18 œuvres d'art importantes au cours de la dernière année

Car les œuvres d'art sont des manifestations humaines qui cherchent à transmettre des questions, des réflexions et des significations à travers la création d'un produit artistique.

Ces produits sont généralement des são peças sous forme d'objets, de peintures, de sculptures et d'installations. Pendant ce temps, les artistes peuvent également créer une œuvre d'art qui ne se matérialise pas, comme la musique, la danse, les théâtres et les performances. De plus, il a exprimé que ces langages de l'art sont mélangés, créant des œuvres hybrides.

Une histoire est pleine d'œuvres d'art importantes et qui contribuent à comprendre les anseios d'une société, o contexte historique et politique, comme les définitions de ce qui est beau ou pas et le comportement d'un certain population.

1. Vénus de Willendorf

À Vénus de Willendorf C'est une petite statue d'une figure féminine sculptée dans la pierre, datant d'environ 25 000 ans avant JC. C, toujours de l'époque paléolithique.

C'est l'équipe de l'archéologue Josef Szombathy qui s'est réunie en Autriche, dans une ville appelée Willendorf en 1908.

Une sculpture, œuvre d'art préhistorique, présente des signes volumineux et un long quadrille, représentant un idéal de mulher pour cette société, parce que ces attributs sont liés à l'idée de fécondité et abondance.

2. La Joconde - Leonardo da Vinci

La Joconde Il s'agit d'un tableau peint entre 1503 et 1506 par le génie italien Léonard de Vinci (1452-1519). Il est très difficile de classer les œuvres d'art comme « importantes », mais on peut dire que cette toile est considérée comme l'œuvre d'art la plus célèbre au monde.

Une peinture, réalisée à l'huile sur bois, aux dimensions réduites, 77 cm x 53 cm, au musée du Louvre, à Paris.

Dans une première œuvre, j'ai réussi à dépeindre une feição féminine enveloppée de mystère, affichant un léger sourire incompréhensible et un olhar qui peut être interprété à la fois comme de l'abattement et de la sympathie.

Par chance, l'image s'est popularisée, étant reproduite dans divers espaces et gagnant de nombreuses rééditions.

3. Judith décapitant Holopherne - Artemisia Gentileschi

Peinturer Judith décapitant Holopherne (1620), de l'artiste italienne Artemisia Gentileschi (1593-1656), qui fait partie du mouvement baroque et présente un dîner biblique, pas un Ancien Testament.

Le sujet n'avait encore jamais été peint par d'autres artistes, à tel point qu'Artemisia s'est inspirée d'une toile du Caravage pour composer sa version.

Elle a été la première femme à se démarquer en tant qu'artiste à son époque, entre-temps, en tant qu'époque où elle a été créée et à n'être valorisée que depuis les années 1970.

Une œuvre en question et pois importants dépeint un dîner d'un point de vue féminin et est liée à un passage de la propre vie de l'artiste, dans lequel elle a été violée par son mentor, Agostino Tassi. Assim, Artemisia transmet au drap toute sa rébellion et son indignation face à ce comportement masculin.

4. Ou chambre à Arles - Van Gogh

Vincent van Gogh (1853-1890) est l'un des deux artistes les plus acclamés au monde. Ses tissus sont très connus et plusieurs d'entre eux marqueront l'histoire de l'art, comme dans le cas de Ou chambre à Arles. Na realidade, ou peintre a fait trois vers de toile, assez semblables, entre 1888 et 1889.

Au dîner, Van Gogh dépeint sa chambre, alors qu'il vit à Arles, pas en France, où il produit la plupart de ses œuvres.

On peut voir un lit avec deux travesseiros, quelques tableaux au mur, des cadeiras, une janela entrouverte et d'autres détails qui composent votre maison.

C'est une composition avec une palheta intense et vibrante de noyaux, comme c'était typique de son art, et nous Chama a atenção, position de pois ou observateur plus proche de l'artiste, comme partagé par le seu espace.

5. Os fuzilamentos de 3 maio - Goya

O peintre espagnol Francisco de Goya (1746-1828) peint en 1814 Les fuzilaments du 3 mai, une image qui allait devenir deux portraits plus impressionnants et importants de la violence.

Un tissu présente un dîner d'une exécution collective menée par les troupes françaises de Napoleão Bonaparte à Madrid, pendant la guerre dite péninsulaire (1807-1814). São civis espanhóis qui, contrairement à l'avance française, saíram às ruas pour protester contre le covariablement assassiné.

Une peinture, mesurant 266 x 345 cm, représente un cadre historique et influence d'autres artistes qui dépeignent également les horreurs de la guerre, comme Pablo Picasso, sous la forme d'un grand panneau. Guernica.

Les photos du 3 mai peuvent être appréciées au Museo do Prado na Espanha.

6. Ou violon d'Ingres - Man Ray

Ou violon d'Ingres é a feita photographie hair L'artiste nord-américain Man Ray (1890-1976) en 1924. Une image très connue et présente le modèle Kiki de Montparnasse comme les nouvelles côtes, s'exhibant un peu dans nanquim das duas acoustique fendas nous présentent des violons.

Une œuvre de teve comme inspiration pour une peinture néoclassique de Dominique Ingres, intitulée Une banhista de Valpinçon (1808), em que o artiste dépeint impeccablement les rives d'un mulher.

Une photographie, Man Ray, qui montre une partie du mouvement Dada, reproduite lors d'un dîner et comportant un élément faisant référence à violon, suggérant que le corps du mulher en tant que formes de l'instrument, du pois ou de l'artiste était un grand appréciateur de Musique.

7. Café da manhã em pele - Meret Oppenheim

Objet, ous Café da manhã em pele, c'est une œuvre d'art sous la forme d'un objet, comme on l'a dit. Réalisée par l'artiste et photographe suisse Meret Oppenheim (1913-1985) en 1936, elle trace des traits surréalistes.

Il s'agit d'œuvres daquelas qui provoquent un mélange non public de sensations contradictoires, peuvent couvrir un jeu de xícara comme pelé animal, l'artiste présente une contradiction sensorielle et transforme un objet banal en œuvre d'art, en retirant une fonction.

Meret ainda place en questão d'autres réflexions se référant au quotidien et à l'univers des femmes, montrant Un personnage féminin indiscipliné et rebelle qui utilise comme support un objet qui représente l'éducation et la civilité.

L'œuvre se trouve au Museum of Modern Art de New York.

8. à la police - attribué à Marcel Duchamp

L'une des œuvres d'art les plus emblématiques de l'histoire d'A Fonte, attribuée au français Marcel Duchamp (1887-1968). Pendant ce temps, il est actuellement supposé que le travail était l'idée de l'artiste polono-allemande la baronne Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927).

Duchamp est apparu dans une exposition en 1917 et a fait scandale, mais c'est une simple mythologie de la porcelaine qu'il a retracée ou nommée R. Mutt e données.

Quelle que soit l'importance d'un tel travail, cela représente un changement de paradigme pour élever un objet simple à conditionner de l'art, questionnant l'art lui-même et révolutionnant sa production, sa compréhension et son appréciation.

9. Une traição das images - René Magritte

Une autre œuvre importante qui fait partie du surréalisme est Une traição das images, par le Belge René Magritte (1898-1967). Nesse huile sur toile, on observe la figure d'un narguilé et ci-dessous donner une légende"Ceci'est pas une pipe”, Avec une traduction de“ Isto não é um cachimbo ”.

L'ouvrage met en lumière l'histoire de l'art en chargeant une question sur le concept et la représentation.

Ici, l'artiste présente la figure d'un objet et avertit le spectateur que cette image n'est pas ou l'objet lui-même, mais plutôt une représentation de celui-ci. Magritte réalise ainsi un jeu ludique et ironique à partir d'une image et d'un mot.

Une toile, datée de 1929, est aujourd'hui visible au Los Angeles County Museum of Art.

10. Manteau d'apresentação -Arthur Bispo do Rosário

Manto da Apresentação est une œuvre créée par les cheveux brésiliens Arthur Bispo do Rosário (1911-1989) pendant la période où il séjourne au centre psychiatrique Colônia Juliano Moreira, et non à Rio de Janeiro.

Bispo do Rosário était un homem qui souffrait de troubles psychiatriques et a été admis à un jeune âge. Vous avez créé de nombreuses peças en tant qu'objets que vous avez collectés et leur but n'était pas artistique, mais plutôt pour donner du vazão à vos préoccupations.

OU ALORS Manteau d'Apresentação Il est considéré comme son œuvre de plus grande valeur. C'est une sorte de cape toute brodée comme les fios de lençóis do hospital. Nela a fait de nombreuses descriptions de personnes importantes pour lui.

Il a été construit pour être vêtu non du corps de Bispo au moment de son enterrement, constituant un vêtement sacré pour les années passées. En attendant, pariez sur la mort de l'artiste, ou Manto était à l'abri et la page ne se trouvait pas au Museu Bispo do Rosário, pas à Rio de Janeiro.

11. Plate-forme en spiralepar Robert Smithson

Une œuvre de Robert Smithson (1938-1973) plus conhecida é peut-être Plate-forme en spirale, fabriqué dans l'Utah, aux États-Unis, en 1970.

Il s'agit d'une œuvre d'art qui fait partie du chamada land art, ou art de la terre. Le type Nesse de manifestation créative, ou artiste, est utilisé dans la nature pour réaliser de grandes installations intégrées au paysage.

Nessa, feita com rocha vulcanica, sale terra, Smithson crée une spirale se déployant dans le sens inverse des aiguilles d'une montre qui pénètre dans le Grand Lac Salé, un lac d'eaux salées, non à l'ouest des États-Unis.

Sur un land art, ou artiste définit da seguirinte maneira :

Une libération de l'art de l'espace de la galerie et la reconnaissance des structures géologiques de Terra en tant que forme d'art monumentale qui ne rentre pas dans un musée.

12. ou banquet - Judy Chicago

Vers l'installation OU ALORSbanquet (Le dîner) L'artiste américaine Judy Chicago (1939-) a été réalisée en 1974.

C'est l'œuvre la plus connue de l'artiste et représente un symbole du mouvement féministe. Já a été exposé dans divers pays et vu par plus d'un millier de personnes.

Il se compose d'une table triangulaire de 14 x 14 m, avec 39 prairies ornées de pompons, fleurs et vulves, talheres et garde-corps.

Il y a 13 places de chaque côté du triangle, ce qui représente la même chose. Les lieux ne sont pas brodés de femmes significatives de l'histoire, des deuses mythiques aux personnalités. C'est ainsi qu'un banquet est prêt à être servi, en attendant que les femmes viennent.

13. Détour vers o vermelho - Cildo Meireles

Oeuvre de l'artiste brésilien Cildo Meireles (1948-), Détour vers o vermelho C'est une installation idéalisée en 1967, mais elle a sa version définitive en 1984.

Une œuvre qui se démarque dans l'art contemporain brésilien et qui dessine une forte charge dramatique ou crée des environnements qui stimulent les sens, posent des questions et provoquent un malaise non public.

Il s'agit d'un local où un cor vermelha est imprégné dans tous les objets, suggérant paixão e violência. Pour motiver son éducation, l'artiste perdu est devenu un de mes amis, un homme mort. Assim, c'est une installation qui trace avant tout un caractère politique.

Il est actuellement monté à l'Institut d'Art Contemporain d'Inhotim, dans le Minas Gerais.

14. Maman - Louise Bourgeois

Il s'agit d'une série de sculptures de l'artiste française Louise Bourgeois (1911-2010) qui représente un immense aranha. Un artiste a produit six aranhas.

Avec de grandes proportions (3 mètres de haut), l'un d'eux se trouve à divers endroits au Brésil.

Maman, qui en français signifie mãe, représente ou lien entre Bourgeois et sa mãe, ses expériences dans l'enfance, une année qui semble être liée à des objets tels que agulha et ato de tecer.

Louise explique pourquoi représenter ma propre voie :

Un ami minha melhor était minha mãe, qui était si intelligent, patient, asseada et utile, raisonnable, indispensable comme un aranha. Elle-même savait se défendre.

15. Comme duas Fridas - Frida Kahlo

Duas fridas Il s'agit d'une peinture mexicaine de Frida Kahlo (1907-1954) datant de 1939, faisant partie des œuvres les plus célèbres de la. Une image d'un autoportrait qui traçait une figure dupliquée de l'artiste, assis à côté ou à côté d'un autre.

Na tela, artiste peintre cherche à synthétiser son identité, marquée par l'influence européenne et les origines indigènes latines. Frida da esquerda porte une robe blanche de style vitorien et une da direita est vêtue de vêtements typiquement mexicains.

Comme deux exibem ou coeur et sont liés à une artéria. Ou plan au sol et une couverture de nuvens chargés et pouvant symboliser l'univers intime ou perturbé de l'artiste.

Ou carré avec des dimensions de 1,73 x 1,73 cm et peut être vu dans le Musée d'Art Moderne de la Ville de Mexico.

16. Ironia do Policial Negro - Basquiat

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) était un important artiste noir nord-américain avec une production puissante et convaincante. Iniciou sa carreira na arte de rua et, plus tard, ganhou comme galeries.

Son œuvre la plus célèbre est Ironie de la police noire, peint en 1981 dans un style néo-expressionniste.

Nela a une critique évidente de l'institution policière et du racisme aux États-Unis. Basquiat tire une contradiction et une ironie du fait qu'il n'existe aucun fait qu'un homem noir fasse partie d'une institution connue pour exercer une oppression contre la population noire.

En attendant, l'artiste suggère que la police peut signifier une forme de manipulation, d'oppression et par la même occasion l'opportunité de travailler pour cette même population.

17. Pièce coupée - Yoko Ono

En 1964, l'artiste japonaise Yoko Ono (1933-) apparaît à New York, l'une des performances les plus marquantes de sa carrière.

Nessa ação, intitulé Pièce coupée, l'artiste se positionne assis devant une plateia, il est à côté d'un trésor et invite les participantes à couper progressivement leurs robes.

De plus, Yoko se met à la disposition de tiers, travaillant sur des questions de vulnérabilité et sur ce qu'elle est d'être une femme.

Une performance a été réalisée lorsque l'artiste faisait partie du groupe Fluxus, composé d'artistes de diverses nationalités et qui a produit des innovations importantes dans l'univers artistique.

En tant que propriétaire de ce type d'action, les enregistrements qui prennent des photos et des vidéos.

18. Impossivel - Maria Martins

à la sculpture Impossivel Il s'agit d'une œuvre de la brésilienne Maria Martins (1894-1973), réalisée en 1945. Il fait partie de la collection du Musée d'Art Moderne de Rio de Janeiro et est en bronze. Bien qu'il soit l'artiste le plus connu, je mets également en avant la sculpture brésilienne.

Maria Martins les diffuse Impossivel Un sentiment d'impuissance et d'improbabilité, comme le suggère le titre propre de l'œuvre. Elle crée deux formes qui sont liées de manière conflictuelle, en tension entre elles et explicitement.

On peut aussi faire un parallèle entre les formes présentées comme la transformation d'êtres humains en végétaux, comme deux plantes carnivores qui cherchent à se nourrir l'une l'autre.

L'œuvre peut être vue comme une métaphore visuelle des relations amoureuses, bien plus complexe que l'idée d'amour romantique qui nous a été présentée de manière correcte.

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