Abstractionnisme: découvrez les 11 œuvres les plus célèbres

Or Abstractionism, ou Abstract Art, est un mouvement qui rassemble des productions assez diverses, qui vont des dessins non figuratifs aux tissus exécutés à partir de compositions géométriques.

Visant des œuvres abstraites et mettant en valeur des formes, des couleurs et des textures, révélant des éléments non conciliables et stimulant une lecture du monde à partir d'un art qui n'est pas objectif.

1. Amarelo-Vermelho-Bleupar Vassily Kandinsky

Une toile, datée de 1925, article sans titre os nomes das cores primárias. Il a été peint les cheveux russes Wassily Kandinsky (1866), et se trouve actuellement au Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, à Paris (France).

Kandinsky est considéré comme un précurseur du style abstrait et était un artiste étroitement lié à la musique, à tel point qu'il faisait partie de ses compositions abstraites, telles que Amarelo-Vermelho-Bleu, foram créé à partir de la relation entre la musique, comme noyaux et formes.

Une toile de grandes dimensions (127 cm sur 200 cm) présente diverses formes géométriques (comme des cercles, des rectangles et des triangles) exécutées, surmontées, en noyaux primaires. Le but de l'artiste était d'attirer l'attention sur les effets psychologiques que sont les noyaux et les formes qu'exercent les pessoas.

A ce propos, Kandinsky affirma en hauteur :

« Un cor é um meio pour exercer une influence directe sur l'âme. A cor é une clé; ou olho, ou martelez-le. A l'âme, ou à l'instrument, vous donnez mille cordes. Ou l'artiste est le mien qui, en jouant sur telle ou telle touche, obtient l'âme avec juste vibração. Une âme humaine, touchée, n'est pas le point le plus sensible, répond-il.

2. Numéro 5par Jackson Pollock

Pour habiller Numéro 5 J'ai été élevé en 1948 par le peintre nord-américain Jackson Pollock, qui n'a pas commencé l'année précédente à explorer une toute nouvelle façon de composer ses œuvres.

Sa méthode consistait à verser de l'encre émaillée sur un tissu taché placé dans son atelier. Cette technique a permis de créer un emaranhado de linhas, et plus tard des ganhou ou nome de "peintures par dripping" (ou égouttage, en anglais) Pollock était deux grands noms de l'abstractionnisme.

Depuis 1940 le peintre tinha reconhecimento donne la critique et le public. Pour habiller Numéro 5, feita pas apex da sua carreira, e imensa, possui 2,4 m sur 1,2 m.

L'œuvre a été vendue à un collectionneur privé en mai 2006 pour 140 000 dollars, battant un record de prix pour l'époque - à ce stade, il s'agissait du paiement le plus récent de l'histoire.

3. Insula Dulcamarapar Paul Klee

En 1938, son Allemand naturalisé Paul Klee peint sept grands tableaux au format horizontal. Insula Dulcamara é um desses painéis.

Tous les travaux sont décrits comme carvao le jour, que Klee colou sur le remorquage ou le linho, obtenant ainsi une surface lisse et différenciée. Dans diverses parties, deux painis et sections possibles du salaire utilisées, une surprise agréable et inattendue pour Klee lui-même.

Insula Dulcamara est deux œuvres plus joyeuses du peintre, avec ses accessoires libres, dispersés et avec une forme définie. Le titre de l'œuvre est en latin et signifie « insula » (ilha), « dulcis » (douze, amavel) et « amarus » (amer), et peut être interprété comme « Ilha doce e amarga ».

Un tissu a été élevé au cours des six dernières années de sa vie et, à son égard, Klee deu une déclaration suivante :

"Nous ne devrions pas nous attendre à nous voir impliqués, pas avec des éléments plus indigestes; Il ne reste plus qu'à espérer que les choses les plus difficiles à assimiler ne perturbent ni ne s'équilibrent. De cette façon, la vie est, à coup sûr, plus écrasante qu'une vie bourgeoise très ordonnée. Et chaque um é livre, selon vos gestes, à ou escorte entre ou douze et ou partait deux pratos da balança. »

4. Composition avec Amarelo, Azul e Vermelhopar Piet Mondrian

Composition avec Amarelo, Azul e Vermelho Il a d'abord été peint à Paris, entre 1937 et 1938, mais il a fini par être développé à New York entre 1940 et 1942, lorsque Mondrian a repositionné certaines des belles lignes et accents des autres. Une œuvre retrouvée, depuis 1964, dans aucune collection de la Tate St Ives (Cornwall, Angleterre).

Ou l'intérêt de Mondrian était dans la qualité abstraite. Embora a commencé sa carrière par des œuvres figuratives, comme un temps qui passe ou un peintre investissant dans l'abstraction et, en 1914, il radicalise et élimine pratiquement les courbes de son travail.

Un peintre français a développé une nouvelle forme d'abstraction rigoureuse chamada néoplasticisme, qui se limitait aux lignes de lignes, aux horizons et verticaux, et aux noyaux primaires de base. En général, leurs compositions n'étaient pas symétriques. Uma curiosidade: comme linhas horizontais était généralement peint avant les jours verticais.

Mondrian a estimé que ce type d'art spécifique reflète une vérité plus grande et universelle qu'elle ne précède la peinture figurative.

5. Composition suprématiste, Kazimir Malevitch

Assim comme Mondrian, ou le peintre soviétique Kazimir Malevich a créé une nouvelle forme d'art. OU ALORS Suprématisme né en Russie entre 1915 et 1916. Comme ses confrères abstractionnistes, son plus grand souhait était de nier la présence physique de tout objet. L'idée était d'atteindre la pureté, ou, comme l'a déclaré l'éleveur lui-même, "la suprématie donne une sensation pure".

Assim, a créé une œuvre abstraite Composition suprématiste en 1916, qui présente les caractéristiques essentielles du nouveau style. Cette oeuvre aux dimensions de 88,5 cm × 71 cm et fait partie d'une collection privée.

Une technique se caractérise par l'utilisation de formes géométriques simples et la préférence pour une palette de Egalement des noyaux simples, primaires et secondaires, parfois superposés, d'autres placés côte à côte. côté. O a fondé é quase semper branco nas criações de Malevich, représentant o vazio.

6. O ouro fais firmamentpar Joan Miró

O espanhol Joan Miró était un artiste déterminé à extraire des significations grandioses de formes simples, qui dépendent principalement de l'imagination et de l'interprétation de l'observateur.

C'est le cas de O ouro fais firmament, tableau réalisé en 1967 avec la technique acrylique sur toile et que la page appartient à la collection de la Fundação Joan Miró, à Barcelone.

Dans la composition de Nessa, on voit la prédominance de l'amarelo, un courant lié à la joie, qui enveloppe toutes les formes.

Il y a une grande masse fanée de bleu, qui prend la place de la proéminence, puisque le reste des formes et des lignes semblent couler dans le Seigneur.

L'œuvre O est considérée comme une synthèse du processus créatif de Miró, qui se consacre à la fois à l'investigation spontanée et à la création de formes précises en peinture.

7. Bouteille de rhum et journalpar Juan Gris

Peint entre 1913 et 1914 par le cubiste espagnol Juan Gris, ou oeuvre à l'encre à l'huile sur toile, il appartient actuellement à la collection de la Tate Modern (Londres). Le gris a souvent utilisé des superpositions de noyaux plates et texturées, et Bouteille de rhum et journal C'est un exemple précieux de sa technique.

Ou image, que vous donnez à vos œuvres les plus représentatives, chargez une image à partir de plans angulaires en intersection. Beaucoup d'entre eux sont des étendues de bois du passé, évoquant peut-être un plateau de table, illustrent comment ils se chevauchent et s'imbriquent, niant toute possibilité de perspective liée au réel.

Une bouteille et ou un journal du titre sont indiqués avec un minimum d'indices: quelques lettres, un contour et une suggestion de localisation suffisent à parier sur l'identité de deux objets. Or le quadro avait des dimensions relativement petites (46 cm sur 37 cm).

8. Noir en rouge profondpar Mark Rothko

Considéré comme une peinture tragique en raison des suas cores fortes e funebres, Noir en rouge profondÉlevé en 1957, il s'agit de deux tableaux de la succession ultérieure du peintre nord-américain Mark Rothko. Depuis qu'il a commencé à peindre, dans les années 1950, Rothko almejava a atteint l'universalité, chaque année il a trouvé une forme de plus en plus simplifiée.

Noir et rouge profond Le format caractéristique suit deux œuvres de l'artiste, dont les rectangles monochromes semblent flotter à l'intérieur de deux limites du quadro.

Teignant directement le tissu avec de nombreuses fines couches de pigment et en accordant une attention particulière aux frontières où les champs inter-agences, ou le peintre ont atteint ou l'effet donne de la lumière rayonnant à partir de l'image elle-même.

L'œuvre appartient actuellement à une collection privée qui a été vendue en 2000 pour un montant incroyable de plus de trois mille dollars.

9. Concetto spaziale 'Attesa'de Lúcio Fontana

Une toile pousse sur le visage d'une partie d'une série d'œuvres que le peintre argentin Lúcio Fontana a réalisées à Milan entre 1958 et 1968. Ces œuvres, qui consistent en des tissus coupés une ou plusieurs fois, sont collectivement appelées Tagli ("coupes").

Considéré dans son ensemble, são ou plus vaste et varié groupe d'œuvres de Fontana, et ils passent pour être considérés comme emblématiques de leur esthétique. Ou viser deux furos, c'est, littéralement, briser la surface de l'œuvre pour que le spectateur puisse percevoir ou l'espace qui est além.

Lúcio Fontana a commencé à développer la technique du parfumage des tissus à partir des années 1940. Un artiste plasticien reste, nous dans les années 1950 et 1960, à la recherche de différentes manières de déballer les buracos comme son geste caractéristique.

Fontana face comme fendas avec un drap attaché aux tissus plus tard surnommé avec regard preta forte, donnant l'apparence d'un vazio de dos. En 1968, Fontana a partagé avec un intervieweur :

"Eu a créé une dimension infinie (...) minha descoberta foi o buraco e é isso. Fico heureux d'aller au tumulus depois d'une telle descoberta "

10. Contre-composition VIpar Theo van Doesburg

L'artiste néerlandais Theo van Doesburg (1883-1931) a peint une œuvre jusqu'en 1925, au format carré, en utilisant de l'encre à l'huile sur une toile.

Comme les formes géométriques et symétriques sont disposées avec précaution, avant d'être recouvertes d'encre, les lignes sont dessinées ensemble comme a priori caneta.Contre-composition VI face fait partie d'une collection qui préfère particulièrement une forme diagonale et des tons monochromes.

En plus d'être peintre, van Doesburg est également écrivain, poète et architecte et est lié au groupe d'artistes De Stijl. Ou travailler Contre-composition VI, 50 cm sur 50 cm, a été acquis en 1982 par la Tate Modern (Londres).

11. Méta-schémapar Hélio Oiticica

Le plasticien brésilien Hélio Oiticica nomme diverses œuvres réalisées entre 1957 et 1958 de méta-schémas. Il s'agit de tableaux qui portent des rectangles inclinés peints à la gouache sur un carton.

Il existe des formes géométriques avec des moulures d'une seule couleur (en tout cas ou vermelho), directement appliquées sur une surface lisse et apparemment vide. Les formes s'organisent en compositions denses qui s'assemblent par degrés de pente.

Oiticica a produit essa une série de peintures lorsqu'il vivait et travaillait à Rio de Janeiro. Second ou propre peintre, il est traité comme un "diffusion obsessionnelle de l'espace".

Le foram ou la recherche initiale pontapé pour des œuvres tridimensionnelles plus complexes que l'artiste ne développerait pas à l'avenir. Em 2010, euh Méta-schéma Il a été vendu dans la communauté Christie's pour 122,5 mille dollars américains.

Ou qu'est-ce que c'était ou l'abstractionnisme?

Historiquement, les œuvres abstraites ont commencé à se développer en Europe non pas au début du 20e siècle, ni dans le contexte du mouvement de l'art moderne.

Il s'agit d'œuvres qui n'ont pas vocation à représenter des objets reconquis et ne s'attachent pas à imiter la nature. Dès lors, la première réaction du public et les critiques ont été de rejet des enfants, jugé incompréhensible.

Ainsi l'art abstrait a été critiqué précisément pour sa rupture en tant que modèle figuratif. Ce type de travail n'a pas besoin de se rattacher à la réalité extérieure et à la représentation.

Cependant, au fur et à mesure que le tempo passe, les œuvres forment plus d'huiles et les artistes pourront explorer leurs styles en profondeur.

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