Bedeutung des Gemäldes Guernica von Pablo Picasso
Guernica Es handelt sich um ein Öl-Wandgemälde des spanischen Malers, Bildhauers und Dichters Pablo Ruiz Picasso aus dem Jahr 1937 (Málaga, Spanien 1881 – Mougins, Frankreich 1973). Es befindet sich derzeit im Kunstmuseum Reina Sofía in Madrid, Spanien.
Das Gemälde wurde von der Regierung der Zweiten Republik in Spanien für den Spanischen Pavillon auf der Internationalen Ausstellung in Paris 1937 im Kontext des Spanischen Bürgerkriegs in Auftrag gegeben. Picasso erhielt keine Anfragen zu diesem Thema, so dass er einige Zeit brauchte, um ein geeignetes Konzept zu finden. Aus dieser Situation ergeben sich eine Reihe von Zweifeln an der Entstehung und dem eigentlichen Thema der Leinwand.
Analyse
Guernica Es gilt als eines der bedeutendsten Gemälde der Karriere des Malers Pablo Picasso und des 20. Jahrhunderts, beides aufgrund seines politischen Charakters sowie seines Stils eine Mischung aus kubistischen und expressionistischen Elementen, die es ausmachen einzigartig. Man fragt sich, was es repräsentiert, woher es seinen politischen Charakter hat und welche Bedeutung ihm der Maler beimisst.
Was stellt die Box dar? Guernica?
Derzeit werden zwei Thesen darüber diskutiert, was die Guernica von Pablo Picaso: die am weitesten verbreitete verteidigt, dass sie vom historischen Kontext des spanischen Bürgerkriegs inspiriert ist. Eine andere, neuere und skandalöser, besteht darauf, dass es sich um eine Autobriographie handelt.
Historischer Kontext
Die meisten Quellen weisen darauf hin, dass die Tabelle Guernica stellt eine Episode im historischen Kontext des spanischen Bürgerkriegs dar. Guernica – gelegen in Vizcaya, Baskenland – war zu diesem Zeitpunkt unter der Kontrolle der Zweiten Republik und verfügte über drei Waffenfabriken.
Infolgedessen wurde die Stadt Villa Vasca de Guernica am 26. April 1937 von der Condor-Legion der deutschen Luftstreitkräfte, unterstützt von der italienischen Luftfahrt, bombardiert. Die Bombardierung forderte 127 Tote, rief öffentliche Reaktionen hervor und hatte Auswirkungen auf die internationale öffentliche Meinung.
Eine mögliche Autobiografie
Nach der Analyse der Skizzen für die Leinwand und ihrer Datierung haben sich einige Forscher gefragt, ob Picasso schlug von Anfang an eine bewusste Darstellung der Bombenanschläge vor Guernika.
In einem Artikel von Macarena García mit dem Titel Was wäre, wenn „Guernica“ eine andere Geschichte erzählte?, in der das Buch rezensiert Guernica: das unbekannte Meisterwerk von José María Juarranz de la Fuente (2019) wird berichtet, dass die Arbeiten bereits vor Bekanntwerden der Bombenanschläge begonnen hätten.
Das anfängliche Thema wäre laut Juarranz ein autobiografischer Familienbericht des Malers gewesen, der sich durch ihre Geschichte mit ihrer Mutter, ihren Liebhabern und ihrer Tochter, die nach der Geburt sterben sollte. Diese Hypothese wäre bereits von Daniel-Henry Kanhweiler, Händler und Biograph des Malers aus Malaga, aufgestellt worden.
Kann eine ikonographische Analyse diese Interpretation bestätigen oder entkräften? Sehen wir uns als nächstes an.
Es könnte Sie interessieren: 13 wesentliche Werke, um Pablo Picasso zu verstehen.
Ikonografische Beschreibung
Auf Guernica, Picasso wendet die Technik der Ölmalerei auf eine großformatige Leinwand an. Es ist ein polychromes Gemälde, dessen Palette Schwarz, Grau, Blau und Weiß umfasst, damit der Maler die starken Hell-Dunkel-Kontraste, die diese Farben ermöglichen, optimal ausnutzt.
Das Gemälde spiegelt die Dualität zweier Szenen in einer wider: Der linke Teil sieht aus wie das Innere eines Hauses und der rechte Teil das Äußere, durch Schwellen vereint und zugleich getrennt.
Die Schwelle ist ein wichtiges Symbol in der künstlerischen Vorstellungskraft. Dies ermöglicht den Übergang von innen nach außen und umgekehrt und vermittelt unterschiedliche Räume und Welten. Wenn Sie also eine Schwelle überschreiten, betreten Sie eine gefährliche Zone unsichtbarer, aber echter Kämpfe: das Unterbewusstsein.
Um die verschiedenen Aspekte des Gemäldes zu vereinen, verwendet Picasso die Technik des Kubismus synthetisch, das darin besteht, eine gerade Linie entlang des Gemäldes zu ziehen und dadurch die Formen zu vereinheitlichen zusammenhanglos.
Das Licht im Gemälde ist entscheidend, um das Drama und die Verbindung zwischen den verschiedenen Charakteren zu zeigen, da sie alle erleuchtet und alle zusammen in diesem Leiden sind.
Charaktere und Figuren in Guernica
Die Zusammensetzung von Guernica enthält neun Charaktere: vier Frauen, ein Pferd, einen Stier, einen Vogel, eine Glühbirne und einen Mann.
Frauen
Für Picasso sind Frauen effektiv, um Leiden und Schmerzen zu zeigen, da er ihnen diese emotionale Qualität zuschreibt.
Die beiden Frauen, die zum Himmel schreien, sind eine an jedem Ende des Gemäldes, das das Leiden einrahmt. Die Frau links schreit um das Leben ihres Sohnes, vielleicht ein Symbol für psychischen Schmerz, und erinnert an die Ikonographie der Frömmigkeit.
Die Frau rechts schreit nach dem Feuer, das sie verzehrt. Es stellt wahrscheinlich körperlichen Schmerz dar. Picasso schafft es, das Gefühl der Enge zu verstärken, indem er es in ein Quadrat umschreibt.
Die anderen beiden Frauen schaffen Bewegung von rechts in Richtung Zentrum der Arbeit. Die kleinere Frau scheint vom Licht der Glühbirne in der Mitte des Raumes absorbiert, so dass ihr Körper (diagonal) die dreieckige Komposition vervollständigt.
Die andere Frau lehnt sich, einem Geist ähnlich, aus einem Fenster mit einer Kerze in Richtung der zentralen Figur des Pferdes. Sie ist das einzige ätherische Bild und das einzige, das ein Fenster oder eine Schwelle verlässt oder betritt und von einer Welt in eine andere übergeht.
Sie können auch mögen... Bedeutung der Damen von Avignon von Pablo Picasso.
Pferd
Mit einem Speer verwundet, erleidet das Pferd kubistische Kopf- und Halsverrenkungen. Aus seinem Mund kommt ein Messer, das seine Zunge ist, die in Richtung des Stiers zeigt.
Der Stier
Der Stier auf der linken Seite des Gemäldes ist überraschend unbewegt. Der Stier ist der einzige, der das Publikum anschaut und mit ihm so kommuniziert, wie es die anderen Charaktere nicht können.
Pablo Picasso machte in den 1930er Jahren den Stier zu einem wiederkehrenden Tier in seiner Ikonographie, bis er zum Symbol des Labyrinths seines Lebens wurde.
Der Vogel (Taube)
Der Vogel ist sehr subtil zwischen den beiden starken Tieren auf dem Gemälde: dem Stier und dem Pferd. Aber das hält sie nicht davon ab, in den Himmel zu kreischen, wie es die Frauen zu beiden Seiten des Gemäldes tun.
Die Glühbirne
Die von einer Art Auge umschriebene Glühbirne mit Strahlen wie eine Sonne beherrscht die ganze Szene und vermittelt das Gefühl, alle Ereignisse von außen zu beobachten.
Die Innenglühbirne spielt mit der Mehrdeutigkeit und Dualität, nicht zu wissen, ob es Nacht oder Tag, Innen oder Außen ist. Es versetzt uns in eine Welt, die nicht von dieser Welt ist.
Der Mann
Der Mann wird durch eine einzelne Figur am Boden mit ausgestreckten und fragmentierten Armen dargestellt.
Am Boden auf der linken Seite sehen wir seinen abgetrennten Arm, der immer noch ein zerbrochenes Schwert schwingt. neben einer einzelnen und winzigen Blume in der unteren Mitte des Gemäldes, die vielleicht die hoffen.
Die Streifen am Arm symbolisieren die Auspeitschung. Dies, zusammen mit seinen offenen Armen, erinnert uns an die Kreuzigung als Leiden und Opfer des Menschen.
Siehe auch Kubismus
Bedeutung von Guernica
Pablo Picasso hat folgendes über seine Arbeit gesagt:
Meine Arbeit ist ein Aufruf zur Anklage des Krieges und der Angriffe der Feinde der Republik, die nach den Wahlen vom 31. (...) rechtskräftig festgestellt wurden. Malerei soll nicht Wohnungen schmücken, Kunst ist ein offensives und defensives Kriegsinstrument gegen den Feind. Der Krieg in Spanien ist der Kampf der Reaktion gegen das Volk, gegen die Freiheit. Auf dem Wandgemälde, an dem ich arbeite und das ich betiteln werde Guernica, und in all meinen neuesten Werken drücke ich meine Abneigung gegenüber der Militärkaste deutlich aus, die Spanien in ein Meer von Schmerz und Tod gestürzt hat.
Die kriegerische Erklärung von Pablo Picasso machte jedoch die Arbeit Guernica galt als Propagandagemälde. War es wirklich von den Bombenanschlägen von Guernica inspiriert oder entsprach es den Propagandazielen der spanischen Linken? In Paraphrasierung von José María Juarranz de la Fuente behauptet Macarena García:
Picasso genannt Guernica zu seiner Arbeit, um es in eine Kategorie zu heben und seine Sichtbarkeit in Europa zu vervielfachen, was es zu einem Symbol gegen die faschistische Barbarei des spanischen Krieges macht.
Macarena García fasst die Schlussfolgerungen von Juarranz de la Fuente wie folgt zusammen:
Der Stier stellt Picassos Selbstporträt dar, die Frau mit dem ohnmächtigen Kind würde ihre Geliebte Marie Thèrese Walter und ihre Tochter Maya in der Moment der Geburt und das Pferd würde seine Ex-Frau Olga Koklova und die spitze Zunge zu seinen harten Auseinandersetzungen mit ihr vor ihr repräsentieren Trennung.
Die weibliche Figur, die eine Lampe hält, die aus einem Fenster kommt, verbindet José María mit der Mutter des Künstlers zur Zeit des Erdbebens, in dem sie in Malaga lebten ...
In einem anderen Artikel mit dem Titel Ist „Guernica“ ein Familienporträt von Picasso?, geschrieben von Angélica García und veröffentlicht in Das Land aus Spanien wird auch auf das Buch von Juarranz de la Fuente verwiesen. Darin heißt es:
Der am Boden liegende Krieger sei seine umstrittenste Interpretation, räumt der Autor ein. Er hat keinen Zweifel, dass es der Maler Carlos Casagemas ist, den Picasso seiner Meinung nach während einer Reise nach Malaga verraten hat.
Abgesehen davon, welche Interpretation wahr ist, stellen sich in uns eine Reihe von Fragen. Entwertet diese Fragestellung die symbolische Bedeutung, die dem Werk zugeschrieben wird? Könnte es sein, dass Picasso das Projekt persönlich begonnen und angesichts des Ereignisses seinen vorläufigen Skizzen vor der endgültigen Ausführung eine Wendung gegeben hat? Könnte es sein, dass Sie in Ihrer eigenen Lebensgeschichte die Metapher eines Krieges gesehen haben?
Während Picassos anfängliche Motivationen in Frage gestellt werden können, bestätigt die Kontroverse den polysemischen Charakter der Kunst. Auf jeden Fall kann man diese Diskussion als Zeichen des Könnens der Künstler interpretieren, viele manchmal unbewusst, um die kleine Welt der erklärten Absichten zu transzendieren und die Sinne zu erfassen Universal. Vielleicht in jedem Werk, wie in der Aleph von Borges versteckt sich das lebende Universum.
