पेरिस स्कूल और उसके 5 सबसे महत्वपूर्ण कलाकार

उन्हें "पेरिस के स्कूल" के रूप में जाना जाता है, लेकिन, वास्तव में, उन्होंने कोई स्कूल नहीं बनाया। इस नाम में कई कलाकार शामिल हैं जिन्होंने युद्धों के बीच पेरिस में अपना काम किया और जो विभिन्न आंदोलनों से जुड़े थे।. वे किसी एकजुट समूह का प्रतिनिधित्व नहीं करते, न ही उन्होंने समान कलात्मक दिशानिर्देशों का पालन भी किया; उनमें से प्रत्येक एक स्वतंत्र और भावुक रचनाकार था, जो अक्सर पेरिस के बोहेमियनवाद के माहौल के प्रति समर्पित था। आज के लेख में हम प्रसिद्ध "पेरिस स्कूल" और इसके 6 सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों के बारे में बात करते हैं।

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"पेरिस स्कूल" क्या है?

"पेरिस स्कूल" कलाकारों (चित्रकारों, मूर्तिकारों, डिजाइनरों, आदि) के एक विविध समूह को संदर्भित करता है। जो युद्धों के बीच यानी प्रथम विश्व युद्ध से लेकर शुरुआत तक पेरिस में रहे दूसरा. विशेष रूप से, स्कूल की अवधि आमतौर पर 1915 और 1940 के बीच सीमित होती है, ये वर्ष युद्धों की महान त्रासदी को चिह्नित करते हैं।

इनमें से अधिकांश कलाकार एक-दूसरे को जानते थे, क्योंकि उनमें से कई आप्रवासी थे जो 20वीं शताब्दी की शुरुआत में फ्रांसीसी राजधानी में आए थे, जिन्होंने एक-दूसरे की मदद की और समर्थन किया। 1905 और 1906 के वर्ष आमतौर पर उनके आगमन के लिए आम हैं; ये महत्वपूर्ण वर्ष हैं जिनमें शहर के सांस्कृतिक उत्साह का आकर्षण छूटता नहीं है युवा यूरोपीय लोगों की भीड़ के प्रति उदासीन, जो दुनिया की सबसे उग्र वर्तमान घटनाओं में गहरी दिलचस्पी रखते हैं कला का।

इनमें से अधिकांश युवा पूर्वी यूरोप से आते हैं, लेकिन वे अपना अधिकांश जीवन अपने मेजबान देश फ्रांस में बिताएंगे। लेकिन पेरिस स्कूल के इन सभी कलाकारों में क्या समानता है? कुछ भी नहीं, जब तक कि यह कला, बोहेमियन जीवन और समय और स्थान में संयोग के प्रति उनका प्रेम न हो।. हर कोई अपनी शैली का पालन करता है और एक आंदोलन का पालन करता है, इसलिए स्कूल नाम वास्तव में काफी अस्पष्ट है।

इंटरवार पेरिस में महत्वपूर्ण कलाकार

इनमें से कई कलाकार अमर नाम हैं. एमेडियो मोदिग्लिआनी, जूल्स पास्किन, चैम साउथाइन, रॉबर्ट और सोनिया डेलाउने, ओल्गा सचरॉफ़... और, निश्चित रूप से, शानदार पाब्लो पिकासो, जिन्हें, उत्सुकता से, आम तौर पर सूची में शामिल नहीं किया जाता है, इस तथ्य के बावजूद कि वह उसी समय पेरिस से होकर गुजरे थे साथियों. शायद इसका कारण इस बात में खोजा जा सकता है कि, जब दूसरे लोग दुनिया में अपने लिए जगह बनाने लगे थे फ्रांसीसी राजधानी की कलात्मक दुनिया में, पिकासो, ब्रैक और मैटिस पहले से ही अपने-अपने क्षेत्र में सच्चे राक्षस थे शैलियाँ.

20वीं सदी की शुरुआत में, पेरिस यूरोप के सबसे बड़े रचनात्मक केंद्रों में से एक के रूप में उभरा था।. दीर्घाओं की भीड़ और असंख्य डीलरों और संग्राहकों ने महत्वाकांक्षी कलाकारों को आकर्षित किया, इसलिए पहले के वर्षों में प्रथम विश्व युद्ध के दौरान, दुनिया भर से युवा लोग कला की दुनिया में सफल होने की एक समान इच्छा के साथ सिटी ऑफ़ लाइट में एकत्रित होने लगे।

उनके काम को अक्सर दोयम दर्जे पर धकेल दिया जाता है। उनमें से कई पेरिस की नाइटलाइफ़ में प्रसिद्ध हो गए और शराब, वेश्याओं और नशीली दवाओं से संबंधित अशांत प्रकरणों में शामिल थे। निःसंदेह, जिसे आमतौर पर "बोहेमियन जीवन" के रूप में जाना जाता है। और इंटरवार पेरिस में वह सब बहुत कुछ था।

इसके बाद, हम आपके लिए 6 कलाकार लेकर आए हैं जो आम तौर पर सूची में शामिल होते हैं पेरिस स्कूल के चित्रकार, उन सभी का रचनात्मक चरित्र बहुत अलग था लेकिन निस्संदेह उन्हें कुछ पारस्परिक प्रभाव प्राप्त हुआ। चलिये देखते हैं।

1. एमेडियो मोदिग्लिआनी, "शापित"

सच्चाई का सम्मान करने के लिए, इटालियन ने इस विशेषण को अपने कुछ अन्य सहयोगियों के साथ साझा किया है वे, चैम साउटिन और जूल्स पास्किन, पेरिस के बोहेमिया के प्रामाणिक प्रशंसक हैं अंतर्युद्ध। हालाँकि, उपनाम मोदिग्लिआनी के लिए विशेष रूप से उपयुक्त है, क्योंकि यह उनके छोटे शब्द के फ्रांसीसी उच्चारण से मेल खाता है, क्योंकि उनके करीबी दोस्त उन्हें जानते थे: मोडो, (मौदित, शापित)।

1884 में लिवोर्नो में जन्मे, मोदिग्लिआनी 1906 में पेरिस पहुंचे, जब नई सदी की शुरुआत हो रही थी, और जैसे ही जीवंत शहर खुशी और जॉय डे विवर से भर गया था।. यह बेले एपोक का समय है, और फ्रांसीसी राजधानी उन युवा यूरोपीय लोगों के लिए एक निर्विवाद आकर्षण प्रदान करती है जो कला की दुनिया में कुछ बनना चाहते हैं।

सबसे पहले, मोदिग्लिआनी एक मूर्तिकार बनना चाहते थे, लेकिन सामग्री उनकी गरीब जेब के लिए बहुत महंगी थी। इसके अलावा, वह जिस तपेदिक से बहुत कम उम्र में पीड़ित थे, वह उन्हें विशेष रूप से संगमरमर की धूल के प्रति संवेदनशील बनाता है। खुद को मूर्तिकला के लिए समर्पित करने के विचार को त्यागकर, एमेडियो ने पेंटिंग के मार्ग का अनुसरण करने का फैसला किया, एक ऐसा पहलू जिसमें वह अपने जीवन के अंत में, अपने सबसे उत्पादक काल में बाहर खड़ा होना शुरू कर देगा। अपनी अचूक शैली के साथ, आदिवासी प्रतिमाओं और मुखौटों से प्रेरित (जिस पर उन्होंने चिंतन किया और प्रशंसा की) पुरुषों का संग्रहालय), उन्होंने उत्कृष्ट चित्रों की एक श्रृंखला बनाई, जिनमें जीन हेब्युटर्न (1898-1920), उनकी आखिरी प्रेरणा और उनका आखिरी महान प्रेम, प्रमुख हैं।

अपने काम से परे, मोदिग्लिआनी ने शराब, सेक्स और हशीश से भरे अपने बीहड़ अस्तित्व के लिए लोकप्रिय कल्पना में प्रवेश किया है। केवल 35 वर्ष की आयु में उनकी असामयिक मृत्यु ने एक आशाजनक करियर को समाप्त कर दिया जो तभी शुरू हुआ था।. जीन हेबुटर्न, जो एक चित्रकार भी थे, ने एक दिन बाद आत्महत्या कर ली।

2. चैम साउथीन, मांस का चित्रकार

हम शब्द के कामुक अर्थ में "मांस" का उल्लेख नहीं कर रहे हैं, बल्कि सबसे अधिक नीरस अर्थ में जिसकी आप कल्पना कर सकते हैं। और, अन्य शैलियों की खेती करने के बावजूद, सॉउटिन अपने स्थिर जीवन के लिए प्रसिद्ध है, जिससे बना है विशेष रूप से गोमांस और चिकन के टुकड़ों के लिए, जिन्हें चित्रकार उत्सुकता से बाजारों और कसाई की दुकानों में ढूंढता था पेरिस.

मांसल अवशेषों के प्रति उनके अजीब आकर्षण का एक अच्छा उदाहरण उनकी पेंटिंग है चमड़ी वाला बैल, जहां ढीले ब्रशस्ट्रोक की उलझन के बीच जानवर के अवशेष मुश्किल से दिखाई देते हैं. वैसे, ऐसा लगता है कि पेंटर ने मांस को अपने स्टूडियो में इतनी देर तक रखा कि उसमें से तेज गंध आने लगी और उसने पूरे मोहल्ले को सतर्क कर दिया।

साउथाइन एक चित्रकार बनना चाहते थे, लेकिन उनकी इच्छा, एक रूसी रूढ़िवादी यहूदी परिवार में, जहां किसी भी तरह का प्रतिनिधित्व निषिद्ध था, पूरा करना मुश्किल था। बेशक, उनके पिता को उनका सपना मंजूर नहीं था, इसलिए युवा चैम को केवल सोलह साल की उम्र में, ललित कला का अध्ययन करने और एक कलाकार के रूप में अपना करियर बनाने के लिए मिन्स्क में प्रवास करना पड़ा।

अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, जो उन्हें विनियस भी ले गई, 1913 में वे उत्साही पेरिस पहुंचे, जहां वे मोंटपर्नासे में बस गए और दूसरे "शापित व्यक्ति," एमेडियो मोदिग्लिआनी से दोस्ती कर ली। सॉटिन का काम, स्पष्ट अभिव्यक्तिवाद, 1920 के दशक में काफी प्रसिद्ध हुआ, और 1937 में हमें स्वतंत्र कलाकारों की प्रदर्शनी में उनके कुछ काम मिले।.

पेरिस पर नाज़ी आक्रमण और द्वितीय विश्व युद्ध ने उन्हें चिंता से भर दिया, क्योंकि हमें याद रखना चाहिए कि साउथिन यहूदी हैं। इस तरह के खतरे का सामना करते हुए, चित्रकार भागने और अपने मेजबान शहर को छोड़ने का फैसला करता है। वह टूर्स के पास एक छोटे से शहर में बस जाता है, जहां वह किसी का ध्यान नहीं जाने की कोशिश करता है, लेकिन नाजी अग्रिम की पीड़ा उसे सस्पेंस में रखती है और उसके स्वास्थ्य को काफी कम कर देती है। 1943 में, एक छिद्रित अल्सर के लिए उनकी सर्जरी हुई और ऑपरेशन के दौरान उनकी मृत्यु हो गई।

3. रॉबर्ट और सोनिया डेलाउने, रंग की शक्ति

फ्रांसीसी रॉबर्ट डेलाउने (1885-1941) और यूक्रेनी सारा सोफी (सोनिया) स्टर्न (1885-1979) द्वारा गठित विवाह न केवल गठित हुआ प्रेम और पूर्ण जटिलता पर आधारित एक ठोस मिलन, लेकिन इसने इतिहास में सबसे प्रभावी अग्रानुक्रमों में से एक का भी प्रतिनिधित्व किया कला। और उन दोनों ने खुद को पूरी तरह से कला के लिए समर्पित कर दिया और अमूर्ततावाद और रंग की तुलना के दो महान प्रायोजक थे।.

रॉबर्ट ने यह शब्द बनाया एक साथवाद सटीक रूप से छोटे परस्पर जुड़े हुए स्वरों को लागू करने के तथ्य को संदर्भित करने के लिए, जो एक साथ मिलकर, मानव आंखों के लिए रंगों का सामंजस्य बनाएंगे। यह विचार शुद्ध अमूर्ततावाद (जैसे कि कैंडिंस्की द्वारा प्रवर्तित) से निकटता से संबंधित है, जिसमें रंग कैनवास पर "नृत्य" करते हैं जैसे कि सही संगीत की ताल पर।

सोनिया और रॉबर्ट की मुलाकात विल्हेम उहडे के माध्यम से हुई, जिनकी गैलरी में उन्होंने पहली बार 1908 में प्रदर्शन किया था। युवा यूक्रेनी आप्रवासी ने रूस लौटने से बचने के लिए सुविधानुसार उहदे से शादी कर ली थी (याद रखें, उन वर्षों में, यूक्रेन रूसी साम्राज्य का था)। हालाँकि, रॉबर्ट पर उनका क्रश तात्कालिक था, और 1910 में सोनिया ने डेलाउने से शादी करने के लिए उहदे को तलाक दे दिया।.

सोनिया डेलाउने न केवल एक चित्रकार थीं, बल्कि उन्होंने खुद को उतने ही जुनून के साथ वस्तुओं के डिजाइन के लिए समर्पित कर दिया, जो सभी आकर्षक रंगों से बनाई गई थीं, और यहां तक ​​कि विज्ञापन पोस्टर के डिजाइन के लिए भी। कलाकार बहुत स्पष्ट था, जब से उसने फाउविस्ट मैटिस का काम देखा, कि उसकी अभिव्यक्ति का माध्यम हमेशा रंग होगा। उनके माध्यम से, उन्होंने और उनके पति दोनों ने शानदार, जीवंत काम बनाया जिसने अमूर्त कला के विकास को गहराई से प्रभावित किया। इसमें कोई संदेह नहीं है कि डेलाउनेज़ 20वीं सदी के कलात्मक परिदृश्य में एक प्रमुख युगल हैं।

4. जूल्स पास्किन, अन्य "शापित"

अर्नेस्ट हेमिंग्वे ने उन्हें पेरिस वाज़ ए पार्टी के एक अध्याय में चित्रित किया, वह काम जो उन्होंने युद्धों के बीच पेरिस के बोहेमियन जीवन को समर्पित किया था। अध्याय का नाम काफी स्पष्ट है: डोम में पास्किन के साथ. लेखक प्रसिद्ध मोंटपर्नासे कैफे में एक रात का वर्णन करता है, जहां वह जूल्स पास्किन को दो मॉडलों की बांह पर बैठकर निकलते हुए देखता है।

और कलाकार की छवि पेरिस के उपनगरों में अच्छी तरह से जानी जाती थी। अपनी अविभाज्य गेंदबाज टोपी पहने हुए, उन्हें "द प्रिंस ऑफ मोंटपर्नासे" के रूप में जाना जाता था।, मोदिग्लिआनी के साथ अपनी प्रसिद्धि की प्रतिस्पर्धा करते हुए, जिनके साथ, उन्होंने विशेषण भी साझा किया: "शापित।"

बुल्गारिया में जन्मे और 1905 से पेरिस में रह रहे पास्किन, असली नाम जूलियस मोर्दकै पिंकस ने बहुत पहले ही कोशिश की थी अपने शानदार रेखाचित्रों और जलरंगों के माध्यम से कलात्मक दुनिया में एक स्थान हासिल किया, जो आमतौर पर आकृतियों को चित्रित करते थे स्त्रीलिंग. उनके मॉडलों में से एक उनकी प्रेमिका और बाद में पत्नी, हरमाइन डेविड थीं, जिनके साथ वे 1907 से एक छत और जीवन साझा कर रहे थे।

हालाँकि, परेशान और बेचैन पास्किन को अपनी प्रतिभा के बारे में असुरक्षित महसूस हुआ। शराब उसके अस्तित्व का नियमित साथी थी, और अवसादग्रस्तता की स्थिति अक्सर होती थी। 2 जून, 1930 को, एक आशाजनक एकल प्रदर्शनी के उद्घाटन की पूर्व संध्या पर, पास्किन ने अपनी कलाई काट ली और मोंटमार्ट्रे में अपने स्टूडियो में खुद को फांसी लगा ली।.

5. ओल्गा सचरॉफ़, कैटलन अवंत-गार्डे

वास्तव में, वह गोद लेने के कारण कैटलन थी, जिसका जन्म 1889 में त्बिलिसी में हुआ था। हालाँकि, जॉर्जियाई कलाकार का हमेशा कैटेलोनिया के साथ एक विशेष संबंध था, जहाँ वह गृहयुद्ध की समाप्ति के बाद स्थायी रूप से बस गईं, और जहाँ 1967 में उनकी मृत्यु हो गई। अपनी मेज़बान भूमि के प्रति उनका प्रेम कैटलन लोककथाओं के बारे में उनके द्वारा बनाए गए कई चित्रों में परिलक्षित होता है, जो भूमि की परंपराओं की सबसे शुद्ध भोली शैली में प्रतिनिधित्व है।.

लेकिन स्पेन से पहले, चित्रकार पेरिस में बस गए थे, जो 20वीं सदी के पहले दशकों का उत्कृष्ट कलात्मक गंतव्य था। वर्ष 1911 है, और ओल्गा म्यूनिख में थोड़े समय के प्रवास के बाद फ्रांस की राजधानी में पहुंचती है, जहां उसकी मुलाकात जर्मन अभिव्यक्तिवाद और फोटोग्राफर ओटो लॉयड से होती है, जो बाद में उसका पति बन गया। यह पेरिस में है जहां ओल्गा अवंत-गार्डे के संपर्क में आती है, जिससे वह बिल्कुल मोहित हो जाती है; विशेष रूप से, सिंथेटिक क्यूबिज्म के साथ, जिसका उन्होंने अपने पहले वर्षों के दौरान शैलीगत रूप से पालन किया।

प्रथम विश्व युद्ध के फैलने के बाद, और रॉबर्ट और सोनिया डेलाउने के समान, ओल्गा और उनके पति ने स्पेन में शरण ली, जो संघर्ष में तटस्थ था। बार्सिलोना पर क्रश तात्कालिक है और, पेरिस में दूसरे प्रवास के बाद (जहां वे स्पेनिश गृहयुद्ध छिड़ने पर जाते हैं), ओल्गा और ओटो बार्सिलोना लौट आते हैं। जोड़े का घर बार्सिलोना में जीवंत समारोहों का केंद्र बन जाता है, एक ऐसी जगह जिसे कलाकार फिर कभी नहीं छोड़ेगा।.