Kas kunst on objektiivselt parem kui teine?

Me kõik teame, et kunst, nagu paljud asjad, on subjektiivne. Kuid, Kas kunst on objektiivselt parem kui teine? Kas leiame kunstistiili või aja, mil selle kunstiline ilming on objektiivselt teistest parem?

Teeme ettepaneku läbida jalutuskäik läbi kunstiajaloo, et selgitada, kas tõesti on kunst, mis on objektiivselt parem kui teine.

• Seotud artikkel: "Humanitaarteaduste 8 haru (ja mida igaüks neist uurib)"

Kas on objektiivselt paremat kunsti?

Mõnel ajalooperioodil on seda kindlasti usutud. Seetõttu halvustasid sellised autorid nagu Vasari renessansiajal gooti kunsti ja nimetasid seda "barbaarseks" kunstiks (gooti kunst, kust selle nimi pärineb). Barokk oli Prantsuse revolutsiooni ja klassitsismi tulekuga ka üks palju taunitud stiile. Aga mis põhjus neil kaalutlustel oli?

Põhjuseks ei olnud midagi muud kui mentaliteedi muutus ja seega ka eelarvamuste ilmnemine. Vasari ajal oli kunstide üle võimust võtnud renessanss, mistõttu kõike, mis "klassitsistlikusse" nägemusse ei mahtunud, peeti vähetähtsaks, vähem arenenud kunstiks. Sama juhtus sajandeid hiljem baroki ja eriti rokokooga. Prantsuse revolutsionäärid nägid viimast kui aadli kunsti ja seetõttu kunsti, mis tuli hävitada.

Niisiis Kuivõrd on kunstiliste hinnangute puhul eelarvamused?

• Teid võivad huvitada: "Filosoofia 10 haru (ja nende peamised mõtlejad)"

Aga mis on kunst täpsemalt?

Siin on vaja teha täpsustus. Mis on kunst? Määratlus on nii mitmekordne kui ka keeruline (ja keeruline). Hispaania Kuninglik Akadeemia pakub selle sõna erinevaid definitsioone. Nende hulgas on järgmised: "Suutlikkus, võime midagi teha" ja "Aktiivsuse ilming mille kaudu tõlgendatakse tegelikku või tabatakse kujutletavat plastilise, keelelise või häälestatud”. Usume, et teises mõttes on RAE tabanud naelapea pihta. Vaatame seda hoolega: "... mille kaudu tõlgendatakse seda, mis on tõeline, või jäädvustatakse seda, mida kujutatakse." On selge: kunstil on kaks teed: reaalsuse kujutamine (mõnikord rangelt, nagu näeme hiljem) või transtsendentsete mõistete kehastus. Lisaks peame lisama, et mõlemad asjad ei ole üksteisega vastuolus, kuigi panevad meid seda uskuma.

Väljapaistev E. H Gombrich, oma kuulsas kunstiajalugu, alustab oma sissejuhatust väitega, et: „Kunsti pole tegelikult olemas. On ainult kunstnikud. Need olid kunagi mehed, kes võtsid värvilist mulda ja joonistasid jämedalt koopa seintele piisoni kujusid; täna ostavad nad oma värve ja joonistavad metroojaamadele silte”. Ja siis lisab ta: "Ei ole kahju nimetada kõiki neid tegevusi kunstiks, kui me võtame arvesse, et selline sõna võib tähendada palju erinevaid asju, eri aegadel ja kohtades, ja seni, kuni me märkame, et Kunsti, mis on kirjutatud sõna suure tähega A, pole olemas, kuna Kunst suure tähega A peab oma olemuselt olema kummitus ja iidol…”.

Teisisõnu, maineka ajaloolase jaoks, kui ainult kunstnikud eksisteerivad ja seetõttu pole kunstiideaali (et Kunst suure algustähega, mis kommenteerib), siis see tähendab, et tõepoolest, pole paremat või halvemat kunstistiili ega ajastut teised. Selle lühikese reisi läbiviimisel on väga kasulik tugineda konkreetsetele näidetele; nii on palju lihtsam mõista, mida Gombrich sellise väitega mõtles.

• Seotud artikkel: "Mis on 7 kujutavat kunsti? Kokkuvõte selle omadustest"

Kompositsioon, kuju, perspektiiv

Võtame näiteks piisonid, keda Gombrich kommenteerib. Peate kõik silmas tüüpilist eelajaloolist maali, mis on tehtud koopa varjualuses. Esitame küsimuse. Kas see esitus on realistlik? Ärge kõhelge vastamast, sest vastus on "ei".

Piisonit maalinud kunstnik ei kavatsenud kujutada päris piisonit, selle mahtude, perspektiivi ja realistlike detailidega. Tõepoolest, perspektiiv puudub; joonis on täiesti tasane (kuigi mõne näite puhul võib märgata märgatavaid realismipüüdlusi). Tulemus on igal juhul sama: koopa seinal või laes kujutatud loom esindab ideed, kontseptsiooni, mitte päris piisonit.

Võrrelgem eelajaloolist piisonit 19. sajandi maaliga; Näiteks, Angeluse palve põllul, maalikunstnik Ignacio Díaz Olano Vitoriast.

Jälgime, et lõuendil maalikunstnik on teinud põhjaliku esituse, praktiliselt fotograafilise, kahe härja anatoomiast. Mahud on ideaalsed, perspektiiv adekvaatne; meil on tunne, et oleme stseenis kohal, nagu oleksime osa kujutatud hetkest. Ühesõnaga: Díaz Olano jäädvustab killukese reaalsusest.

Siinkohal esitame küsimuse. Kas Díaz Olano meeskond on objektiivselt parem? Resolutsiooni, joonistuse, perspektiivi ja tehnika osas muidugi jah. Maali perspektiiv, mahud, realistlikud toonid; neil pole midagi pistmist neutraalsetes värvides lame figuuriga, mida nägime koopa seinal. Kas see tähendab, et Díaz Olano töö on üldiselt objektiivselt parem kui eelajalooline piison? Vastus oleks sel juhul kahtlemata "ei".

• Teid võivad huvitada: "Filosoofia 10 haru (ja nende peamised mõtlejad)"

Väljend, kontseptsioon, idee

Võtame veel ühe näite, mis illustreerib väga hästi, mida me mõtleme. Ja see pole midagi muud kui 3. mai hukkamised, Goyast.

Hea. Võrrelge seda nüüd mõne teise võttestseeniga: Torrijose ja tema kaaslaste hukkamine Malaga randadesAntonio Gisbertilt.

Alustame teisest. sisse Torrijos, kõik on täiuslik. Jällegi pole kompositsioonil viga; ei perspektiivi, ei mahtusid, ei joonist ega tehnikat. Formaalselt öeldes on see täiuslik pilt. Lisaks toob Gisbert oma töösse ka väljenduse: kui vaatame tähelepanelikult, siis iga nägu need, kes surevad, väljendavad teistsuguseid tundeid, mis ulatuvad kõige piinavamast hirmust kõige rohkem hämmastav.

Läheme nüüd Goya hukkamiste juurde. Kas võime öelda, et formaalselt on Torrijos paremini lahendatud? Vaatamata sellele, et räägime Goyast, on vastus taas "jah". Gisberti lõuend on fotograafiline hetktõmmisTõelise hetke jäädvustamine elust. Jälle ja nagu ikka ingel Díaz Olano poolt tundub, et oleme Torrijose ja tema kaaslastega rannas. Tegelikult on maali juures põnev see, et vaataja vaatepunkti arvestades tundub, et oleme osa vangide rühmast, kes ootavad oma surmajärge. Mis puutub nägudesse, siis rohkem pole midagi öelda; Gisbert tegi märkmeid ohvrite originaalportreede kohta ja kohtus ka hukkunute sugulastega, et hukatute näojooned tõetruult taastada.

Kui läheme nüüd Goya maali juurde, näeme, et näod ei ole tuvastatavad. Alustuseks varjavad prantslased (timukad) oma nägu, nagu oleks neil häbi. Lisaks katab enamik mahalastutest oma nägu kätega. Need vähesed, kes oma nägu näitavad, tunduvad meile pigem karnevali- või õudusunenäomaskidena kui inimestena. Puuduvad individuaalsed fraktsioonid; Goya maalib terrorit selle puhtaimal kujul.

Läheme siis küsimuse juurde. Kas see tähendab, et Gisberti maal on objektiivselt parem kui Goya oma? Ilmselgelt mitte. Ja sellepärast? Sest lihtsalt Gisberti kavatsus oma elluviimisel Torrijos ei olnud sama, mis Goya oma, kui ta oma maali tegi hukkamised. Esimene tahtis näidata laitmatut reaalsust, teine ​​aga ta väljendas oma viha ja pettumust läbi harja. Gisbert ei kogenud Torrijose tulistamismeeskonda; Veelgi enam, ta maalis pildi mitu aastakümmet hiljem. Goya elas neid saatuslikke mai päevi.

• Seotud artikkel: "Mis on loovus? Kas me kõik "oleksime geeniused"?"

Akadeemilisuse ballast

Alates 18. sajandist ja ennekõike 19. sajandist tekkis akadeemiline kunst (näiteks maalikunst Torrijos) peetakse maali ja skulptuuri kõrgpunktiks. Täiuslik kompositsioon, sujuva perspektiivi eraldusvõime, õige tähemärkide proportsioon... teaduslikes töödes pole tegelikult vormivigu, millele viidata.

Vähem tõsi pole aga see, et 19. sajandi jooksul unustati väljend ja mõte. Teisisõnu lahjendati "mis" ja jäi ainult "kuidas". Väga vastupidiselt sellele, mis ajaloos olid olnud teised "kunstid", kus esikohal oli kontseptsioon, idee. See on üks põhjusi, miks alates 18. sajandist on muuhulgas keskaegset kunsti suuresti põlatud; tema kontseptuaalne, transtsendentne stiil ei sobinud valitseva akadeemilisusega.

Kui tahame kunstiteost õigesti väärtustada, peame meeles pidama, et oma tunnustuses kanname endas akadeemilisuse ballasti. Ja ole ettevaatlik, sest me ei taha sellega öelda, et akadeemiline kunst on halb, vastupidi; aga tõsi on, et aastaid on meile õpetatud, et ainuke "hea" kunst on selline, mis austab muu hulgas perspektiivi, mahu ja kompositsiooni formaalseid juhiseid asju. Ja see paneb meid loomulikult eksitama ja me ei suuda väärtustada teisi "kunste", millel on loomulikult väärtus iseenesest.

Sest juhised, mida on vaja teose väärtustamiseks, ei ole ainult need, mida Akadeemia on meile juba sajandeid dikteerinud. On ka teisi, nagu väljendusrikkus, tunne ja idee mis teisalt on need, mis dikteerisid teiste aegade ja kultuuride kunsti. Kas peaksime uskuma, et romaani stiilis Madonna ja laps on "halvem" kui Praxitelese Veenus? Muidugi mitte. Nad on kahe kontseptsiooni ja kahe väga-väga erineva maailma tütred.

Kuid nagu kõik kunstiga seonduv, on otsus igaühe enda teha. Selles artiklis pakume välja ainult erineva välimuse ja eelkõige iga konkreetse töö jaoks sobiva; konteksti, tehnilisi võimalusi ja autori isikupära arvestav pilk.