Pop-Art: Merkmale, Künstler und Hauptwerke

Das Pop-Art, im Spanischen als Pop-Art bekannt, ist eine plastische Bewegung, die ihren Ursprung in den 1950er Jahren hatte. Sie wurde zwischen Großbritannien und den Vereinigten Staaten geboren, aber letztere wurden zum Bannerträger der Bewegung. Die Pop-Art löste jedoch weltweit eine Schockwelle aus, sowohl in Europa als auch in Lateinamerika, Asien und Ozeanien.

Pop-Art wird kontextualisiert im vollen Prozess der Gestaltung der Konsumgesellschaft, deren Impuls endgültig fand nach dem Zweiten Weltkrieg und der Ankunft des Fernsehens, dem neuen Eindringling der Häuser.

Dieser künstlerische Stil wurde als Versuch geboren, eine Kunst zu schaffen, die das Universum der Symbole und Themen von großem Interesse berücksichtigt also die "populären" Symbole, denen die Kulturelite scheinbar den Rücken kehrte und ihr mobilisierendes Eindringen in das Imaginäre verweigerte kollektiv.

Merkmale der Pop-Art

Inspiration aus der Massenkultur

Wenn die Alten in ihren Werken das Bild der Welt, wie sie es kannten und vorstellten, repräsentiert hatten, war es die Verpflichtung zeitgenössischer Künstler, dasselbe zu tun. Pop-Künstler gingen zu den Alltagsgegenständen, die zu neuen Symbolen der "Zivilisation" wurden: Medienidole, politische Figuren, Massenartikel, Comics (Comics), Plakate, Verpackungen und alle Arten von Symbolbildern (Zeichen von der Verkehr, Collagen, usw.).

Erweiterung des Schönheitsbegriffs auf das Repertoire der Popsymbole

Das Pop-Art Er verstand, dass auch die Objekte der Massenkultur Schönheitselemente enthalten konnten und nicht nur die Venus und Madonnen der Antike. Dies wird natürlich nicht aufhören, eine Provokation für das intellektuelle Umfeld zu sein, ein Aspekt, den Pop-Künstler sehr gut zu ihren Gunsten nutzen.

Dekontextualisierung

Eine der Strategien von Pop-Art es entlehnte die Objekte und dekontextualisierte sie. Zum Beispiel eine Suppendose, ein berühmtes Gemälde oder ein Foto aus dem Kontext reißen, eingreifen und in ein Werk oder ein neues Werk verwandeln. Ähnliches hatten die Dadaisten mit ihrer Technik gemacht fertig seit Marcel Duchamp sein berühmtes Brunnen: ein interveniertes Urinal mit der Signatur des Künstlers, unter dem Pseudonym R. Mutt, und dass es als Museumswerk präsentiert wurde.

Verleugnung von Virtuosität

Diese Künstler befürworteten Virtuosität nicht als Wert. Damit brach die Pop-Art als Ergebnis eines komplexen, langen und schwierigen Prozesses mit der Idee eines Kunstwerks, der das Prinzip der Mehrfachreproduktion begünstigte.

Aus diesem Grund setzten sie im Bereich der bildenden Kunst absolut ungewöhnliche Techniken wie Siebdruck, Comic mit seinen Vignetten und Linienstilen, einigen Werbe- und Massenproduktionstechniken sowie Collagen und Fotografien.

Manche Künstler waren radikaler und produzierter Geschehnisse und interaktiven Shows, die dem Sammeln und der Kommodifizierung von Kunst einen Schlag versetzten.

Inkongruenz

Das Symboluniversum der Pop-Art war für die Intellektuellen der alten Schule nicht leicht zu verarbeiten, Außerdem hatten Pop-Künstler keine einzige Position in Bezug auf das, was sie repräsentierten, was es schwierig machte, Dinge. Daher waren ihre Zwecke nicht unbedingt klar. Haben sie den Konsum kritisiert? Haben sie den Verbrauch bestätigt? Haben sie die Umstände ausgenutzt? So entstanden scheinbar unpassende und provokative Bilder.

Humor

Da sie keine intellektuelle Kunst sein sollte, war Pop-Art auch eine Bewegung voller Humor und mitschuldigen Augenzwinkern.

Fernab von den betörten Positionen der großen Theoretiker und Intellektuellen des Mediums ironisieren und lachen die Pop-Künstler über die umgebende Ordnung. Vielleicht war es eine andere Art zu kritisieren.

Provokation

All dies machte Pop-Art provokant, provokant, kontrovers. Indem sie beispielsweise die Idee der Originalität in Frage stellten, stellten sie auch die Überlegenheit des schöpferischen Genies in Frage, einer Figur, der seit der Renaissance Tribut gezollt wird. Sie hinterfragten auch die Rolle von Kritikern, Kunsthistorikern, Museumskonzepten, Auswahlkriterien, Prinzipien der Museographie ...

Aber jenseits von allem, was die Pop-Art, es ist offensichtlich, dass nichts durch spontane Generierung entsteht, und dass, bevor Popkünstler dies formulierten ästhetischen Programms haben frühere Generationen die Voraussetzungen für diese authentische Revolte der Zeichen geschaffen künstlerisch. Mal sehen, was sein Hintergrund war und welche Beziehungen die Pop-Art im kreativen Kontext der 50er Jahre hatte.

Pop-Art-Hintergrund

Die Einflüsse von Pop-Art sie finden sich in Strömungen wie dem Dadaismus, der in der ersten Avantgarde-Welle entstand. Es war eine kulturelle Bewegung, die die positivistische rationale Ordnung in Frage stellte und die sich insbesondere in der Malerei dadurch auszeichnete, dass sie neue Techniken wie die fertig, eine Technik, die darin bestand, Alltagsgegenstände zu nehmen, zu intervenieren und sie in museale Ausstellungsobjekte zu verwandeln, ohne ihre Eigenschaften oder Herkunft zu verbergen.

Kurze Zeit später war ein wichtiger direkter Treiber die Independent Group, bekannt unter dem Akronym ihres englischen Namens IG (Independent Group).

Die IG entstand 1952 am Institute of Contemporary Art in London und war bis 1955 tätig. In dieser Zeit erlebte Großbritannien wie andere vollindustrialisierte Länder in Europa die Wachstum einer anderen urbanen Populärkultur, nach der Rationierung und den Sparmaßnahmen des zweiten Krieges Welt.

Viele Künstler nahmen an dieser Gruppe teil. Es war jedoch der Italiener Edouardo Paolozzi, der zu einer Gründungsreferenz der Pop-Art nach der ersten IG-Sitzung. Darin projizierte Paolozzi mehrere Collagen die er mit einem undurchsichtigen Projektor aus Zeitschriften gemacht hatte. Das erste Bild war das CollageIch war das Spielzeug eines reichen Mannes (Ich war ein Spielzeug eines reichen Mannes), in dem zum ersten Mal das Wort "Pop" verwendet wird, von dem die Bewegung ihren Namen erhielt.

In diesem Zusammenhang debattierte die IG erstmals im künstlerischen Milieu über die Problematik der Massenkultur und ihre Implikationen für den bis dahin verstandenen Kulturbegriff. Dies zwang sie auch dazu, den Begriff der aktuellen Kunst zu überdenken.

Zur gleichen Zeit vollzogen sich in den Vereinigten Staaten entscheidende Veränderungen in der Welt der Kultur, die mit alles, was man sich bisher vorgestellt hat, ohne deren Anweisung Impulse.

In diesem Sinne bildete das berühmte Werk 4'33'' des Komponisten John Milton Cage einen lebenswichtigen Präzedenzfall für die Pop-Art. Diese Arbeit bestand aus der Ausführung einer Partitur mit einer Dauer von 4 Minuten und 33 Sekunden, deren einzige schriftliche Angabe das Wort „tacet“ (Stille) war.

Nach der Interpretation einiger zielte Cages Vorschlag auf die Wahrnehmung des von der Öffentlichkeit erzeugten Umgebungslärms als musikalisches Kunstwerk ab. Zweifellos war es eine absolute Revolution, bei der die Musik auf unerwartete Weise die Führung übernommen hatte und das grundlegende Thema ihrer Disziplin in Frage stellte. Was würde die bildende Kunst tun?

Zunächst würden sie gegen die Intellektualisierung der Kunst und den ausweichenden Charakter der geweihten Künstler reagieren invasive zeitgenössische Realität, Eigenschaften, die diese Generation insbesondere auf Jacksons abstrakten Expressionismus zurückführt Pollock. So würde sich die neue Künstlergeneration Cages Idee aneignen: die Distanz zwischen Kunst und Leben zu beseitigen. Mal sehen, warum und wofür sie es getan haben.

Warum und wofür wurde Pop-Art geboren?

Die von uns aufgezeigten Merkmale der Pop-Art zeigen, dass diese Bewegung eine tiefe Bedeutung hatte, im Gegensatz zu den Sätzen, die ihr vorwerfen, oberflächlich zu sein.

Diese Bewegung kann als kompromisslose Kunst angesehen werden, aber manchmal kann diese Aussage unfair sein. Es ist wahr, dass es eine starke visuelle Belastung hat, es ist zwar nicht von den Symbolen der Massenkultur skandalös, aber es steckt auch ein Sinn dahinter.

Im ganz besonderen Fall der US-Künstler. Sie waren daran interessiert, inmitten dieser Schraubendrehung, die den Übergang zur Massengesellschaft bedeutete, das ultimative Wesen des Nordamerikanismus zu untersuchen. Gleichzeitig wollten sie irgendwie auch die figurative Malerei wiederentdecken, die der abstrakte Expressionismus hinter der Garderobe versteckt hatte.

Aber im Allgemeinen war Popkünstlern auf der ganzen Welt klar, dass sie mit Ironie zeigen konnten, dass die Materialismus und Vulgarität waren Teil der hegemonialen Ordnung, die das Massenlager zwischen 1950 und 1970 errichtet hatte.

Gleichzeitig erkannten sie, was die neuen Symbole an einer klaren und kontinuierlichen Manifestation von Werten haben. Kulturen im Wandel, die es ihnen oft ermöglichten, die neuen Ikonen zu beobachten, ohne sie zu beurteilen Wert.

Im weitesten Sinne erweitert die Pop-Art durch die Einbindung der Symbole der Konsumgesellschaft nicht nur das Repertoire der ikonografischen Themen der Kunst, sondern auch die zu zwei Dingen Stellung bezogen: der Neuordnung der Konsumgesellschaft und der Weigerung der intellektuellen Eliten, anzuerkennen, dass dieses Phänomen die gesamte Gesellschaft durchzieht. Kultur.

So waren Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman oder Batman für ihre zeitgenössische Welt so "kulturell" und beachtenswert als Repertoire von Aphrodites, Venus, Adonis, Apollos, Jungfrauen, Heiligen, Wasserträgern, Hirten, Landschaften, Königen und Persönlichkeiten für das Jahrhundert XVI.

Top-Künstler

Andy Warhol (1928-1987)

Er war ein bedeutender nordamerikanischer plastischer Künstler, Illustrator und Filmemacher. Er war verantwortlich für die Anwendung der Grundsätze des Marketings und der Werbung auf den Bereich der Kunst. Damit öffnete er die Wege für die Entwicklung der Pop-Art.

Er prägte einen der berühmtesten Sätze der Kunstgeschichte, der sich heute dank neuer Informationstechnologien erfüllt: "In Zukunft wird jeder für 15 Minuten berühmt sein." Unter seinen herausragendsten Werken können wir die Serie erwähnen Campbel Suppendosen und die Siebdruckporträts von Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens wie Marylin Monroe, Mao Tse Tung und ihm selbst.

Siehe auch 7 ikonische Werke von Andy Warhol.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Maler, Grafiker und Bildhauer. Er wandte die Comic-Technik auf die konventionelle bildende Kunst an und erlangte dadurch die Anerkennung der neuen visuellen Kultur in der künstlerischen Welt. Er verwendete auch andere Techniken wie Siebdruck und Collage. Seine Werke sind besonders berühmt Der Kuss Ja Wahnsinn!.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Er begann seine Karriere als Maler unter der Ägide des Abstrakten Expressionismus, aber in der Mitte seines Lebens begann er zu Erforsche die Sprache und Möglichkeiten der Pop-Art, bis sie zu einer ihrer wichtigsten wird Vertreter. Er zeichnete sich durch die Kombination ungewöhnlicher Materialien in der bildenden Kunst aus, die sogar die Kombination von Malerei mit Skulptur, Gravurfotografie und Performance. Diese Technik wurde bekannt als kombinieren. Zu seinen bekanntesten Werken zählen: die Serie Fakten und die serie Rückwirkend.

Jasper Johns (1930)

Er ist ein amerikanischer bildender Künstler, in dem Elemente der Pop-Art sowie des abstrakten Expressionismus, Minimalismus und Neo-Dadaismus sichtbar werden. Seine Lieblingstechnik ist die Enkaustik. In einem Kapitel von Die Simpsons Als "Mom and Pop Art" oder "The Art of Dad and Mom" ​​(in seiner spanisch-amerikanischen Übersetzung) bezeichnet, erscheint Jasper Johns als einer der Künstler, mit denen Homero sich anfreundet. Am Ende des Kapitels sieht man ihn beim Stehlen von Materialien für seine Werke. Unter seinen bekanntesten Stücken können wir erwähnen Drei Flaggen Ja Diana mit vier Gesichtern.

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