La peinture de Goya le 3 mai 1808 à Madrid: histoire, analyse et sens

Le tableau Le 3 mai 1808 à Madrid, Aussi connu comme Les exécutions sur la montagne de Príncipe Pío ou alors Les fusillades du 3 mai, est une toile à l'huile peinte par Francisco de Goya y Lucientes en 1814.

Cette toile est l'une des pièces les plus emblématiques de l'auteur. Dans celui-ci, Goya met de côté les normes du style néoclassique pour montrer l'éveil d'un style nouveau et personnel.

Le travail est complété par la peinture Le 2 mai 1808 à Madrid ou alors Le combat avec les barboteuses. Nous présentons ci-dessous un bref historique et une analyse du tableau, qui rendra compte de sa signification.

Contexte historique

Après avoir été nommé empereur en 1804, Napoléon Bonaparte propose à l'Espagne d'envahir le Portugal, allié de l'Angleterre. Depuis que l'Espagne et l'Angleterre se sont affrontés pour l'occupation de Gibraltar, l'affaiblissement du Portugal était stratégiquement commode.

Le roi Carlos IV et son premier ministre Manuel Godoy acceptent l'accord et, en 1807, le Occupation française en Espagne, sans se rendre compte des véritables intentions de l'empereur: contrôler tous les péninsule.

Au fil du temps, les tensions se sont accrues entre le roi Carlos IV et son héritier du trône, Fernando VII, qui se méfiait totalement du Premier ministre espagnol. Le 17 mars 1808, la soi-disant Mutinerie d'Aranjuez. Sa conséquence immédiate est la destitution de Godoy, l'abdication du roi et la montée en puissance de Fernando VII.

Confiant dans sa popularité, Napoléon renforce l'occupation militaire et bientôt l'armée française démontre un traitement abusif des Espagnols. Le peuple se souleva spontanément le 2 mai 1808 contre la cavalerie du maréchal français Murat, dans laquelle il y avait une présence de barboteuse (Mercenaires égyptiens au service de l'armée française).

Ce soulèvement populaire a été représenté dans la peinture Le 2 mai 1808 à Madrid ou alors Le combat avec les barboteuses.

Les événements du 3 mai 1808

L'armée française a réussi à réprimer rapidement le soulèvement populaire et a commencé une persécution sanglante contre le peuple de Madrid. Aux petites heures du matin du 3 mai, ils ont rassemblé les rebelles présumés en groupes et les ont transférés à leur exécution, sans droit à un procès.

De nombreuses victimes, dont innocent, ont été tués. Les exécutions ont eu lieu dans diverses parties de la ville telles que le Paseo del Prado, la Puerta del Sol, la Puerta de Alcalá, la porte Recoletos et la montagne Príncipe Pío.

En apprenant le soulèvement populaire, Napoléon, qui avait réuni Carlos IV et Fernando VII à Bayonne, les blâma du soulèvement populaire et les a forcés à abdiquer en faveur de son frère José Bonaparte, qu'il a arbitrairement nommé roi de Espagne.

Ce fut le début de la guerre d'indépendance espagnole, également connu sous le nom de Guerre de Six Ans, achevé en 1814 avec la restauration de l'absolutisme espagnol et le retour de Fernando VII.

Analyse de trame

Les exécutions du 3 mai sont les événements que Goya dépeint avec le plus de drame possible sur la toile à portée de main. Tout indique que cette toile, comme sa paire, répond à une commande de la régence libérale de Luis María de Borbón y Vallabriga, qui s'apprêtait à recevoir le roi Fernando VII.

L'ouvrage est divisé en deux parties par une sorte de diagonale. Dans la section diagonale gauche, la lumière devient manifeste. Sur la diagonale droite, l'obscurité et les ombres dominent. Sans aucun doute, Goya envoie un message avec elle: la lumière accompagne le peuple dans sa véritable résistance, tandis que le gouvernement français agit dans le noir.

Le peloton d'exécution français

L'armée française, parfaitement ordonnée, paraît alignée en parfaite formation. Aucun de ses soldats n'a de visage. Goya a ainsi représenté sa « déshumanisation ». Ils tournent tous le dos au spectateur, devenu témoin de la scène meurtrière. Alignés tous ses fusils, dont l'horizontalité casse les diagonales de la toile, ils semblent, selon un guide de signalisation du musée du Prado, une "machine à tuer efficace".

Leurs uniformes, dans les tons marron et gris, ont un traitement cezannesco. Le peintre a éliminé le volume et le clair-obscur, optant pour des lignes épaisses qui forment des aplats de couleur. Ainsi peints, les soldats ressemblent à un mur de la mort, fermé, impénétrable, plat et gris.

Pour l'artiste espagnole Concha Jerez, dont le témoignage a été recueilli dans une vidéo sur le site de la Museo del Prado, Goya a avancé de près d'un siècle vers le style de Cézanne et le style cubiste plus tard. En contraste frappant avec le peloton d'exécution, les victimes représentées sur la diagonale gauche.

Les victimes

Compositement, les condamnés à mort n'ont ni ordre ni ligne, le chaos domine la section. Les personnages ne possèdent pas d'attributs de guerre tels que des armes ou des uniformes. Une nette inégalité entre les côtés est évidente.

Quatre groupes se distinguent parmi les victimes, ce qui rompt la linéarité: le groupe principal est au centre de la coupe et ils restent à genoux. Un autre groupe est à droite et attend son tour. A la base de l'image, reposent ceux qui ont déjà été assassinés. Mais à gauche en arrière-plan, une ombre est perceptible. On dirait une femme tenant quelqu'un dans ses bras, presque comme un piété.

Les victimes ont des visages et en eux vous pouvez voir l'horreur de la mort qui vient. Seuls deux des personnages cachent le leur, incapables de supporter la scène. Ce sont tous des personnages anonymes, archétypes des citadins massacrés par les Français. Parmi les victimes, il n'y a ni militaires ni représentants de l'élite.

Comme de coutume, Francisco de Goya s'est très bien documenté avant de réaliser ce tableau, et il a pu savoir que En ce jour cruel, avait eu lieu l'exécution d'un seul prêtre, Don Francisco Gallego et Davila. Pour cette raison, il y a aussi au milieu d'eux un personnage vêtu d'une soutane, mais sans signes de pouvoir ecclésiastique.

Parmi ces personnages populaires se démarque un homme en chemise blanche sur ses genoux. Il étend ses mains en croix, et sur l'une d'elles on peut presque voir un stigmate. Il a été interprété par beaucoup comme un "nouveau crucifié", un innocent (d'où le blanc) qui a payé le prix de l'indépendance espagnole avec son sacrifice.

Sa chemise d'un blanc éclatant est une source de lumière dans la peinture, et elle devient une image symbolique d'innocence et d'espoir en même temps. Le regard du spectateur est fixé dessus. Goya y parvient au moyen d'une ligne épaisse et grossière de blanc, sans masquer le procédé pictural, rompant avec le concept de la finition néoclassique. C'est le prélude à la course impressionniste qui est encore très loin d'apparaître dans l'histoire.

Le fond

La scène semble être cadrée dans un espace réel: la montagne de Príncipe Pío, bien que certains interprètes diffèrent dans leurs observations. En arrière-plan, vous pouvez voir deux structures. Apparemment, il s'agit du couvent de Doña María de Aragón et de la caserne du Prado Nuevo, aujourd'hui inexistante.

Au centre de la toile, des taches et des lignes indéfinies semblent montrer une foule de personnes. On ne sait pas qui c'est. Pour l'artiste Concha Jerez, une hypothèse cohérente est que Goya représentait les élites restées en dehors du zèle du peuple pour défendre la cause du royaume.

L'horizon de la frange supérieure du tableau se termine par une nuit sombre, sans que le firmament montre même une seule étoile. Le deuil envahit le ciel madrilène, mais au coeur de la ville la lumière brille.

Ensemble

L'utilisation du trait est diverse dans ce tableau et répond aux besoins expressifs du peintre. Dans certains groupes, comme les soldats français, la ligne est bien visible. En revanche, dans le personnage en blanc, le trait disparaît pratiquement et les traits restent ouverts et inachevés (voir détail de la main).

En toute liberté, Goya donne un usage expressif au langage plastique, et pas seulement au sujet de la composition. Pour cette raison, les critiques voient souvent dans ce tableau un tournant dans l'œuvre du peintre qui se consolidera dans la peintures noires de ses dernières années.

D'un style néoclassique, encore présent dans des tableaux tels que La famille de Carlos IV, avec cette toile, Goya s'oriente vers une sensibilité préromantique et semble même dépasser le temps, devinant les chemins de l'art fin-de-siècle.

Biographie de Francisco de Goya y Lucientes

Le peintre et graveur espagnol Francisco de Goya y Lucientes est né à Fondetodos, Saragosse, le 30 mars 1746. À Saragosse, il a reçu sa formation initiale et a pris ses premiers cours d'art à l'atelier de Luzán.

Il épousa Josefa Bayeu le 25 juillet 1773, avec qui il eut sept enfants, mais un seul survécut jusqu'à l'âge adulte. Il s'installe à Madrid en 1775. Dans cette ville, il poursuit sa formation dans l'atelier de son beau-frère Francisco Bayeu, qui lui propose également un emploi à la Royal Tapestry Factory.

Il étudie également à l'Académie de San Fernando à partir de 1785 et, un peu plus tard, en 1789, la cour de Carlos IV l'engage comme peintre officiel. Depuis, Goya s'est imposé comme portraitiste pour la famille royale ainsi que pour l'aristocratie madrilène.

En effet, en 1799 l'un de ses plus célèbres portraits royaux culminera: La famille de Carlos IV. Cependant, Goya n'était pas nécessairement un peintre complaisant avec les puissants. A mi-chemin entre néoclassicisme et romantisme, le peintre ne recule pas devant la tentation de se glisser dans ses portraits officiels de l'ironie et de la critique.

En effet, dès 1799 Goya avait achevé la série de gravures Les caprices, dans lequel il représente son appréciation critique des incohérences des élites sociales: la noblesse, le clergé et l'aristocratie. Le germe de la liberté d'expression avait déjà germé en lui. Pour cette raison, Goya est considéré comme un précurseur de l'esprit romantique, qui était sur le point de faire son apparition.

Entre 1810 et 1815 il réalise la série de gravures Les désastres de la guerre, dans lequel il documente avec beaucoup de détails et de précision les morts et les maux horribles qui ont eu lieu pendant la période de la guerre d'indépendance espagnole.

En 1815, Goya fit face à un procès inquisitoire à cause de la peinture La maja nue. A cela s'ajoutait qu'après la restauration de la couronne, Fernando VII considérait Goya avec méfiance pour avoir continué à être associé à la Maison Royale pendant la guerre. Son âge, sa maladie et l'absence de preuve de gain personnel ont joué en sa faveur. C'était pourtant la dernière année au service du pouvoir royal. Son activité privée n'a pas souffert.

Peu de temps après, en 1819, une rechute de santé le rend sourd. Durant cette période, la production de son célèbre peintures noires. Parmi certains d'entre eux, nous pouvons citer Saturne dévorant ses enfants, Le coven Oui Duel de trique.

La transformation de son style fait de lui un artiste absolument révolutionnaire et visionnaire. Dans son travail, on peut voir des traits qui annoncent le romantisme et même des éléments impressionnistes et post-impressionnistes.

Francisco de Goya y Lucientes s'installe à Bordeaux, en France, en 1824. Il y resta jusqu'à sa mort le 16 avril 1828. En avance sur son temps, Goya se révèle aujourd'hui comme l'une des figures les plus emblématiques de l'art moderne.

Les références

• Arimura, Rie; Ávalos, Erandi et Ortiz Silva Ireri (coord.) (2017): Francisco de Goya: un regard du Mexique. Mexique: École nationale des hautes études, Université de Morelia. Récupéré en: http://www.librosoa.unam.mx/
• Mena Marqués, Manuela B.: Le 3 mai 1808 à Madrid: les exécutions de patriotes madrilènes, El [Goya] à Site officiel du musée du Prado. Récupéré dans https://www.museodelprado.es/
• Francisco de Goya y Lucientes dans le Site officiel du musée du Prado. Divers supports multimédias. Récupéré dans https://www.museodelprado.es/