Les 10 principaux courants artistiques: quels sont-ils ?

Gombrich disait dans sa grande Histoire de l'Art que l'art n'existe pas, seuls les artistes. Dans une certaine mesure, c'est tout à fait vrai, puisque chaque créateur exprime à partir de son propre monde, unique et intransmissible. Cependant, il n'en est pas moins vrai que les artistes ne peuvent échapper à leur temps. Chaque expression artistique est donc soumise à un contexte spécifique et, peu importe à quel point l'artiste essaie de s'en dissocier, il y reste plus ou moins soumis.

Ensuite, nous allons faire un résumé pratique de ce que sont les principaux courants artistiques de l'histoire de l'art. Cet article n'est qu'un aperçu de base; Rappelons-nous que rien n'est noir ou blanc et qu'il existe un grand nombre de nuances. Toutes les cultures et toutes les époques ont exprimé l'art d'une manière ou d'une autre.

Il est difficile de résumer dans un si petit article les caractéristiques essentielles de chacun d'entre eux, mais nous allons essayer de donner un aperçu qui peut s'avérer pratique lorsqu'il s'agit de comprendre l'évolution de l'art à travers l'histoire. Comme point, disons que

Nous avons concentré l'article sur l'art occidental, car il est totalement impossible de résumer l'expression artistique universelle en si peu d'espace.. Nous espérons que vous trouvez cela utile.

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Qu'est-ce qu'un courant artistique ?

Les courants artistiques (appelés aussi mouvements artistiques) sont l'ensemble des créations qui partager le contexte et une série de caractéristiques esthétiques, ainsi que des objectifs idéologiques déterminé. Suivant cette définition, on pourrait aussi appeler courant artistique l'art créé par les grandes cultures antiques, comme l'Égypte, la Grèce ou la Mésopotamie.

Cependant, ce n'est pas tout à fait correct. Dans les civilisations susmentionnées, il n'y avait pas d'autre possibilité de création; c'était l'expression authentique de la culture dans son ensemble, il est donc quelque peu risqué de l'appeler un courant artistique. Par conséquent, nous allons commencer notre voyage à partir des derniers siècles du Moyen Âge, lorsque les différents les mouvements culturels commencent à se succéder rapidement pour aboutir à la mosaïque de styles qui s'est produite au XIXe siècle et au XX

1. le roman

Le roman est peut-être le premier style entièrement européen, avec des caractéristiques globales très spécifiques.. Et, s'il est vrai qu'il ne s'agissait pas d'un style aussi homogène que d'autres tendances ultérieures, comme le baroque ou le Le romantisme, il est vrai que sous toutes les latitudes de l'Europe il partage une série d'éléments qui en font plus ou moins un style compact.

L'art roman apparaît vers les XIe et XIIe siècles en Bourgogne; précisément, dans l'abbaye de Cluny. De là, il s'est répandu dans le reste de l'Europe, où chaque territoire l'a baigné de ses propres caractéristiques. On ne peut pas faire une analyse complète de ce qu'est le roman, mais on peut résumer que, architecturalement, il comprend des éléments de construction romans (d'où la nom qui lui a été donné au XIXe siècle) et que ses bases sont l'arc en plein cintre, la voûte en berceau et la voûte d'arête, parmi de nombreux autres éléments constructif.

Le roman architectural obéit au besoin d'unification de la liturgie en Europe et à l'apparition d'églises dites de pèlerinage, à la structure bien particulière. Dans les édifices romans, la sculpture est généralement subordonnée à l'architecture, et on trouve une plus grande profusion de décoration sculpturale sur les tympans et sur les archivoltes des portes.

D'autre part, la peinture romane s'inspire des icônes byzantines venues d'Orient avec les croisades, ainsi que des miniatures mozarabes. Ce sont des peintures hiératiques, très irréalistes, dont l'objectif principal était de transmettre un message, pas de copier la réalité. Pour cette raison, dans les espaces picturaux romans, il n'y a ni perspective ni volume, et les éléments terrestres sont mélangés avec le ciel et l'enfer, dûment séparés par des bandes de couleurs vives.

2. le gothique

Le prochain style entièrement européen était le gothique. Particulièrement uniforme était le soi-disant gothique international, qui s'est développé au XIVe siècle et a récupéré les fonds dorés byzantins avec des figures idéalement stylisées. Dans le gothique, les représentations commencent à s'imprégner de réalité, et les figures tendent à devenir plus humaines. C'est le temps des villes, de l'agitation du commerce, des grandes cathédrales. Les Vierges Gothiques commencent à être de vraies mères, très éloignées des Vierges Theotokos ou Vierges du trône, hiératiques, qui n'interagissent pas avec l'Enfant. En revanche, le Crucifié, à la fois pictural et sculptural, se naturalise et commence à manifester de la douleur.

L'élément le plus caractéristique du gothique sont, bien sûr, les cathédrales. Le langage architectural de ces bâtiments est très nouveau; Malgré cela, Giorgio Vasari, au XVIe siècle, qualifie ces constructions de « barbares » (gothiques). Arcs-boutants et arcs-boutants se multiplient, destinés à donner de la stabilité à un édifice de plus en plus haut et de plus en plus percé (les merveilleux vitraux gothiques). Il est important de rappeler qu'au même titre que l'art roman, les édifices gothiques ont été complètement polychrome, un fait qui matérialise le grand amour que le Moyen Âge portait aux tons chromatiques allumé.

3. Renaissance

Si la culture classique n'a pas été oubliée au Moyen Âge, c'est à la Renaissance qu'elle récupérer consciemment les préceptes classiques, comme les traités d'architecture du romain Vitruve (1er siècle). Je un. c.). C'est aussi à cette époque que l'artiste s'intellectualise, qu'il commence à être perçu comme quelque chose de plus qu'un simple artisan.

La Renaissance commence à Florence au début du XVe siècle, avec des œuvres telles que les portes du baptistère ou le magnifique dôme que Brunelleschi a conçu pour la cathédrale., dont le diamètre n'avait pas été atteint depuis la construction du Panthéon au premier siècle de notre ère. c. Les architectes s'inspirent des constructions de l'Antiquité, tandis que les peintres, en l'absence de modèles (Pompéi et Herculanum n'avaient pas encore été découverts) s'inspirent des fresques qui décorent la Domus Aurea de Néron.

Pourtant, l'innovation la plus importante de la Renaissance était la perspective mathématique, codifiée par Leon Battista Alberti (1404-1472) dans son traité De pictura, pour lequel il s'inspire des idées de Brunelleschi. Dès lors, la peinture se voudra une fenêtre ouverte sur le monde, où la perspective s'obtient par un point de fuite unique où toutes les lignes convergent.

4. Baroque

Dans les dernières années du XVIe siècle, la Renaissance est complètement épuisée et, au contraire, Le maniérisme apparaît, qui en peinture se caractérise par un allongement et une stylisation du Les figures. Mais au début du siècle suivant, un nouveau courant esthétique commence à envahir l'Europe de la contre-réforme: le baroque.

On peut dire que le baroque est l'enfant de la Contre-Réforme de l'Église catholique, qui avait besoin d'un véhicule d'expression pour sa foi.. L'objectif était de maintenir les fidèles dans l'Église romaine et de les empêcher de migrer vers le luthéranisme. La langue baroque est donc le reflet de cette volonté; En peinture, l'émotion est favorisée par la représentation de la souffrance. Les légendes bizarres des saints, contre lesquelles prêchaient les protestants, sont éliminées et les figures sacrées sont représentées avec leurs attributs. La religion est abaissée au peuple, et des personnages bibliques apparaissent dans des scènes quotidiennes, dont les modèles sont directement tirés de la réalité.

En architecture, on peut dire que le baroque est encore très classique, surtout en France. Le château de Versailles est un excellent exemple de cet élégant classicisme français. En revanche, et comme il arrive souvent dans tous les styles, chaque territoire donne naissance à un baroque différent: dans les Provinces-Unies, par exemple, où il n'y a pas et à l'Église catholique et où les mécènes sont les bourgeois des villes, se développe une peinture intime, dont le représentant maximal est Johannes Vermeer.

5. rococo

Traité à tort comme un prolongement du baroque, le rococo est une véritable expression de la première moitié du XVIIIe siècle, le siècle des Lumières. Main dans la main avec des philosophes éclairés, ce style célèbre la douceur de vivre, l'intimité, le confort de la maison et tout ce qu'il y a de beau au quotidien.

C'est pourquoi les motifs rococo sont gais, festifs, pas du tout dramatiques: scènes pastorales, bucoliques, mascarades, galantes, coquettes, etc. En un mot: le rococo c'est la joie de vivre, la joie de vivre, des classes aisées de l'Ancien Régime.

6. Néoclassicisme

À bien des égards, le néoclassicisme marque une rupture avec le rococo. Émergeant également en France, comme son prédécesseur, ce courant esthétique est l'expression parfaite de la nouvelle République française: un style sobre, austère, harmonieux et républicain. Le néoclassicisme s'inspire, bien sûr, de l'art classique. En peinture, il a une préférence pour les thèmes grandioses et solennels, qui servent de modèle de vertu au peuple; de bons exemples en sont les toiles de Jacques-Louis David (1748-1825), le grand peintre néoclassique. D'autre part, l'architecture néoclassique est pratiquement une imitation des anciens temples grecs et romains; il suffit de contempler l'église de la Madeleine à Paris pour s'en rendre compte.

Le style néoclassique a connu son apogée à l'époque napoléonienne, puisque son esthétique romaine et martiale convenait très bien à l'empire que le Grand Corse avait créé.. Après la chute de Napoléon, les formes néoclassiques sont devenues obsolètes et, malgré le fait que leur esthétique est restée très vivante (surtout, dans architecture) tout au long du XIXe siècle, dans les premières décennies du siècle les premières expressions de la Le romantisme.

7. Le romantisme

Dans l'histoire de l'art, il est courant qu'un style naisse en partie comme une réponse au style précédent. Et, bien que rien ne soit noir ou blanc et qu'il y ait de nombreuses nuances à cette affirmation, nous en trouvons la preuve dans des cas tels que la naissance du romantisme. Alors que le néoclassicisme était une apothéose de l'empire républicain, d'abord, et de l'empire romain, plus tard, avec tous les discipline que cela implique, le romantisme est né comme une justification de la subjectivité humaine et, par conséquent, de individu. L'art ne sera plus jamais vu, du moins exclusivement, comme quelque chose de soumis au pouvoir; c'est l'artiste qui crée, c'est lui-même qui donne lieu à l'expression artistique. Le créateur authentique est contre l'Académie et toutes les normes corsetées qui étranglent l'art.

Tous les courants ultérieurs qui exaltent l'individualisme créateur s'abreuvent au romantisme: les préraphaélites, les symbolistes, les expressionnistes et, bien sûr, les surréalistes.. Dans le cas de ces derniers, ils explorent jusqu'à la limite les profondeurs de la psyché humaine, ce que le romantiques cent ans auparavant en représentant des mondes oniriques, terribles, pleins de spectres, de tombeaux et d'images fruit de la délire. D'autre part, le courant romantique attache une grande importance à la patrie et à la nation, tant qu'elle est constituée d'individus qui décident, et tend à idéaliser le passé des nations et à le transformer en légende.

8. réalisme et naturalisme

Vers 1850, le romantisme commence à expirer. C'est le temps du positivisme, des avancées technologiques, de la deuxième révolution industrielle. Dans les villes, les usines se développent et les misérables qui vivent dans des conditions inhumaines se multiplient. C'est alors que l'art commence à oublier les mondes idéaux proclamés par les romantiques et s'intéresse aux problèmes et conflits sociaux.

Dans les arts plastiques comme dans la littérature, le thème récurrent est la dénonciation sociale. Des ouvriers affamés qui quittent les usines comme des fantômes; enfants en lambeaux et sales; des prostituées, des mendiants, des blanchisseuses, des jeunes sans avenir. Le réalisme est donc attaché à la réalité sociale..

Plus tard, l'intérêt grandissant pour la psychologie fait évoluer le courant réaliste vers le naturalisme, qui pousse à la limite l'objectivité et l'observation. L'artiste naturaliste, magnifiquement représenté en littérature par Émile Zola (1840-1902), voit réalité comme un laboratoire de recherche, où les créatures agissent en fonction des stimuli du moitié. Dans cet art hautement scientifique, il n'y a donc pas de place pour la subjectivité, encore moins pour la beauté elle-même.

9. Les courants de l'esthétisme

En réponse à cet art devenu science et qui ignore la beauté du monde, une série de courants sont apparus à la fin du XIXe siècle qui proclamaient l'art pour l'art. C'est le cas de la confrérie préraphaélite, de la décadence, du parnassianisme, du symbolisme et de l'Art nouveau, plus connu dans les pays hispaniques sous le nom de modernisme.

Nous ne pouvons pas parler de tous ces courants ici, mais nous pouvons souligner ce qu'ils ont en commun: une aversion forcée au positivisme, au progrès technologique, aux usines, au progrès scientifique en tant que castrateur de la beauté. Dès lors, tous ces courants esthétiques voudront revenir à l'art comme créateur exclusif de beauté.

10. les avant-gardes

Là encore, on ne peut pas parler de toutes les avant-gardes qui ont proliféré durant les dernières années du 19e siècle et les premières décennies du 20e siècle, mais on va au moins essayer de les nommer. Les avant-gardes officielles apparaissent au début du XXe siècle. Le premier d'entre eux est considéré comme le fauvisme, un courant qui valorisait la couleur comme moyen d'expression subjective et non comme imitateur de la réalité. Après les Fauves, qui ont tenu leur première exposition en 1905, les avant-gardes se succèdent si rapidement que certaines d'entre elles se chevauchent: expressionnisme, futurisme, cubisme, dadaïsme, surréalisme...

L'avant-garde est la principale caractéristique de l'art du XXe siècle. Il s'agit d'une série de mouvements qui vont à l'encontre des normes établies, des groupes d'artistes aux caractéristiques communs qui se réunissent pour former une sorte d'école picturale, généralement avec un manifeste idéologique de base. Actuellement, nous vivons dans une nouvelle ère d'individualité qui rend les courants artistiques brouiller et fragmenter en mille morceaux, on ne peut donc guère parler de courants, mais de artistes. Mais est-ce que peut-être, au fond (et comme disait Gombrich) il n'en a pas toujours été ainsi ?