Banner, Miniaturen, Juwelen. Trotz seiner Überzeugung, dass Schönheit überirdisch ist und jenseits des Sichtbaren existiert, ist dem mittelalterlichen Menschen die Anziehungskraft, die sensible Schönheit auf ihn ausübt, nicht gleichgültig. Suger selbst, Abt von Saint-Denis, war erstaunt über den Lärm aus Farben und Licht, der in seiner Kirche herrschte, da er ihn direkt mit göttlicher Schönheit verband. Etwas, das Bernardo de Claraval und die Zisterzienser übrigens als gefährlich für die Tugend erachten und versuchen werden, es aus ihren Gebäuden zu verbannen.

In der mittelalterlichen Malerei ist die Farbe rein, gerade weil sie Licht ist. Der Mensch des Mittelalters stellt sich Farbe nicht „halb“ vor; die Töne sind rein, brillant, klar. Die Verwendung von Gold erreicht ihren Höhepunkt während der sogenannten internationalen Gotik, in der die Goldmünzen mit diesem Farbton geschmückt werden, der Gott symbolisiert. Edelsteine ​​und Edelsteine ​​werden gleichermaßen hoch geschätzt, nicht nur wegen ihres wirtschaftlichen Werts, sondern auch weil sie Farbe und Licht „einfangen“. In Romanen und Troubadour-Dichtungen werden die roten Wangen der Geliebten, ihr weißer Teint und ihr Haar gepriesen. Blondinen und die Adligen tragen unmögliche Kombinationen, die Blautöne mit Grüntönen und Rottöne mit Gelbtönen umfassen Veilchen. Kurz gesagt: Anders als die Menschen (noch) glauben, ist das Mittelalter eine Zeit, die Licht ausstrahlt.

Die neue „Gothic“-Schönheit

Die Romanik drückt Schönheit durch kraftvolle und „solide“ Figuren aus, inspiriert von Ikonographien des byzantinischen Ostens., wie die Ikonen der Jungfrau und des majestätischen Christus. Gegen Ende des 13. Jahrhunderts zeigt der Stil deutliche Erschöpfungserscheinungen und es entsteht ein viel „stilisierteres“ Schönheitsideal, das für die Gotik charakteristisch ist.

Dies bedeutet nicht, dass es in der Romanik keine Vertikalität gab. Ein weiteres wiederkehrendes Klischee aus dem Mittelalter besagt, dass romanische Kirchen nur horizontal seien, wenn es welche gibt zahlreiche Beispiele von Kathedralen der damaligen Zeit, die von der Liebe zur Vertikalität (dem Aufstieg in Richtung) zeugen Gott). Allerdings handelte es sich bei den Figuren in der Zeit der Gotik um plastische Darstellungen „verlängern“ und gehorchen damit dem Kanon spätmittelalterlicher menschlicher Schönheit, der der Zehn entspricht Köpfe. Wie wir sehen, ist die resultierende Figur übermäßig schlank, wenn man berücksichtigt, dass der Kanon in der Antike auf sieben und acht reduziert wurde.

Vertikalität ist also Schönheit während der Gotik. Kathedralen ragen ins Unendliche, Buntglasfenster nehmen immer mehr Platz ein (besonders in Nordeuropa) und sogar Moden Fangen Sie diese Faszination für das „Längige“ ein: spitze Kopfbedeckungen für die Damen und schmal in der Taille sitzende Wämser für die Herren, ergänzt durch Strümpfe und lange Schuhe tragen dazu bei, die ideale männliche Schönheit des Spätmittelalters zu schaffen: einen großen und schlanken Mann wie den Turm einer Kathedrale. gotisch.