Gustav Klimt: biographie du peintre le plus important de la Sécession viennoise

Il est mondialement connu pour ses peintures d'un or presque onirique et pour ses figures de belles femmes qui semblent avoir échappé à une apparition nocturne. En effet, le style innovant et révolutionnaire de Gustav Klimt, le peintre le plus important de l'appel Sécession viennoise, fascina et scandalisa Vienne à la fin du XIXe siècle. La fascination, due à la beauté énigmatique de sa nouvelle manière de peindre. Le scandale, dû à son manque de pudeur lorsqu'il s'agissait de capturer la vérité ouverte sur toile ou sur papier (comme le démontrent les peintures pour l'Université de Vienne), ainsi que ses femmes nues dans des attitudes érotiques qui portaient un coup dur à la société rigide Venez-vous à.

Si vous souhaitez connaître la vie de ce génie de l'Art nouveau en Allemagne (connu sous le nom de Jugendstil) et leader de ce qu'on appelle Sécession, continue de lire. Son parcours de vie, ainsi que sa création artistique, ne vous laisseront pas indifférent.

Brève biographie de Gustav Klimt, le grand peintre de la Sécession

L'imagination et le génie créatif de Gustav Klimt l'ont amené à exécuter ses œuvres à travers diverses techniques: de la feuille d'or, peut-être son élément le plus caractéristique, à l'huile et à la détrempe; Tout médium était propice à vomir toute sa créativité incessante. Il en résulte des œuvres qui ne laissent jamais indifférent, car elles semblent surgir de nulle part, peut-être des apparitions spectrales ou provenir d'un rêve merveilleux mais éphémère.

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Les premiers pas: la « Compagnie des Artistes de Vienne »

Né en juillet 1862 à Vienne, fils d'un père d'origine bohème voué à l'artisanat, Dès son plus jeune âge, le jeune Klimt manifeste un intérêt et un talent évidents pour l’art.. En 1876, il obtient une bourse pour se former à l'École des Arts et Métiers de Vienne, liée au Musée Royal Impérial d'Art Autrichien; Avec un camarade de classe de l'académie (Franz Matsch) et avec son frère Ernest (qui y avait également été admis) il fonda une sorte de confrérie qu'il nomma la Compagnie des Artistes (Künstler-Compagnie).

La jeune entreprise se spécialise, dans un premier temps, dans la décoration des murs et plafonds des théâtres et autres édifices de l'empire. Certaines de leurs œuvres les plus remarquables (pour lesquelles ils étaient très appréciés) étaient des peintures pour le théâtre. de Reichenberg, ou la série d'œuvres commandées pour la décoration du château de Charles Ier de Roumanie.

Ces œuvres de jeunesse, bien que vraiment belles, n'ont rien à voir avec le style pour lequel on connaît l'artiste. Ce sont des peintures à l'influence académique évidente qui mélangent parfois des éléments proches de l'Art Nouveau, mais elles ne sont en aucun cas aussi nouvelles et surprenantes que les œuvres pour lesquelles Klimt entrerait dans l’histoire.

De cette période La série de peintures que l'artiste a réalisée pour les volumes de Allégories et emblèmes (1883), commandé par Martin Gerlach, où il représente différentes allégories liées à l'art. On y observe déjà un changement dans le style et la conception artistique du peintre, qui l'éloignera de plus en plus de l'académie et finira par germer dans le mouvement de la Sécession viennoise, une voix qui s'élèvera haut et fort contre l'art corseté. officiel.

La série se démarque notamment par son allégorie de la sculpture. Suivant la tradition classique, Klimt la présente sous la forme d'une jeune femme, ici nue, reflétant l'archétype de la femme séduisante qui imprégnera plus tard sa peinture. La allégorie de la sculpture est clairement influencé par les prérafélites et pour une coupe clairement néoclassique, que l'on peut voir dans la frise grecque, le buste et le Spinario qui accompagnent la femme.

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Un changement de style

Au milieu des années 1890, Klimt expérimentait déjà un nouveau style. Les peintures murales de la salle de cérémonie de l'Université de Vienne, commandées par le ministère de D'éducation impériale, ils accusaient déjà ce nouveau style qui allait être caractéristique du peintre, donc ils sont rejeté. Le client trouvait les allégories des facultés (philosophie, théologie, médecine et droit) trop « sombres », très éloignées de l'idéalisation traditionnelle de ce type de représentations.

La vérité c'est que Nous ne pouvons pas juger de nos propres yeux à quoi ressemblaient ces peintures, car elles ont malheureusement pris feu en 1945., lorsque le palais d'Immendorf (à 50 kilomètres de Vienne), où ils étaient conservés, a brûlé. Seules quelques photographies en noir et blanc ont survécu, qui ont d'ailleurs permis de créer avec l'intelligence artificielle une reconstitution de ce à quoi devaient ressembler les œuvres originales.

Il semble que Klimt ait été irrité par un tel rejet et, à partir de ce moment-là, il n'a plus accepté de commandes officielles. Cependant, son nouveau style était déjà né; L'artiste se sent assez éloigné des préceptes qui l'ont conduit à fonder la Compagnie des Artistes. En 1892, la mort prématurée de son frère Ernest, autre fondateur du groupe, accentue le fossé et, en Mai 1897 Gustav quitte l'association et fonde avec d'autres peintres dissidents une formation indépendant. La Sécession viennoise venait de naître.

La Sécession viennoise et l'art de la Vienne fin de siècle

La première exposition de la Sécession nouvellement fondée (avec un nom suffisamment explicite) a eu lieu en 1898, à la Société Horticole de Vienne. Le nouveau groupe artistique est formé, outre Klimt (son premier président), par d'autres artistes tels que Kolo Moser (1868-1918), Josef Hoffmann (1870-1956) et Joseph Maria Olbrich (1867-1908).. Ce dernier fut également l'architecte à l'origine du célèbre bâtiment de la Sécession situé à Vienne, qui devait accueillir les expositions du groupe.

La Sécession viennoise doit s'inscrire dans un mouvement beaucoup plus large, à caractère européen, universellement connu sous le nom d'Art Nouveau et qui reçut des noms variés selon les pays. Ainsi, il ferait le lien avec le Jugendstil allemand, le modernisme espagnol ou liberté en Angleterre. En général, il s’agissait de mouvements qui rejetaient catégoriquement la nouvelle ère de production et de consommation et Ils se tournent vers un style proche de l’artisanat traditionnel et un mélange de styles et d’expressions. culturel. Malgré cela, la Sécession viennoise est beaucoup plus sobre que le modernisme d'autres latitudes, et dans l'architecture on constate une prédominance de la ligne droite qui prône le rationalisme futur.

Dans le cas spécifique de notre protagoniste, son œuvre Judith Ier, réalisé en 1901, est très significatif.

Pour beaucoup, il représente le début de ce que l'on appelle la « période d'or » de Klimt, caractérisée par des fonds dorés et un symbolisme fort. En 1902, le peintre réalise le célèbre Frise Beethoven pour le pavillon d'exposition Sécession, peu avant le début de la 14e exposition du groupe et pour lequel il est sévèrement critiqué. La sinuosité des personnages plats et leur anatomie inquiétante sont qualifiées de « dégoûtantes » et l’exposition est un échec. Il était évident que le grand public n’était pas encore préparé au coup de modernité et de génie que représentait l’art de Klimt.

Femmes et rêves sur fond doré

La figure féminine, tantôt érotisée, tantôt transformée en apparition ou en rêve, est un thème central de l'œuvre de Gustav Klimt. L'oeuvre Judith Ier, avec laquelle nous avons évoqué le début de sa « période d'or », représente une femme nue (la Judith biblique), qui sourit presque lascivement et avec une évidente supériorité. Sa peau nacrée est décorée de feuilles d'or qui dessinent de merveilleux ornements et transforment le tableau en une sorte d'apparition de l'au-delà, un magnifique rêve de beauté, de bijoux et de sexe.

Gustav Klimt ne s'est jamais marié, mais il a eu de nombreuses liaisons avec des femmes, principalement des mannequins qui posaient pour ses œuvres; Pas moins de six enfants lui sont connus par trois d'entre eux. Sa relation avec le sexe féminin était particulière et souvent houleuse.. Beaucoup de ses dessins, directs et ouverts d'esprit et certainement beaucoup plus explicites que ses peintures, capturent le la femme comme objet du désir sexuel masculin, d'une manière assez similaire à son contemporain Egon Schiele (1890-1918). Sa manière de traiter le nu, brutale et réaliste, lui valut de vives critiques de son vivant, voire de véritables scandales. Un bon exemple de ceci est La vérité nue, une allégorie de la Vérité où est représentée une femme nue avec des poils pubiens, presque grandeur nature, qui représentait un véritable défi aux normes dominantes de l'art.

Nous avons remarqué que de nombreuses femmes sont passées par la vie et le lit de Gustav Klimt. Mais surtout, Emilie Flöge (1874-1952), sœur de l'épouse d'Ernest, se démarque. Presque tous les biographes de l'artiste s'accordent à dire qu'Émilie fut la femme la plus importante dans la vie du peintre.. Ils se sont rencontrés en 1891, peu avant la mort d'Ernest, et leur relation a duré jusqu'à la mort de Klimt en 1918, même si ces dernières années, elle semble avoir été plus amicale qu'aimante.

Emilie, la muse parmi les muses

Emilie a été un soutien fondamental pour l'artiste. Chaque été, Gustav et la famille Flöge passaient quelques semaines au bord du lac Atter en Haute-Autriche; Lors de ces délicieux séjours au contact de la nature, l'inspiration du peintre renaît. Le résultat de ces jours de vacances sont des peintures de paysages tels que Au lac Attersee (1900). Emilie et Klimt partageaient les journées d'été avec Hélène, la sœur d'Emilie et veuve d'Ernest, et Hélène Louise, la nièce de Klimt, dont il était le tuteur depuis la mort de son frère.

Emilie et ses sœurs ont fondé l'un des salons de mode les plus importants et prestigieux de Vienne, le Schwestern Flöge, situé sur l'une des avenues les plus fréquentées et les plus prestigieuses de la ville. Parmi les caractéristiques essentielles de la mode prônée par cette admirable femme figure le rejet du corset et l'engagement vers des vêtements fantaisie, beaucoup plus amples et confortables. Gustav Klimt a représenté Emilie en 1902 dans une robe somptueuse qui semble tout droit sortie d'un conte de fées et qui, avec son bleu aqueux et ses feuilles d'or et d'argent, rappelle les écailles d'un poisson.

Klimt a peint de nombreuses femmes (parmi elles, la célèbre Adele Bloch-Bauer, protagoniste du célèbre tableau La dame d'or), mais aucune n'a eu autant d'importance dans sa vie qu'Emilie Flöge. En effet, à la mort de l'artiste en février 1918 (victime d'une pneumonie compliquée d'un accident vasculaire cérébral qui avait eu un mois auparavant qui l'avait laissé paralysé), elle était l'héritière de sa succession, avec son sœurs.

Peintre de la vie, de l'amour et de la mort

Peut-être devons-nous attribuer une partie du rejet que les œuvres de Gustav Klimt ont suscité de son vivant à l'effet miroir de ses œuvres. Klimt a montré grossièrement la vie elle-même et, par conséquent, l'amour, le sexe et la mort. Il ne s’agit pas d’œuvres rudes ou déplaisantes (dans le style expressionniste), mais plutôt de délicates compositions dorées et poétiques, rendant encore plus bouleversante la véracité de leur contenu.

Un exemple de cette vision austère est l’un de ses chefs-d’œuvre, Mort et Vie, dont l’artiste a réalisé deux versions. Dans les deux versions, à gauche de l'image on voit la Mort, personnifiée par un squelette habillé, tandis qu'à droite, la Vie est capturée à travers des personnages à moitié nus qui s'entrelacent, dans une presque danse. érotique. Mais dans la première version, la mort baisse la tête, comme honteuse; Dans le second, réalisé vers 1915, il regarde avec férocité non sans amusement la viande qui doit être prélevée, tandis que dans ses mains osseuses il brandit une massue, avec laquelle il portera le coup fatal. Il est logique que la joyeuse société viennoise de la fin du siècle tente d’ignorer un tel message, presque un memento mori de l’époque contemporaine.