Le muralisme mexicain: 5 clés pour comprendre son importance

Le muralisme mexicain est un mouvement pictural qui a son origine juste après la Révolution mexicaine de 1910 et qui a acquis une importance véritablement transcendante. C'est l'un des premiers mouvements picturaux d'Amérique latine au XXe siècle à s'engager délibérément briser l'esthétique européanisante et légitimer l'esthétique latino-américaine à la recherche d'un "authenticité".

L'origine et la formation du mouvement ont lieu dans les années 1920, qui coïncident avec la fin de la Première Guerre mondiale et la période de la Grande Dépression. Son apogée a duré jusqu'aux années 1960 et a eu un impact sur d'autres pays d'Amérique latine. Mais aujourd'hui encore, la flamme du muralisme mexicain reste vivace.

Les intellectuels qui appartenaient à ce mouvement cherchaient à revendiquer l'Amérique latine, et notamment le Mexique, dans deux sens: l'un esthétique et l'autre socio-politique. Pour comprendre le muralisme mexicain, il faut prendre en compte quelques clés :

1. Un mouvement artistique engagé

Le muralisme mexicain était un mouvement artistique politiquement engagé. Cela est dû à deux facteurs: premièrement, la révolution mexicaine de 1910 et, deuxièmement, l'influence des idées marxistes.

La dictature de Porfirio Díaz a pris fin après la Révolution mexicaine, promue par Francisco "Pancho" Villa et Emiliano Zapata, entre autres. Cela supposait un nouvel environnement d'attentes sociales qui exigeaient la reconnaissance des droits des secteurs populaires, au nom d'un nationalisme renouvelé.

Bien que la révolution n'ait pas eu son inspiration dans le marxisme, certains intellectuels, et parmi eux le muralistes, ont lié les deux discours une fois que les idées de la gauche internationale se sont propagées à travers le monde. Ainsi, ils ont commencé à embrasser cette « nouvelle » idéologie et à en interpréter le rôle de l'art.

Pour les artistes influencés par les idées marxistes, l'art était le reflet de la société et devait donc être l'expression de l'engagement envers la cause des classes opprimées (ouvriers et paysans). Ainsi, l'art est devenu un instrument au service des idéaux de révolution et de revendication sociale dans le cadre de la lutte des classes.

Si l'histoire du Mexique a éveillé chez les muralistes la nécessité de rechercher l'identité nationale, le marxisme les a inspirés à comprendre l'art comme une ressource pour la propagande idéologique et la visibilité de la lutte de cours.

Tel était leur engagement que les muralistes ont créé l'Union révolutionnaire des travailleurs techniques et plastiques et un organe de sensibilisation du syndicat, appelé La machette, qui finira par être le magazine du Parti communiste mexicain.

2. Revendication de la fonction publique de l'art

Au début du XXe siècle, les courants artistiques étaient dictés depuis Paris et les meilleurs artistes du monde allaient y étudier, y compris des Latino-Américains. Mais depuis le XIXe siècle les conditions de la production artistique ont changé, et les grands mécénats pâlissent, diminuant les commandes d'œuvres murales publiques. La plupart des artistes ont dû se réfugier dans la toile, plus facile à commercialiser. C'est ainsi que la peinture commença à perdre de son influence dans les affaires publiques.

L'environnement de plus en plus libre de la première vague d'avant-gardes et le poids des idées politiques révolutionnaires ont été un vivier d'artistes mexicains pour initier une révolte artistique au sein de leur société.

Au Mexique, le changement a commencé à prendre forme à partir de 1913 lorsque Alfredo Ramos Martínez a été nommé directeur de l'École nationale des arts plastiques et a introduit d'importantes réformes. Son travail a été approfondi par le peintre Gerardo Murillo, dit Dr Atl, qui voulait dépasser les canons européens de l'art mexicain.

Quand en 1921 José Vasconcelos, auteur du livre La course cosmique, nommé secrétaire à l'Instruction publique, a mis les espaces muraux des bâtiments publics à la disposition des artistes pour transmettre un message révolutionnaire à la population. Ainsi, Diego Rivera, José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros seraient les premiers.

Dans le regard de ces artistes se reflétait un intérêt: trouver un art authentiquement mexicain qui atteindrait les masses et qui transmettrait un nouvel horizon d'idées et de valeurs. De cette façon, une prise de conscience de ce qui était authentiquement latino-américain s'est également construite. Cet art devait être public, pour le peuple et par le peuple. Dès lors, le support idéal serait le mur, seul support artistique vraiment "démocratique", vraiment public.

Voir également:

• José Clemente Orozco.
• Le muralisme mexicain: caractéristiques, auteurs et œuvres.

3. Un style unique en quête d'identité nationale

Les muralistes mexicains considéraient l'académisme artistique comme quelque chose de « bourgeois ». Cet académisme insiste sur un regard eurocentrique sur les scènes religieuses, mythologiques ou historiques, ainsi que sur les portraits et les paysages. Ces conventions ont déclenché l'élan créatif des artistes qui animent l'avant-garde.

Les avant-gardes ont ouvert la voie à la liberté artistique en revendiquant l'importance du langage plastique sur le contenu. Les muralistes se laissaient imprégner de ces formes et de cette liberté, mais ils ne pouvaient renoncer au contenu transcendant, ils ont seulement ajouté une approche qui n'avait guère été abordée dans le réalisme social: la lutte de cours.

Un ensemble de caractéristiques défini le muralisme mexicain. En plus de délimiter leur propre style, ils ont délimité un agenda programmatique et ont montré des problèmes sociaux qui avaient été ignorés. Ainsi, à travers l'art, les muralistes ont repris et récupéré l'esthétique et la culture indigènes et les thèmes nationaux.

Ainsi, ils ont à leur tour inspiré des artistes des pays d'Amérique latine à se joindre à la cause d'un art engagé dans l'histoire et qui donner la parole à la construction et à la revendication d'une identité latino-américaine, en confrontation avec le modèle prétendument universalisant de L'Europe .

Voir également Le labyrinthe de la solitude d'Octavio Paz.

4. Un patrimoine artistique insaisissable

Le mur comme support d'art ainsi que les installations artistiques sont un problème pour le marché. Ces types d'œuvres ne peuvent pas être commercialisés car ce ne sont pas des « objets de collection ». Mais une chose les distingue: le mur est permanent et les installations sont éphémères. Et cette différence souligne le but atteint par les muralistes: redonner à la peinture son caractère public.

Le fait que le mur ait été le support du muralisme mexicain permet que le patrimoine développé ne puisse être soustrait à sa fonction sociale. Indépendamment du fait que certaines de ces peintures murales ont été réalisées à l'intérieur de bâtiments publics, elles font toujours partie du patrimoine public, et Ceux qui sont dans des espaces ouverts ou d'usage quotidien, comme les écoles ou les universités, entre autres, sont toujours disponibles pour ceux qui les fréquentent endroits.

Ainsi, le muralisme mexicain laisse un héritage inestimable à travers les œuvres de ses artistes. Parmi les plus emblématiques, citons Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros et José Clemente Orozco. Ils ont également été rejoints par les artistes Gerardo Murillo (Dr. Atl), Rufino Tamayo, Roberto Montenegro, Federico Cantú, Juan O'Gorman, Pablo O'Higgins et Ernesto Ríos Rocha.

Voir également: Peinture murale L'Homme Contrôleur de l'Univers, par Diego Rivera

5. Un geste controversé

Étant un art à l'esprit politique marqué, le muralisme mexicain a suscité de nombreuses controverses. L'un d'eux aurait à voir avec la véritable efficacité du mur en tant que support public. En effet, pour certains critiques, c'était une incohérence que ces murs soient dans des bâtiments publics où les paysans n'accèdent pas.

De même, ils considéraient que le gouvernement PRI avait agi de manière hypocrite en promouvant un art qui exaltait le valeurs de la révolution mexicaine, après avoir éliminé Zapara et Pancho Villa de la scène politique. Pour ces critiques, plus politiques qu'artistiques, le muralisme mexicain était une autre cachette de la bourgeoisie dominante.

Outre le muralisme mexicain, d'autres mouvements plastiques en Amérique latine se sont inspirés de la dénonciation sociale et de la représentation des coutumes et de la couleur locales. A cela s'ajoutent les mouvements qui ont voulu pénétrer ou remettre en cause les schémas eurocentriques de valorisation artistique, comme le Mouvement moderniste du Brésil avec ses Manifeste Manifeste (Oswald de Andrade, 1924). Ceci était crucial pour la projection de la culture latino-américaine à l'époque, marquant ainsi une présence sur la scène internationale.

Cependant, ces types d'esthétiques basées sur la recherche de « l'identité latino-américaine » ont été utilisées par le monde occidental comme des stéréotypes. En effet, dans un article de la chercheuse chilienne Carmen Hernández, publié par le Conseil latino-américain de Sciences sociales (CLACSO), ces stéréotypes ont oscillé entre "l'exoticisation" et la "sociologisation" de l'art Latino-américain. C'est-à-dire que soit l'Amérique latine est « exotique / pittoresque », soit elle est « dénonciation sociale ».

En tout cas, au-delà du contenu représenté et de la polémique qu'ils déchaînent, il est hors de tout doute que le muralisme mexicain a su créer une esthétique avec sa propre autorité, précieuse en soi, et qui est devenue un point de référence dans l'histoire de la peinture, à la fois mexicaine et international.

Vu ainsi, il est facile de comprendre pourquoi Rockefeller a engagé Diego Rivera pour peindre un murale et pourquoi il l'a aussi fait effacer lorsqu'il a découvert au milieu de la composition le visage de Lénine.

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