10 curiosités sur des œuvres d'art célèbres

Un véritable amant qui se fait passer pour la Vierge, le braquage le plus notoire de l'histoire, un autoportrait dans un bidon d'huile... L'histoire de l'art regorge d'anecdotes et, en réalité, rien n'est ce qu'il paraît. Ensuite, nous présentons une liste avec quelques-unes des curiosités les plus succulentes sur des œuvres d'art célèbres, expliqué en détail.

10 curiosités sur des œuvres d'art célèbres

Voici 10 curiosités qui cachent certaines des œuvres d'art les plus célèbres de l'histoire.

1. Le tableau le plus célèbre du monde

Sans doute, La Joconde de Léonard de Vinci est l'une des œuvres les plus visitées. Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi? Et c'est que cette petite table n'a pas toujours été aussi populaire. En fait, avant 1911, les visiteurs du Louvre le remarquaient à peine.

Mais il arriva que, le matin du mardi 22 août 1911, ils se rendirent compte que la Joconde n'était pas à sa place. Avait disparu. Et ce fut ainsi pendant pas moins de deux ans; Il n'a été localisé qu'en décembre 1913, lorsque l'auteur du vol notoire a été retrouvé: Vincenzo Peruggia.

Peruggia avait travaillé au Louvre et savait très bien comment les tableaux étaient accrochés. De plus, il avait en sa possession une blouse d'ouvrier, qu'il enfila pour disparaître. Rappelons-nous que nous parlons de 1911 et que, par conséquent, il n'y avait pas de caméras de sécurité capables d'enregistrer le vol. Ainsi, le lundi 21 août, jour de fermeture du musée, Pérouse ramassa calmement La Gionconde, il l'a accroché sous son bras et a quitté le Louvre, le cachant auparavant sous le manteau de l'ouvrier. Personne ne s'en est rendu compte… jusqu'au lendemain.

La nouvelle du vol s'est répandue comme une traînée de poudre. Guillaume Apollinaire s'est retrouvé en prison accusé du braquage, et son collègue Pablo Picasso faisait également partie de la liste des suspects. Les journaux nourrissaient les commérages et les légendes. Lorsque le tableau a été retrouvé dans un petit hôtel de Florence, où Peruggia avait convoqué l'antiquaire Alfredo Geni pour lui vendre l'œuvre, La Joconde C'était déjà un vrai mythe. Un mythe dont la renommée (justifiée ou non) n'a fait que grandir jusqu'à aujourd'hui.

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2. Le cri qui n'est pas un cri

Nous gardons tous à l'esprit la toile spectaculaire Le cri, du peintre norvégien Edvard Munch: devant un paysage qui semble fondre, une étrange figure lève les mains vers son visage et hurle. Droite? Et bien non. Oui il y a un chiffre Il a l'air étrange, comme un masque mortuaire ou une momie, et il met ses mains sur son visage... mais il ne crie pas.

En fait, le nom du tableau fait référence à la scène qui a inspiré le tableau. Munch lui-même le décrit comme suit dans son journal: « Je marchais le long d'un chemin avec deux amis; le soleil s'est couché. Soudain, le ciel devint rouge sang, je m'arrêtai et m'appuyai contre une palissade mort de fatigue: du sang et des langues de feu se cachaient sur le bleu foncé du fjord et de la ville. Mes amis continuèrent et je restai immobile, tremblant d'anxiété. J'ai senti un cri infini qui traversait la nature..."

C'est-à-dire le cri qui donne son nom au tableau est le cri puissant de la nature, souvent destructeur, qui ébranle le peintre et le fait chanceler. Bien sûr, une vision très différente du travail qui est devenu populaire.

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3. le cadavre blasphématoire

En 1601, Michelangelo Merisi, mieux connu sous le nom de Caravage, reçoit une commande pour l'église Santa Maria della Scala à Rome. Vous devez peindre un tableau qui reflète le passage de la Vierge, entourée des apôtres. À peine dit que c'était fait. Le Caravage prend son pinceau et quelques modèles, et réalise une toile monumentale, où Marie apparaît allongée et les apôtres la gardant et déplorant sa mort.

Jusqu'à présent, tout semble en place. Mais nous savons déjà que Caravage était l'un des grands naturalistes du baroque, qui a pris ses modèles dans les quartiers les plus pauvres du Trastevere. Le Caravage nous montre des personnages vulgaires, en lambeaux et sales sur la toile; De plus, le gisant de la Vierge ressemble à un cadavre tout juste sorti de la morgue. En fait, certaines rumeurs suggéraient qu'en effet, le peintre avait pris une prostituée noyée dans le Tibre comme modèle pour Marie (ce qui, venant du Caravage, pourrait être parfaitement vrai).

Finissons! C'était une moquerie décorum ecclésiastique, qui exigeait des règles lors de la représentation de personnages sacrés. Comme prévu, le travail a été rejeté. Heureusement, tout le monde ne pensait pas la même chose. Un Rubens étonné a eu la chance de voir l'œuvre et en a été absolument captivé. L'artiste a convaincu le duc de Mantoue d'acheter la toile, et nous pouvons actuellement en profiter au musée du Louvre.

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4. Clara Peeters prend une photo… dans un bidon d'huile

Il est courant que les peintres s'autoportraitisent dans leurs œuvres. C'est une coutume assez répandue depuis la Renaissance; par exemple, Botticelli a inclus son portrait parmi la foule de ses Adoration des mages (1475-76), et Bosch fit de même dans son Jardin des délices (1503-15), même si, pour être juste, il faut dire que l'identité de ce dernier n'est pas confirmée.

Claire Peeters (1594? -?) était une peintre flamande célèbre pour ses natures mortes exquises. Dans beaucoup d'entre eux, il a inclus sa propre image, reflétée sur la surface de certains objets. C'est le cas d'une des natures mortes que conserve le musée du Prado, datée de 1611, et qui montre un tableau avec de délicieuses gourmandises (biscuits, pains et fruits sec), un vase avec des fleurs, un verre de vin et un bidon d'huile où, si l'on regarde de près, on peut voir le visage de l'artiste, reflété dans le métal.

La virtuosité de Clara est évidente dans ces détails, car il n'est pas facile de se représenter sur la surface courbe d'un objet. L'artiste maîtrise parfaitement les effets de lumière et la distorsion que les sinuosités de l'huile peuvent provoquer dans le portrait. Si vous allez au Prado, vous pouvez essayer de le découvrir.

5. Le visage de la controverse

Qui est la femme représentée par Goya en double, l'une vêtue de robes orientales et l'autre entièrement nue? Nous faisons bien entendu référence au célèbre Majas, actuellement conservé au Musée du Prado et qui appartenait autrefois à la collection privée de Manuel Godoy, Premier ministre de Carlos IV.

Dans l'inventaire du palais Godoy, les toiles apparaissent consignées comme peintures "gitanes", sans autre précision.. La controverse a commencé lorsque l'Inquisition elle-même a convoqué Goya pour témoigner sur les peintures et sur la personne qui les avait commandées. Des fleuves d'encre ont commencé à couler. Était-ce le visage de la célèbre duchesse d'Albe qui semblait défier (et aussi sensuel) le spectateur ?

Cette version était la plus acceptée par la légende populaire; Cependant, la duchesse d'Albe était déjà très malade au moment où les peintures ont été réalisées. Se pourrait-il alors que le dépeint soit quelqu'un d'autre? Peut-être Pepita Tudó, l'amante de Godoy à l'époque? La comparaison des traits de Majas avec les portraits confirmés de Pepita montre une ressemblance extraordinaire. D'autre part, le Majas ils étaient en la possession de Manuel Godoy; il semble tout à fait logique que le ministre ait voulu avoir un portrait érotique de son amant.

Malgré les suppositions, il n'a pas encore été possible de confirmer qui est la femme qui pose coquettement et élégamment sur un canapé. Peut-être vaut-il mieux ainsi, puisque le mystère de la Majas C'est l'une de ses plus grandes attractions.

6. Velázquez dépeint sa famille

Velázquez a peint son Adoration des mages pendant son séjour à Séville, alors qu'il était encore dans l'atelier de Francisco Pacheco. C'était précisément sa fille, Juana, que Velázquez épousa en 1618. L'œuvre, peinte l'année suivante, est, au-delà de la représentation de l'Épiphanie, un signe de fidélité et d'amour familial.

Et c'est que Velázquez a capturé les traits de sa femme Juana face à la Vierge Marie. Non seulement cela; on sait que l'Enfant Jésus était en réalité sa petite fille Francisca, née quelques mois auparavant. Velázquez lui-même serait le jeune personnage au premier plan, tandis que le roi plus âgé serait un portrait de son beau-père et professeur, Francisco Pacheco. Quelque chose, par contre, de très courant dans le baroque: la fusion du sacré avec la vie quotidienne, qui a énormément rapproché les personnages bibliques du peuple.

7. Le "troisième sein" d'Angelica

En dépit d'être un peintre très apprécié aujourd'hui, la vérité est que Jean-Auguste-Dominique Ingres a eu de nombreux détracteurs au cours de sa vie. L'artiste avait la réputation de dessiner des anatomies impossibles; la critique du moment a été amorcée avec son grande odalisque (1814), qui, selon eux, avait "plusieurs vertèbres supplémentaires".

Il est vrai que les figures d'Ingres ne sont pas anatomiquement parfaites. Ils ont une langueur presque gothique qui les rend plus proches du monde des rêves que de la réalité tangible.. Cependant, cela fait partie du charme de son travail.

Certains de ses contemporains ne pensaient pas la même chose, comme nous l'avons déjà vu. Un autre de ses tableaux les plus célèbres, Roger libère Angelica (1819), s'attira les mêmes critiques virulentes que son Odalisque. Regardons la date: 1819, l'apogée de la fureur néoclassique en France. La figure d'Angélique, enchaînée à un rocher et sauvée par Roger d'une mort certaine, arbore sur son cou… un troisième sein! Ou, du moins, c'est ainsi que les contemporains du peintre ont voulu le voir. La confusion vient du renflement saillant que la jeune femme affiche sous son menton et dans la rondeur de son cou. Se pourrait-il qu'Angelica ait présenté une tumeur? Qui sait…

8. Une maîtresse royale dans le rôle de la Vierge

Dans le Diptyque de Melun (1450), dont les deux parties sont actuellement conservées dans différents musées, Jean Fouquet représente la Vierge offrant son sein à l'Enfant Jésus pour le nourrir, dans une iconographie bien connue comme Galaktotrophousa (Vierge au lait). Ce type de représentation était assez courant dès les premiers siècles du Moyen Âge, mais Jean Fouquet le détourne et représente une Vierge à l'érotisme suggestif.

María est habillée à la mode de l'époque; son front est rasé, tout comme ses sourcils. Sa peau est neigeuse et douce, et ses seins (en fait un seul, puisque l'autre est découvert) sont enfermés dans un soutien-gorge bleu. Une élégante cape d'hermine lui retombe dans le dos… La beauté terrestre et l'érotisme évident de cette Madone sont un véritable choc pour le spectateur. Et si l'on tient compte la légende qui assure que le modèle n'est autre qu'Agnès Sorel, la favorite du roi Charles VII de France, tout devient encore plus compliqué. Une vraie maîtresse jouant la Vierge Marie !

L'identité de la dame n'a pas pu être confirmée, mais il s'avère que l'un des commanditaires du diptyque, qui apparaît représenté sur l'autre tableau, était l'exécuteur testamentaire d'Agnès, morte très jeune, à vingt-huit ans, soi-disant empoisonné. Voulez-vous plus de coïncidences? La date d'exécution du diptyque correspond à celle de la mort du favori. Tirez vos propres conclusions.

9. la famille doit être ensemble

Napoléon a chargé le célèbre peintre néoclassique Jacques-Louis David de créer une toile colossale pour immortaliser son ascension au pouvoir. David a capté le moment où Napoléon, déjà couronné, impose à son tour la couronne à sa femme, la reine Joséphine. C'est une vision grandiose de pas moins de 667 x 990 cm, et se trouve actuellement au musée du Louvre.

Parmi la foule qui assiste au sacre, on peut apercevoir, dans une loge proéminente, la mère du Grand Corse, contemplant son fils avec admiration. Mais la vérité est qu'en vérité, María Letizia Ramolino n'avait pas assisté à la cérémonie, en raison de certains désaccords familiaux (on dit que la mère n'approuvait pas le mariage de son fils avec Joséphine…). Napoléon n'a pas hésité à demander à David d'inclure sa mère parmi les participantsCar quelle image donnerait-il au peuple s'il rendait publics ses ennuis familiaux? Le Photoshop de l'époque.

10. Avignon est à Barcelone

Le célèbre tableau de Picasso a été considéré Les Dames d'Avignon comme le premier tableau entièrement cubiste. Cependant, la composition est encore quelque peu expérimentale. Picasso essaie des solutions formelles qui, oui, sont un précédent clair pour le cubisme qui viendra plus tard.

Le tableau représente cinq prostituées… d'Avignon, France? Non; Rue Avinyó (Avignon), à Barcelone. Rappelons-nous que dans ces années (1907) le jeune Picasso s'était installé à Barcelone. Ainsi, le nom du tableau peut être trompeur, d'autant plus que l'artiste a vécu plus tard en France. Si jamais vous passez par Barcelone, assurez-vous de visiter la rue en question; Il est situé au cœur du quartier dit Gothique, un quartier plein de charme et de nombreux joyaux artistiques à découvrir.