10 tärkeintä taiteellista virtaa: mitä ne ovat?

Gombrich sanoi suuressa taidehistoriassaan, että taidetta ei ole olemassa, on vain taiteilijoita. Tietyssä määrin tämä on täysin totta, koska jokainen luoja ilmaisee omasta maailmastaan, ainutlaatuisen ja ei-siirrettävän. On kuitenkin yhtä totta, että taiteilijat eivät voi paeta aikaansa. Jokainen taiteellinen ilmaisu on siten tietyn kontekstin alainen, ja vaikka taiteilija yrittää kuinka paljon irrottaa itsensä, hän pysyy sen alaisena enemmän tai vähemmän.

Seuraavaksi teemme käytännön yhteenvedon siitä, mitkä ovat taiteen historian päävirtaukset. Tämä artikkeli on vain perusehdotus; Muistetaan, että mikään ei ole mustaa tai valkoista ja että vivahteita on valtava määrä. Kaikki kulttuurit ja kaikki ajat ovat ilmaisseet taiteen jollain tavalla.

On vaikea tiivistää näin pieneen artikkeliin niiden kaikkien olennaisia ​​ominaisuuksia, mutta yritämme antaa yleiskatsaus, joka voi olla käytännöllinen, kun on tarkoitus ymmärtää taiteen kehitystä historian läpi. Asiana sanotaan se Olemme keskittyneet artikkelissa länsimaiseen taiteeseen, koska on täysin mahdotonta tiivistää universaalia taiteellista ilmaisua niin pienessä tilassa.

. Toivomme, että se on hyödyllinen.

• Suosittelemme lukemaan: "Miksi taidetta luotiin? Matka historian halki"

Mikä on taiteellinen virtaus?

Taiteelliset virtaukset (tunnetaan myös nimellä taiteelliset liikkeet) ovat luomuksia, jotka Yhteinen konteksti ja sarja esteettisiä ominaisuuksia sekä ideologisia tavoitteita päättänyt. Tämän määritelmän mukaan taiteelliseksi virraksi voisi kutsua myös muinaisten suurten kulttuurien, kuten Egyptin, Kreikan tai Mesopotamian, luomaa taidetta.

Tämä ei kuitenkaan pidä täysin paikkaansa. Edellä mainituissa sivilisaatioissa ei ollut muuta mahdollisuutta luoda; se oli aito ilmaisu koko kulttuurista, joten on hieman riskialtista kutsua sitä taiteelliseksi virraksi. Siksi aiomme aloittaa matkamme keskiajan viimeisiltä vuosisatoilta, jolloin erilainen kulttuuriliikkeet alkavat nopeasti seurata toisiaan huipentuakseen 1800-luvulla esiintyneeseen tyylien mosaiikkiin ja kahdeskymmenes

1. romaaninen

Romaaninen tyyli on ehkä ensimmäinen täysin eurooppalainen tyyli, jolla on joitain hyvin erityisiä maailmanlaajuisia piirteitä.. Ja vaikka on totta, että se ei ollut yhtä homogeeninen tyyli kuin muut myöhemmät suuntaukset, kuten barokki tai Romantiikka on totta, että kaikilla Euroopan leveysasteilla siinä on useita elementtejä, jotka tekevät siitä enemmän tai vähemmän tyylin kompakti.

Romaaninen ilmestyi noin 1000- ja 1100-luvuilla Burgundiassa; erityisesti Clunyn luostarissa. Sieltä se levisi muualle Eurooppaan, missä jokainen alue kylpesi sitä omilla ominaisuuksillaan. Emme voi tehdä täydellistä analyysiä siitä, mitä romaaninen on, mutta voimme tiivistää, että arkkitehtonisesti se sisältää roomalaisia ​​rakennuselementtejä (siis sille annettu nimi 1800-luvulla) ja että sen pohjat ovat puoliympyrän muotoinen kaari, piippuholvi ja nivusholvi monien muiden elementtien joukossa. rakentava.

Arkkitehtoninen romaaninen tyyli noudattaa tarvetta yhtenäistää liturgia Euroopassa ja ilmaantua niin sanotut pyhiinvaelluskirkot, joilla on hyvin erityinen rakenne. romaanisissa rakennuksissa, veistos on yleensä alisteinen arkkitehtuurille, ja näemme enemmän veistoksellista koristelua tärykalvoista ja ovien arkistoista.

Toisaalta romaaninen maalaus ammentaa bysanttilaisia ​​ikoneja, jotka tulivat idästä ristiretkien myötä, sekä mozarabilaisia ​​miniatyyrejä. Ne ovat hieraattisia maalauksia, hyvin epärealistisia, joiden päätavoitteena oli välittää viesti, ei kopioida todellisuutta. Tästä syystä romaanisissa kuvallisissa tiloissa ei ole perspektiiviä eikä volyymia, ja maalliset elementit sekoittuvat taivaaseen ja helvettiin, jotka erotetaan asianmukaisesti kirkkailla väreillä.

2. gootti

Seuraava täysin eurooppalainen tyyli oli gootti. Erityisen yhtenäistä oli ns. kansainvälinen gootti, joka kehittyi 1400-luvulla ja palautti Bysantin kultaiset taustat ihanteellisesti tyylitellyillä hahmoilla. Goottiikassa esitykset alkavat olla todellisuuden kyllästämiä, ja hahmoilla on taipumus muuttua inhimillisemmiksi. On kaupunkien, kaupankäynnin ja suurten katedraalien aikaa. Goottilaiset neitsyet alkavat olla todellisia äitejä, kaukana Theotokos-neitsyistä tai valtaistuimen neitsyistä, hieraattisia, jotka eivät olleet vuorovaikutuksessa Lapsen kanssa. Toisaalta ristiinnaulittu, sekä kuvallinen että veistoksellinen, naturalisoituu ja alkaa näyttää kipua.

Gootiikan tunnusomaisin elementti ovat tietysti katedraalit. Näiden rakennusten arkkitehtoninen kieli on hyvin uutta; Tästä huolimatta Giorgio Vasari kuvaili näitä rakenteita 1500-luvulla "barbaariseksi" (goottilaisiksi). Lentävät tukikannat ja tukipylväät lisääntyvät, ja ne on suunniteltu antamaan vakautta yhä korkeammalle rakennukselle, jossa on enemmän aukkoja (ihanat goottilaiset lasimaalaukset). On tärkeää muistaa, että goottilaiset rakennukset olivat täysin romaanien tapaan monivärinen, tosiasia, joka konkretisoi keskiajan suurta rakkautta kromaattisia sävyjä kohtaan palaa.

3. Renessanssi

Vaikka klassista kulttuuria ei unohdettu keskiajalla, se tapahtuu renessanssin aikana tietoisesti palauttaa klassiset käskyt, kuten roomalaisen Vitruviuksen (1. vuosisadan) arkkitehtuurikäsitykset. Minä a. c.). Samaan aikaan myös taiteilija intellektualisoituu, ja häntä aletaan nähdä enemmän kuin pelkkänä käsityöläisenä.

Renessanssi alkaa Firenzestä 1400-luvun alussa. Niitä ovat muun muassa kastekappelin ovet tai Brunelleschin katedraalille suunnittelema upea kupoli., jonka halkaisijaa ei ollut saavutettu Pantheonin rakentamisen jälkeen ensimmäisellä vuosisadalla jKr. c. Arkkitehdit etsivät inspiraatiota antiikin rakenteista, kun taas maalarit, kun mallit (Pompeijia ja Herculaneumia ei ollut vielä löydetty) ovat saaneet inspiraationsa freskoista, jotka koristavat Domus Aureaa vuonna Nero.

Silti renessanssin tärkein innovaatio oli matemaattinen näkökulma, joka on kodifioitu Leon Battista Alberti (1404-1472) tutkielmassaan De pictura, jossa hän ammensi ideoita Brunelleschi. Siitä lähtien maalaus pyrkii olemaan maailmalle avoin ikkuna, jossa perspektiivi saavutetaan yhden katoamispisteen kautta, jossa kaikki viivat yhtyvät.

4. Barokki

1500-luvun viimeisinä vuosina renessanssi on täysin uupunut ja sen sijaan Esiin tulee manierismi, jolle maalauksessa on ominaista venyminen ja tyylitelty lukuja. Mutta seuraavan vuosisadan alussa uusi esteettinen suuntaus alkoi vallata vastareformaatiota Euroopassa: barokki.

Voidaan sanoa, että barokki on katolisen kirkon vastareformaation lapsi, joka tarvitsi ilmaisuvälineen uskolleen.. Tavoitteena oli pitää uskolliset Rooman kirkossa ja estää heitä siirtymästä luterilaisuuteen. Barokkikieli on siis tämän tahdon heijastus; Maalauksessa tunnetta edistetään kuvaamalla kärsimystä. Oudot pyhimysten legendat, joita vastaan ​​protestantit saarnasivat, poistetaan ja pyhät hahmot esitetään ominaisuuksineen. Uskonto alennetaan kansalle ja arjen kohtauksissa esiintyy raamatullisia henkilöitä, joiden mallit on otettu suoraan todellisuudesta.

Arkkitehtuurissa voidaan sanoa, että barokki on edelleen hyvin klassistista, etenkin Ranskassa. Versaillesin palatsi on loistava esimerkki tästä tyylikkäästä ranskalaisesta klassismista. Toisaalta, ja kuten yleensä tapahtuu kaikissa tyyleissä, jokainen alue synnyttää erilaisen barokin: esimerkiksi Yhdistyneissä provinsseissa, joissa ei ole ja katoliselle kirkolle ja missä suojelijat ovat kaupunkien porvarit, kehitetään intiimi maalaus, jonka suurin edustaja on Johannes Vermeer.

5. rokokoo

Väärin barokin jatkeena käsitelty rokokoo on aito ilmaus 1700-luvun ensimmäisestä puoliskosta, valistuksen ajasta. Käsi kädessä valaistuneiden filosofien kanssa tämä tyyli juhlii elämän makeutta, läheisyyttä, kodin mukavuutta ja kaikkea kaunista jokapäiväisessä elämässä.

Siksi rokokoo-aiheet ovat iloisia, juhlavia, ei ollenkaan dramaattisia: pastoraalisia, bukolisia, naamiaisia, urheita, flirttailevia kohtauksia jne. Yhdellä sanalla: rokokoo on vanhan hallintokauden varakkaiden luokkien elämäniloa, elämisen iloa.

6. Uusklassismi

Uusklassismi merkitsee monella tapaa eroa rokokoon kanssa. Myös Ranskassa, kuten edeltäjänsä, ilmestyvä esteettinen virta on täydellinen ilmaus uudelle Ranskan tasavallalle: hillitty, ankara, harmoninen ja tasavaltainen tyyli. Uusklassismi on tietysti klassisen taiteen innoittamana. Maalauksessa hän suosii suurenmoisia ja juhlallisia teemoja, jotka toimivat ihmisille hyveen mallina; hienoja esimerkkejä tästä ovat suuren uusklassisen taidemaalarin Jacques-Louis Davidin (1748-1825) kankaat. Toisaalta uusklassinen arkkitehtuuri on käytännössä jäljitelmä muinaisista kreikkalaisista ja roomalaisista temppeleistä; Tämän ymmärtämiseksi tarvitsee vain pohtia Madeleinen kirkkoa Pariisissa.

Uusklassinen tyyli eli huippunsa Napoleonin aikakaudella, koska sen roomalainen ja taistelutyyli sopi erittäin hyvin Suuren Korsikan luomaan valtakuntaan.. Napoleonin kukistumisen jälkeen uusklassiset muodot vanhentuivat ja huolimatta siitä, että niiden estetiikka säilyi hyvin elävänä (erityisesti v. arkkitehtuuri) koko 1800-luvun ajan, vuosisadan ensimmäisinä vuosikymmeninä ensimmäiset ilmaisut Romantiikka.

7. Romantiikkaa

Taidehistoriassa on tavallista, että tyyli syntyy osittain vastauksena aikaisempaan tyyliin. Ja vaikka mikään ei ole mustaa tai valkoista ja tässä lausunnossa on monia vivahteita, löydämme todisteita tästä sellaisissa tapauksissa kuin romantiikan synty. Uusklassismi oli ensin tasavallan ja myöhemmin Rooman valtakunnan apoteoosi. Tämä merkitsee kurinalaisuutta, romanttisuus syntyi todisteena ihmisen subjektiivisuudesta ja siksi yksilöllinen. Taidetta ei enää koskaan nähdä, ainakaan yksinomaan, vallan alaisena; se on taiteilija, joka luo, se on hänen minänsä, joka synnyttää taiteellisen ilmaisun. Aito luoja vastustaa Akatemiaa ja kaikkia korsetoituja normeja, jotka kuristavat taiteen.

Romantismista juovat kaikki myöhemmät luovaa individualismia korottavat virtaukset: prerafaelitit, symbolistit, ekspressionistit ja tietysti surrealistit.. Jälkimmäisen tapauksessa he tutkivat äärimmäiseen asti ihmisen psyyken syvyyksiä romanttiset sata vuotta sitten, kun ne edustavat unimaailmoja, kauheita, täynnä haamuja, hautoja ja kuvia delirium. Toisaalta romanttinen virtaus pitää isänmaata ja kansakuntaa erittäin tärkeänä, niin kauan kuin sitä on muodostavat yksilöt, jotka päättävät ja pyrkivät idealisoimaan kansojen menneisyyden ja muuttamaan sen legenda.

8. realismia ja naturalismia

Noin 1850 romanttisuus alkaa vanhentua. On positivismin, teknologisen kehityksen, toisen teollisen vallankumouksen aikaa. Kaupungeissa tehtaat kasvavat ja kurjat ihmiset, jotka elävät epäinhimillisissä olosuhteissa, lisääntyvät. Silloin taide alkaa unohtaa romantiikan julistamat ideaalimaailmat ja kiinnostuu sosiaalisista ongelmista ja konflikteista.

Sekä plastiikkataiteessa että kirjallisuudessa toistuva teema on sosiaalinen tuomitseminen. Nälkään näkevät työntekijät, jotka lähtevät tehtaista kuin aaveet; repaleiset ja likaiset lapset; prostituoidut, kerjäläiset, pesurit, nuoret, joilla ei ole tulevaisuutta. Realismi on siis sitoutunut sosiaaliseen todellisuuteen..

Myöhemmin kasvava kiinnostus psykologiaa kohtaan saa realistisen virran kehittymään kohti naturalismia, joka vie objektiivisuuden ja havainnoinnin äärirajoille. Luonnontieteilijä taiteilija, jota kirjallisuudessa upeasti edustaa Émile Zola (1840-1902), näkee todellisuus tutkimuslaboratoriona, jossa olennot toimivat niiden ärsykkeiden perusteella puoli. Tässä erittäin tieteellisessä taiteessa ei siis ole sijaa subjektiivuudelle, saati kauneudelle itselleen.

9. Estetismin virrat

Vastauksena tälle tieteeksi muuttuneelle taiteelle, joka jättää huomiotta maailman kauneuden, 1800-luvun lopulla ilmestyi sarja virtoja, jotka julistivat taidetta taiteen vuoksi. Tämä koskee esirafaeliittista veljeskuntaa, rappiota, parnassilaisuutta, symbolismia ja jugendia, joka tunnetaan espanjalaisissa maissa paremmin modernismina.

Emme voi puhua kaikista näistä virroista täällä, mutta voimme huomauttaa, mitä niillä on yhteistä: voimakas vastenmielisyys positivismia, teknologista kehitystä, tehtaita, tieteellistä edistystä kohtaan kauneuden kastraattorina. Siksi kaikki nämä esteettiset virtaukset haluavat palata taiteeseen kauneuden yksinomaisena luojana.

10. etujoukot

Emme voi jälleen puhua kaikista avantgardeista, jotka lisääntyivät 1800-luvun viimeisinä vuosina ja 1900-luvun alkuvuosikymmeninä, mutta yritämme ainakin nimetä ne. Viralliset etujoukot ilmestyvät 1900-luvun alussa. Ensimmäistä näistä pidetään fovismina, virtana, joka arvosti väriä subjektiivisen ilmaisun välineenä, ei todellisuuden jäljittelijänä. Fauvesin jälkeen, jotka pitivät ensimmäisen näyttelynsä vuonna 1905, avantgarde seurasi toisiaan niin nopeasti, että osa niistä meni päällekkäin: ekspressionismi, futurismi, kubismi, dadaismi, surrealismi...

Avantgarde on 1900-luvun taiteen pääpiirre. Ne ovat joukko liikkeitä, jotka ovat vakiintuneiden normien vastaisia, taiteilijaryhmiä, joilla on ominaisuuksia yleisiä, jotka muodostavat eräänlaisen kuvallisen koulukunnan, yleensä ideologisen perusmanifestin kanssa. Tällä hetkellä elämme uutta yksilöllisyyden aikakautta, joka luo taiteellisia virtauksia sumentaa ja pilkkoa tuhansiksi palasiksi, joten tuskin voi puhua virroista, mutta noin taiteilijoita. Mutta onko niin, että ehkä syvällä sisimmässään (ja kuten Gombrich sanoi) ei ole aina ollut näin?