Pop art: caractéristiques, artistes et œuvres principales

le pop Art, connu en espagnol sous le nom de pop art, est un mouvement plastique qui trouve ses origines dans les années 1950. Il est né entre la Grande-Bretagne et les États-Unis, mais ce sont ces derniers qui sont devenus le porte-drapeau du mouvement. Cependant, le pop art a généré une onde de choc à travers le monde, aussi bien en Europe qu'en Amérique latine, en Asie et en Océanie.

Le pop art est contextualisé dans le processus complet de formation de la société de consommation, dont l'impulsion définitive a eu lieu après la Seconde Guerre mondiale et l'arrivée de la télévision, le nouvel envahisseur du maisons.

Ce style artistique est né comme une tentative de faire un art qui prenne en compte l'univers des symboles et des sujets d'intérêt massif, il est c'est-à-dire les symboles « populaires » auxquels l'élite culturelle semblait tourner le dos et nier sa pénétration mobilisatrice dans l'imaginaire collectif.

Caractéristiques du pop art

Inspiration de la culture de masse

Si les anciens avaient représenté l'image du monde telle qu'ils la connaissaient et la concevaient dans leurs œuvres, c'était l'obligation des artistes contemporains de faire de même. Les artistes pop iraient vers ces objets du quotidien qui devenaient les nouveaux symboles de la « civilisation »: idoles médiatiques, personnalités politiques, objets de série, bandes dessinées (bandes dessinées), affiches, emballages et toutes sortes d'images symboliques (signes de circulation, collages, etc.).

Extension de la notion de beauté au répertoire des symboles pop

le pop Art Il a compris que même les objets de la culture de masse pouvaient contenir des éléments de beauté, et pas seulement les Vénus et les Madones de l'Antiquité. Bien sûr, cela ne cessera d'être une provocation pour le milieu intellectuel, un aspect dont les artistes pop profitent très bien en leur faveur.

Décontextualisation

L'une des stratégies de pop Art il empruntait les objets et les décontextualisait. Par exemple, sortir une boîte de soupe, un tableau célèbre ou une photographie de son contexte, l'intervenir et le transformer en une œuvre ou une nouvelle œuvre. Quelque chose de similaire avait été fait par les dadaïstes avec leur technique prêt à l'emploi depuis que Marcel Duchamp a créé son célèbre Fontaine: un urinoir intervenu avec la signature de l'artiste, sous le pseudonyme R. Mutt, et qu'il a été présenté comme une œuvre de musée.

Déni de virtuosité

Ces artistes ne prônaient pas la virtuosité comme valeur. Avec cela, le pop art rompt avec l'idée d'une œuvre d'art à la suite d'un processus complexe, long et difficile, qui privilégie le principe de la reproduction multiple.

Pour cette raison, ils ont mis en œuvre des techniques absolument inhabituelles dans le domaine des beaux-arts, telles que la sérigraphie, bande dessinée avec ses vignettes et son style de ligne, quelques techniques de publicité et de production de masse, ainsi que collages et photographies.

Certains artistes étaient plus radicaux et produisaient événements et des spectacles interactifs, portant un coup contre la collection et la marchandisation de l'art.

Incongruité

L'univers des symboles qu'offrait le pop art n'était pas très facile à assimiler pour les intellectuels de la vieille école, et, de plus, les artistes pop n'avaient pas de position unique sur ce qu'ils représentaient, ce qui rendait difficile Choses. Par conséquent, leurs objectifs n'étaient pas nécessairement clairs. Ont-ils critiqué la consommation? Ont-ils validé la consommation? Ont-ils profité des circonstances? Ils ont ainsi créé des images apparemment incongrues et provocantes.

Humour

Comme il ne se voulait pas un art intellectuel, le pop art était aussi un mouvement plein d'humour et de clins d'œil complices au spectateur.

Loin des positions entichées des grands théoriciens et intellectuels du médium, les artistes pop ironisent et se moquent de l'ordre environnant. C'était peut-être une façon différente de critiquer.

Provocation

Tout cela a rendu le pop art provocateur, provocateur, controversé. Par exemple, en remettant en cause l'idée d'originalité, ils ont aussi remis en cause la supériorité du génie créateur, figure à laquelle on rend hommage depuis la Renaissance. Ils ont aussi questionné le rôle des critiques, des historiens de l'art, la notion de musée, les critères de sélection, les principes de la muséographie...

Mais au-delà de tout ce qui fait le pop Art, il est évident que rien ne survient par génération spontanée, et qu'avant que les artistes pop formulent cette programme esthétique, les générations précédentes créaient les conditions de cette authentique révolte des signes artistique. Voyons quel était son parcours et quelles relations le pop art avait dans le contexte créatif des années 1950.

Fond de pop art

Les influences de pop Art on les retrouve dans des courants comme le dadaïsme, apparu dans la première vague des mouvements d'avant-garde. C'est un mouvement culturel qui remet en cause l'ordre rationnel positiviste et qui, notamment en peinture, se distingue pour avoir proposé de nouvelles techniques telles que la prêt à l'emploi, une technique qui consistait à prendre des objets du quotidien, à les intervenir et à les transformer en objets aptes à être exposés dans un musée, sans cacher leurs caractéristiques ou leur origine.

Plus près dans le temps, un moteur direct clé était le Groupe indépendant, connu sous l'acronyme de son nom anglais IG (Groupe indépendant).

L'IG a émergé en 1952 à l'Institute of Contemporary Art de Londres et a été actif jusqu'en 1955. Au cours de cette période, la Grande-Bretagne, comme d'autres pays pleinement industrialisés d'Europe, connaît la croissance d'une culture populaire urbaine différente, après le rationnement et l'austérité de la seconde guerre monde.

De nombreux artistes ont participé à ce groupe. Cependant, c'est l'Italien Edouardo Paolozzi qui devient une référence fondatrice de la pop Art après la première séance d'IG. En cela, Paolozzi a projeté plusieurs collages qu'il avait fait à partir de magazines au moyen d'un projecteur opaque. La première image était la collageJ'étais le jouet d'un homme riche (J'étais un jouet d'homme riche), dans lequel le mot "pop" est utilisé pour la première fois, d'où le mouvement tirerait son nom.

Dans ce contexte, l'IG a débattu pour la première fois dans le milieu artistique du problème de la culture de masse et de ses implications dans la définition de la culture telle qu'elle avait été conçue jusqu'alors. Pour eux, cela les a aussi obligés à repenser la notion d'art actuel.

Dans le même temps, aux États-Unis, des changements cruciaux se produisaient dans le monde de la culture, rompant avec tout imaginé jusqu'à présent, sans la direction de ceux impulsions.

En ce sens, un précédent d'une importance vitale pour le pop art a été constitué par la célèbre œuvre 4'33'', du compositeur John Milton Cage. Ce travail consistait en l'exécution d'une partition d'une durée de 4 minutes et 33 secondes, dont la seule indication écrite était le mot "tacet" (silence).

Selon l'interprétation de certains, la proposition de Cage visait la perception du bruit environnemental produit par le public comme une œuvre d'art musical. Sans aucun doute, il s'agissait d'une révolution absolue, où la musique avait pris les devants de manière inattendue, remettant en cause le sujet fondamental de sa discipline. Que feraient les arts plastiques ?

Dans un premier temps, ils réagiraient contre l'intellectualisation de l'art et l'insaisissance des artistes établis face aux réalité contemporaine envahissante, traits que cette génération attribue surtout à l'expressionnisme abstrait de Jackson Goberge. Ainsi, la nouvelle génération d'artistes s'appropriera l'idée de Cage: éliminer la distance entre l'art et la vie. Voyons pourquoi et pourquoi ils l'ont fait.

Pourquoi et pour quoi est né le pop art ?

Les caractéristiques du pop art que nous avons exposées montrent que ce mouvement avait un sens profond, contrairement aux phrases qui l'accusent d'être superficiel.

Ce mouvement peut être vu comme un art sans compromis, mais parfois cette affirmation peut être injuste. C'est vrai qu'il a une forte charge visuelle, c'est vrai qu'il n'est pas scandalisé par les symboles de la culture de masse, mais il y a aussi un sens au fond.

Dans le cas très particulier des artistes américains. Ils étaient intéressés à enquêter sur l'essence ultime de l'américanisme au milieu de ce tour de vis qui signifiait le passage à la société de masse. Parallèlement à cela, ils ont également essayé de redécouvrir la peinture figurative que l'expressionnisme abstrait avait cachée derrière la garde-robe.

Mais de manière générale, il était clair pour les artistes pop du monde entier que l'ironie leur permettait de montrer que le Le matérialisme et la vulgarité participent à l'ordre hégémonique que le camp de masse établit entre 1950 et 1970.

En même temps, ils ont reconnu ce que les nouveaux symboles avaient d'une manifestation claire et continue de valeurs. cultures en transformation, ce qui leur a souvent permis d'observer les nouvelles icônes sans porter de jugement sur valeur.

Au sens large, par l'incorporation des symboles de la société de consommation, le pop art a non seulement élargi le répertoire des thèmes iconographiques de l'art, mais qui prend position sur deux choses: la remise en ordre de la société de consommation et le refus des élites intellectuelles de reconnaître que ce phénomène traverse l'ensemble de la société. culture.

Ainsi, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman ou Batman étaient tellement « culturels » et dignes d'attention pour leur monde contemporain comme le répertoire des aphrodites, vénus, adonis, apollos, vierges, saints, porteurs d'eau, bergers, paysages, rois et personnalités du siècle XVI.

Meilleurs artistes

Andy Warhol (1928-1987)

Il était un important artiste plasticien, illustrateur et cinéaste nord-américain. Il était chargé d'appliquer les principes du marketing et de la publicité à la sphère de l'art. Avec cela, il a ouvert la voie au développement du pop art.

Il a forgé l'une des phrases les plus célèbres de l'histoire de l'art, aujourd'hui réalisée grâce aux nouvelles technologies de l'information: « Demain, tout le monde sera célèbre pendant 15 minutes. Parmi ses œuvres les plus marquantes, on peut citer la série Boîtes de soupe Campbel et les portraits sérigraphiés de personnalités publiques telles que Marylin Monroe, Mao Tse Tung et lui-même.

Voir également 7 œuvres emblématiques d'Andy Warhol.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Peintre, graphiste et sculpteur. Il a appliqué la technique de la bande dessinée aux arts plastiques conventionnels, obtenant ainsi la reconnaissance de la nouvelle culture visuelle dans le monde de l'art. Il a également utilisé d'autres techniques telles que la sérigraphie et collage. Ses œuvres sont particulièrement célèbres Le bisou Oui Wham !.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Il a commencé sa carrière de peintre sous l'égide de l'expressionnisme abstrait, mais au milieu de sa vie il a commencé à explorer le langage et les possibilités du pop art, jusqu'à ce qu'il devienne l'un de ses plus importants représentants. Il se distingue par l'association de matériaux insolites dans les arts plastiques, pouvant même impliquer de combiner peinture et sculpture, gravure de photographie performance. Cette technique est devenue connue sous le nom de combiner. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent: la série Mémoire et la série Rétroactif.

Jasper Johns (1930)

C'est un artiste plasticien américain dans lequel les éléments du pop art ainsi que l'expressionnisme abstrait, le minimalisme et le néo-dadaïsme sont visibles. Sa technique de prédilection est l'encaustique. Dans un chapitre de Les Simpsons Appelé « Mom and Pop Art » ou « The Art of Dad and Mom » (dans sa traduction hispano-américaine), Jasper Johns apparaît comme l'un des artistes avec qui Homer se lie d'amitié. À la fin du chapitre, on le voit voler des matériaux pour ses œuvres. Parmi ses pièces les plus connues, on peut citer Trois drapeaux Oui Diane aux quatre visages.

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