L'art contemporain: qu'est-ce que c'est, caractéristiques et principaux mouvements

Aujourd'hui, nous vivons à une époque caractérisée par la vitesse. Non seulement les modes apparaissent et disparaissent en un clin d'œil, mais elles se propagent également au vitesse de la lumière, grâce à l'essor des technologies telles qu'Internet, les applications mobiles et les réseaux social. L'art contemporain, bien sûr, ne peut être compris en dehors de cette réalité.

Malgré le fait qu'à partir de la seconde moitié du XXe siècle on ne peut plus parler de mouvements artistiques en tant que tels, on il existe une série de motifs qui caractérisent l'art contemporain, et que nous allons analyser dans cet article.

qu'est-ce que l'art contemporain ?

L'art contemporain est considéré comme les manifestations artistiques qui sont incluses dans la seconde moitié du XXe siècle et le début du XXIe. Le mot même, « contemporain », implique une expiration et un renouvellement continus, puisque, évidemment, dans cent ans, nous ne pourrons plus continuer à appeler l'art actuel « art contemporain ».

L'art contemporain repose sur l'inexistence de mouvements solides et représentatifs, comme l'étaient les « ismes » de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Donc, l'art contemporain est clairement enfant de son temps, puisqu'il représente la liberté absolue de création. On peut presque décrire une tendance spécifique pour chaque artiste existant. C'est le triomphe de l'individualité contre la communauté.

Néanmoins, et peut-être paradoxalement, nous pouvons distinguer une série de caractéristiques communes, dont nous parlerons dans la section suivante.

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Caractéristiques générales de l'art contemporain

A grands traits, on peut énumérer 4 caractéristiques essentielles de l'art que l'on appelle contemporain. Voyons-les ci-dessous.

1. L'utilisation des nouvelles technologies

Si en général toute nouvelle manifestation artistique s'accompagne d'une innovation technique, il est vrai que, dans Dans le cas de l'art contemporain, l'innovation est une caractéristique fondamentale pour soutenir sa propre définition. Par exemple, dans la gestation de l'art flamand au XVe siècle, la peinture à l'huile, inventée à cette époque, était très importante; mais on ne peut pas dire que cette nouvelle technique ait constitué quelque chose d'essentiel dans la naissance de ce nouveau style.

Cependant, nous pouvons affirmer que les nouvelles technologies ont beaucoup à voir avec la formation de l'art contemporain. D'un côté, la photographie et le cinéma, qui ont été à la base de nombreuses créations de la première avant-garde du XXe siècle; autre, techniques et réseaux numériques, indispensables pour comprendre l'art actuel.

Ainsi, l'un des éléments les plus importants qui caractérisent l'art contemporain est l'utilisation et l'exploitation des nouvelles technologies émergentes qui, soit dit en passant, ont donné origine du nom d'un des courants artistiques les plus actuels (et aussi les plus hétérogènes) de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle: l'art des nouveaux médias ou art du nouveau médias.

2. Viralité et consommation de masse

Une autre des caractéristiques qui sous-tendent l'art contemporain est sa viralité et l'essor de la consommation de masse ou de la consommation de masse. On ne peut comprendre l'art actuel sans le lier à la vitesse de communication et à l'accès du grand public aux créations artistiques. C'est un fait qui a commencé à être remarqué au début du 20ème siècle, avec la généralisation des journaux et magazines et avec la croissance de la société de consommation; cependant, ce n'est que dans la seconde moitié du siècle et, surtout, au début du XXIe siècle, alors que ce phénomène s'est amplifié grâce à Internet, aux appareils mobiles et aux réseaux social.

Cette viralité extraordinaire, inédite, permet à la création d'un artiste de faire le tour du monde en quelques heures (parfois quelques minutes). De plus, les hauts niveaux de consommation que l'humanité vit aujourd'hui provoquent un plus grand "besoin" d'art de la part du grand public, ainsi qu'un plus grand accès.

3. Le développement de « sous-cultures »

À la fin du XIXe siècle, et pour la première fois dans l'histoire de l'art, différents courants artistiques simultanés appelés « ismes » apparaissent. Dès lors, la prolifération des courants esthétiques progressa à une vitesse croissante, au point que, au début du 20ème siècle, on retrouve des avant-gardes qui se superposent au fil du temps.

Ce multiculturalisme et cette simultanéité d'expressions artistiques ont atteint leur apogée au milieu du XXe siècle avec la prolifération des appelées "sous-cultures", c'est-à-dire des groupes sociaux avec leurs propres expressions culturelles qui diffèrent considérablement de celles acceptées par le "officialité". C'est le cas, par exemple, du graffiti et de l'art urbain.

4. La relativisation progressive de l'art

Enfin et surtout, on retrouve une relativisation (quand ce n'est pas une banalisation) de l'art, qui a débuté au début du XXe siècle avec les premières avant-gardes et s'est poursuivie jusqu'à nos jours. jours.

Tout au long de l'histoire, les mouvements artistiques ont été guidés par une idée de la beauté. Évidemment, cette idée a varié au cours des siècles et a été très différente selon la culture qui l'émet. Or, le phénomène de négation artistique, c'est-à-dire de l'inexistence d'un guide esthétique, est quelque chose d'absolument récent.

Peut-être les premiers à établir la négation de l'art et donc d'une esthétique sont-ils les dadaïstes, un groupe d'intellectuels désenchantés qui s'affirment en tant que mouvement en 1916. Le mouvement Dada n'a certes pas été la première avant-garde, mais il a été le premier à nier violemment et absolument la création artistique.

Quelques années auparavant, les futuristes proposaient une esthétique, un idéal de beauté, en l'occurrence basé sur la vitesse et le progrès. Ils ont transgressé la forme, mais en aucun cas ils n'ont nié l'existence de l'art. En fait, ils ont parlé de la "beauté d'une voiture de course à pleine vitesse". Les dadaïstesCependant, ils ont rompu avec tout idéal. Sans le savoir, ils posaient les bases de l'art contemporain futur.

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L'ère de la "postmodernité"

L'art contemporain fonde son discours non pas sur la transgression (ce qui avait déjà été fait par les avant-gardes), mais sur la rupture avec le concept même de création et d'auteur. Des questions sont posées sur la paternité, la validité du point de vue de l'artiste, l'originalité et la valeur même de l'œuvre d'art. C'est ce qu'on a appelé la « postmodernité ».

Cette rupture avec les formalités artistiques le fait entrer dans une franche contradiction, puisque, en même temps que ils remettent en question la validité des galeries d'art, des fondations, des artistes, etc., ils utilisent tout cela pour légitimer Légitimer, pourquoi? Parce qu'à l'ère postmoderne, tout objet peut être considéré comme une œuvre d'art, c'est pourquoi il a besoin d'une institution dotée d'une autorité et d'un prestige suffisants pour l'endosser comme tel.

Quelques mouvements artistiques contemporains

Ci-dessous, nous allons passer en revue certains des mouvements les plus importants de l'art contemporain, de son apparition dans les années 1960 à nos jours.

1. Le "pop-art"

Apparu dans les années 1960 par des artistes aussi importants qu'Andy Warhol, le "pop art" ou art populaire réinventé les objets de consommation du quotidien et les a transformés en objets d'art. Ainsi, tout élément du quotidien était susceptible d'être une œuvre d'art et, de plus, et grâce à des techniques de reproduction améliorées, n'importe quel foyer pouvait se permettre d'y accéder. C'était l'aube de l'art comme objet de consommation.

2. L'"op-art"

La dénomination est l'abréviation d'art optique, c'est-à-dire d'art optique. Le terme a été inventé par le magazine Le magazine Time en 1964, et fait référence à les artistes qui ont joué avec les illusions d'optique pour dynamiser leurs créations. Si « l'op art » a connu son apogée dans les années 1960, on retrouve sa genèse dans les mouvements d'avant-garde antérieurs, notamment dans le surréalisme. Il suffit de se souvenir de Dalí et de ses « images paranoïaques », comme il les appelait lui-même, qui faisaient voir à l'œil des éléments qui, en principe, n'étaient pas représentés dans le tableau.

3. art "psychédélique"

La richesse créative des années 60 du XXe siècle se manifeste dans tous ces mouvements qui ont acquis une grande impulsion durant ces années de manifestations, le mouvement hippie et la naissance du contre-cultures.

Concrètement, l'art dit « psychédélique » est pour beaucoup dans l'essor de la consommation de substances hallucinogènes comme le LSD (en fait, cette tendance est aussi appelée art "lysergique" en "l'honneur" de cette drogue de synthèse), et son esthétique reflète les états altérés de conscience produits par sa consommation. Ainsi, l'art « psychédélique » présente des fractales et des couleurs vives et brillantes, ainsi que des effets optiques et phosphéniques (sensation de voir des taches lumineuses lorsque la rétine est suffisamment stimulée).

4. L'art corporel

Il s'agit de la création artistique qui utilise le corps humain comme support. Ainsi, les motifs esthétiques se forment à travers la peinture, le piercing ou le tatouage, et c'était particulièrement populaire dans les années 1970.

5. les graffitis

La décennie par excellence du graffiti a été les années 1980. C'est un art totalement gratuit (et, la plupart du temps, illégal) qui utilise les surfaces publiques pour leur expression. Ce sont généralement des compositions de mots à message, mais on trouve aussi de la peinture figurative de grande qualité. Habituellement, ces représentations sont faites en utilisant la technique de l'aérosol.

6. art "pauvre"

A la fin des années 1960, un mouvement d'artistes italiens se crée qui revendique la art fait avec des matériaux "pauvres", c'est-à-dire d'usage quotidien et peu ou pas cher. L'artiste "povera" a créé ses œuvres avec du bois, de l'argile, des feuilles, des tissus, des roches et d'autres matériaux qui, en général, pouvaient être trouvés dans la nature ou dans le paysage urbain.

7. hyperréalisme

Contrairement à ce que beaucoup pensent, l'art contemporain ne repose pas uniquement sur des langages complètement nouveaux. Par exemple, ces dernières années, le soi-disant hyperréalisme, une expression artistique qui imite la réalité avec une précision extrême, d'une manière absolument photographique.

8. art des nouveaux médias

C'est l'art qui utilise les technologies les plus avancées pour se développer et accéder au public. Le médium préféré de ces artistes est, bien sûr, Internet. Il art des nouveaux médias ou art des nouveaux médias il interagit avec le spectateur, s'approprie des œuvres existantes et crée ses créations en collaboration avec d'autres artistes. Quelques exemples sont l'art interactif et le métaverse.