Sistem Stanislavski: apa itu, karakteristik dan bagaimana menggunakannya dalam akting

Mereka mengatakan bahwa kata-kata favorit Stanislavski kepada murid aktingnya adalah "Saya tidak percaya Anda, Anda tidak meyakinkan saya." Cara dia melihat dan memahami bagaimana seniman teater harus bertindak menuntut tetapi juga teliti. Sedemikian rupa sehingga menjadi metodenya sendiri: sistem Stanislavski.

Pendekatan sistematisnya terhadap akting tidak hanya merevolusi cara akting dilakukan Rusia pada masanya, tetapi juga berhasil melintasi perbatasan dengan mengubah arah teater barat.

Metode ini sangat penting dalam membuat drama, serial, dan film seperti yang kita kenal sekarang, dan kemudian kita akan mencari tahu alasannya.

• Artikel terkait: "Apa itu 7 Seni Rupa? Ringkasan karakteristiknya "

Apa itu sistem Stanislavski?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskow 1863 - 1938), lebih dikenal sebagai Stanislavski, adalah seorang aktor Rusia yang produktif, sutradara panggung, dan pendidik teater. Dikenal sebagai penulis salah satu metode terpenting dalam sejarah seni pertunjukan: sistem Stanislavski. Produk dari upaya bertahun-tahun, metodenya dimaksudkan untuk memungkinkan aktor mengontrol aspek yang paling tidak berwujud dan perilaku manusia yang tidak terkendali saat berada di atas panggung, seperti emosi dan inspirasi artistik.

Stanislavski mempelajari apa yang dilakukan aktor yang, secara alami, berhasil masuk ke karakter. Berdasarkan pengamatan dan pengalamannya, sutradara Rusia ini menciptakan sistem yang setiap aktor, baik pemula sebagai veteran dalam profesi, dapat menerapkan dalam pekerjaan mereka mencapai yang lebih bersih, lebih nyata dan alami. Metode ini begitu revolusioner pada saat kemunculannya sehingga menandai sebelum dan sesudah di dunia akting, menetapkan standar yang membatasi garis antara kinerja yang meyakinkan dari yang buatan dan yang buruk diwakili.

Metode ini dirumuskan pada saat seni pertunjukan tanah airnya, Rusia, dicirikan oleh klise konvensional dan stereotip. Para aktor bertindak artifisial, bahkan histrionik. Drama-drama itu bermandikan aura emosi palsu dan sedikit persiapan dari pihak para aktor, begitu sedikit sehingga mereka bahkan tidak mengetahui apa yang harus mereka katakan ketika mereka sudah berada di atas panggung. Sedikit atau tidak ada yang melihat naskah di mana apa yang seharusnya mereka hafal keluar.

Stanislavski melakukan penelitian yang cermat untuk membuat aktornya bekerja dari awal dengan sesuatu yang mereka anggap nyata., orang, elemen, dan objek yang dilihat bukan hanya sebagai elemen pemandangan, tetapi bagian dari pemandangan duniawi yang nyata, bagian dari kehidupan itu sendiri. Orang bukan aktor dalam hidup kita, tapi kita adalah bagian dari mereka, kita menjalaninya lebih dari memerankan mereka.

Untuk membuat aktor memasuki adegan yang diwakilinya, Stanislavski membela penggunaan memori emosional. Aktor atau aktris harus mengingat pengalaman pribadi yang serupa dengan yang mereka coba wakili, membantu mereka merasa lebih tenggelam dan terlibat dalam apa yang mereka coba wakili di atas panggung. Anda harus mencari situasi dalam riwayat hidup Anda di mana Anda merasakan emosi yang serupa dengan karakter Anda.

Namun hal ini tidak dicapai semata-mata dengan membangkitkan emosi yang tulus. Perlu juga sedikit dukungan eksternal, memodifikasi penampilan dan perilaku kita untuk memberi kehidupan pada karakter bahwa itu dimaksudkan untuk mewakili atau, lebih tepatnya, menghidupkan. Berdandan, berpakaian, berjalan, singkatnya berperilaku seperti karakter sejak tindakan fisik eksternal membantu memicu emosi yang dicari, mengikuti prinsip bahwa jika Anda mulai menangis, Anda akhirnya menjadi sedih.

• Anda mungkin tertarik pada: "20 Film Psikologi dan Gangguan Mental"

Prinsip-prinsip sistem Stanislavski

Sistem Stanislavski cukup kompleks dan tidak dapat dikatakan statis justru karena seberapa banyak ia telah berevolusi sejak dikonseptualisasikan pada awal abad ke-20. Namun, adalah mungkin untuk menyoroti beberapa prinsip terpentingnya, yang telah berkontribusi untuk menandai a sebelum dan sesudah dalam cara seniman teater dan, kemudian, film dan serial mewakili mereka karakter:

1. Konsentrasi pada karakter

Aktor harus menanggapi imajinasibelajar berpikir seperti karakter, berkonsentrasi menjadi apa yang mereka mainkan.

2. Rasa kebenaran

Dengan rasa kebenaran kita dapat mengatakan bahwa salah satu ide dari metode ini adalah untuk membedakan antara organik dan buatan. Stanislavski sangat percaya bahwa hukum alam ada untuk diikuti dalam seni pertunjukan., yang jika dihormati, membedakan karya yang baik, alami dan harmonis, dari yang buruk, dibuat-buat dan berlebihan.

• Artikel terkait: "13 jenis pembelajaran: apa itu?"

3. Bertindak sesuai dengan keadaan yang diberikan

Aktor harus terampil dalam menggunakan dan menangani keadaan yang diberikan dalam teks, tetapi melalui kebenaran dan menggunakan cara organik. Adalah tentang berpegang teguh pada naskah tetapi membebaskan diri Anda dengan mewakili emosi Anda, tetap setia pada apa yang muncul dalam naskah tetapi membuat pertunjukan memiliki kepribadian dan kealamian.

• Anda mungkin tertarik pada: "Teks Drama: apa itu, jenis, karakteristik dan contoh"

4. Metode fisik

Stanislavski melihat bahwa banyak muridnya memiliki ketegangan emosional dan masalah mental yang dalam. Melalui metodenya, ia dapat membantu menghilangkan ketegangan fisik dan emosional dari para aktor, membuat mereka Mereka akan mengendurkan otot-otot mereka saat melakukan presentasi dan bertindak dengan cara yang jauh lebih bebas.

Selain itu, sutradara Rusia itu sangat mementingkan faktor fisik yang tidak hanya berfungsi untuk bersantai tetapi juga untuk tampil lebih akurat. Karena itulah sistem Anda juga dikenal sebagai metode aksi fisik karena penekanannya yang besar pada relaksasi otot saat melakukan pertunjukan.

• Artikel terkait: "Relaksasi Progresif Jacobson: penggunaan, fase, dan efek"

5. Area Perhatian

Lingkup perhatian adalah apa yang dimaksud Stanislavski dengan mengerjakan sensasi. Aktor harus menemukan dasar indrawi dari karya tersebut. Dalam tugas Anda adalah belajar menghafal dan mengingat sensasi yang dirasakan karakter Anda, sensasi yang memodulasi keadaan pikiran mereka dan cara mereka berperilaku dengan karakter lain dalam drama dan dengan publik.

6. Komunikasi dan kontak

Aktor harus dapat berinteraksi dengan karakter lain secara spontan, tanpa melanggar isi buku tetapi tidak terkesan dipaksakan atau disiapkan secara artifisial. Komunikasi dan kontak dengan aktor lain sangat penting selama latihan dan pertunjukan akhir.

• Anda mungkin tertarik pada: "28 Jenis Komunikasi dan Ciri-cirinya"

7. Peran tersegmentasi ke dalam unit dan tujuan

Seniman harus belajar membagi peran atau peran protagonis mereka menjadi unit yang masuk akal yang dapat bekerja secara terpisah. Adalah tugas aktor dan aktris untuk mendefinisikan setiap unit peran, merasakannya sebagai keinginan mereka sendiri. daripada memahaminya sebagai ide sastra yang muncul dari libretto sutradara.

8. Kreativitas dalam bertindak dan berpikir

Anda tidak bisa menjadi aktor tanpa menjadi kreatif. kreativitas memanifestasikan baik dalam keadaan pikiran kreatif dan dalam cara bertindak.

• Artikel terkait: "Apa itu kreativitas? Apakah kita semua 'potensial jenius'?"

9. Bekerja dengan teks naskah

Prinsip ini mungkin terdengar jelas, karena sulit untuk merepresentasikan sebuah karya dengan andal sementara mengabaikan sepenuhnya apa yang tertulis di libretto. Namun, di Rusia pada awal abad terakhir ini tidak begitu diterima begitu saja oleh beberapa seniman Rusia. bahwa pada banyak kesempatan terjadi bahwa skrip tidak dibaca dan mereka percaya bahwa mereka akan memberi tahu mereka frasa saat mereka bertindak.

Aktor harus menghormati apa yang dia masukkan ke dalam naskah, menghafal dan menginternalisasi dialognya, tetapi tidak mempelajarinya untuk "memuntahkannya" pada saat bermain. Aktor harus menemukan makna sosial, politik dan artistik dari teks, memahami ide-ide yang telah diabadikan sutradara dalam naskah drama. Sebagai seniman, aktor atau aktris harus menjadi sarana untuk mempercayakan nilai-nilai dan visi tersebut kepada publik yang telah datang untuk melihat karya tersebut.

Pentingnya sistem Stanislavski saat ini

Sistem Stanislavski telah berkembang dari waktu ke waktu. Pada awalnya, yang harus dilakukan aktor dan aktris adalah menemukan kebenaran tentang karakter, memperlakukannya sebagai entitas nyata. Namun, seiring berjalannya waktu praktik menemukan dalam pengalamannya sendiri sumber daya yang memungkinkan dia merasakan apa yang dirasakan karakternya dimasukkan dalam situasi apapun.

Hari ini dipahami bahwa aktor tidak hanya harus memahami apa yang terjadi pada karakternya di dalam pekerjaan, tetapi juga harus mengetahui situasi vital di mana ia menemukan dirinya dan keadaan apa itu mengelilingi. Mengetahui hal ini dan menjalaninya dalam dagingnya sendiri, sang aktor akan dapat bereaksi dengan cara yang sama terhadap bagaimana karakternya diharapkan melakukannya, membuat penampilannya sealami mungkin.

Ini telah melangkah lebih jauh, mencapai fakta saat ini bahwa banyak artis hidup dari hari ke hari seperti yang mereka pikirkan tentang karakter mereka. misalnya, bahwa karakternya adalah seorang petani yang tinggal di pedesaan, karena kemudian aktor pergi ke pertanian selama satu musim dan hidup seolah-olah itu adalah profesinya di kehidupan nyata. Seiring berlalunya waktu, aliran interpretasi yang berbeda menambahkan praktik-praktik tertentu ke dalam Sistem Stanislavski, menjadi dari waktu ke waktu dalam apa yang di dunia akting dikenal sebagai "the metode".