Esiste un'arte oggettivamente migliore di un'altra?

Sappiamo tutti che l'arte, come tante cose, è soggettiva. Tuttavia, Esiste un'arte oggettivamente migliore di un'altra? Possiamo trovare uno stile artistico o un tempo in cui la sua manifestazione artistica sia, oggettivamente, migliore delle altre?

Proponiamo una passeggiata nella storia dell'arte per capire se esiste davvero un'arte oggettivamente migliore di un'altra.

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Esiste un'arte oggettivamente migliore?

Durante alcuni periodi della storia questo è stato certamente creduto. Ecco perché, durante il Rinascimento, autori come il Vasari sminuirono l'arte gotica e la definirono arte "barbarica" ​​(arte gotica, da cui il nome). Il barocco fu anche un altro degli stili tanto vituperati con l'avvento della Rivoluzione francese e del classicismo. Ma che motivo c'era per queste considerazioni?

Il motivo non era altro che il cambio di mentalità e, quindi, la comparsa di pregiudizi. Ai tempi di Vasari, il Rinascimento aveva preso il sopravvento sulle arti, quindi tutto ciò che non rientrava in una visione "classicista" era considerato un'arte minore, meno evoluta. La stessa cosa accadde secoli dopo con il barocco e, soprattutto, il rococò. I rivoluzionari francesi vedevano quest'ultima come l'arte della nobiltà e quindi un'arte che doveva essere distrutta.

COSÌ In che misura le valutazioni artistiche sono soggette a pregiudizi?

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Ma cos'è l'arte, esattamente?

Qui occorre introdurre una precisazione. Cos'è l'arte? Una definizione tanto multipla quanto complessa (e complicata). La Royal Spanish Academy offre varie definizioni della parola. Tra questi ci sono i seguenti: "Capacità, capacità di fare qualcosa" e "Manifestazione di attività attraverso cui ciò che è reale viene interpretato o ciò che è immaginato viene catturato con strumenti plastici, linguistici o doppiato”. Riteniamo che, nel secondo senso, la RAE abbia colpito nel segno. Vediamolo bene: "...attraverso il quale si interpreta ciò che è reale o si cattura ciò che è immaginato". È chiaro: l'arte ha due strade: la rappresentazione della realtà (a volte rigorosamente, come vedremo più avanti) o l'incarnazione di concetti trascendenti. Inoltre, dobbiamo aggiungere che le due cose non sono in contrasto tra loro, anche se ce lo fanno credere.

Da parte sua, l'eminente E. H Gombrich, nel suo famoso storia dell'arte, inizia la sua introduzione affermando che: “L'arte in realtà non esiste. Ci sono solo artisti. Questi un tempo erano uomini che prendevano della terra colorata e disegnavano grossolanamente le sagome di un bisonte sulle pareti di una caverna; oggi ne comprano i colori e disegnano i cartelli per le stazioni della metropolitana”. E poi aggiunge: "Non c'è niente di male nel chiamare tutte queste attività arte, purché ne teniamo conto una parola del genere può significare molte cose diverse, in tempi e luoghi diversi, e fintanto che ci accorgiamo che l'Arte, scritta la parola con la A maiuscola, non esiste, poiché l'Arte con la A maiuscola deve per essenza essere un fantasma e un idolo…”.

In altre parole, per il prestigioso storico, se esistono solo gli artisti e, quindi, non esiste l'ideale dell'arte (quell'Arte con lettera maiuscola che commenta), allora significa che, in effetti, non c'è stile artistico o epoca migliore o peggiore di altri. Per realizzare questo breve viaggio sarà molto utile affidarsi ad esempi concreti; in questo modo sarà molto più facile capire cosa intendesse Gombrich con tale affermazione.

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Composizione, forma, prospettiva

Prendiamo come esempio il bisonte che commenta Gombrich. Avete tutti in mente il tipico dipinto preistorico, realizzato al riparo di una grotta. Facciamo una domanda. Questa rappresentazione è realistica? Non esitate a rispondere, perché la risposta è "no".

L'artista che ha dipinto il bisonte non intendeva rappresentare un vero bisonte, con i suoi volumi, la sua prospettiva e i suoi dettagli realistici. In effetti, non c'è alcuna prospettiva; il disegno è completamente piatto (anche se, in alcuni esempi, si notano marcati tentativi di realismo). In ogni caso il risultato è lo stesso: l'animale raffigurato sulla parete o sul soffitto della grotta rappresenta un'idea, un concetto, non un vero e proprio bisonte.

Confrontiamo il bisonte preistorico con un dipinto del XIX secolo; Per esempio, Preghiera dell'Angelus in campo, del pittore Ignacio Díaz Olano di Vitoria.

Osserveremo che, sulla tela, il pittore ne ha fatto una rappresentazione meticolosa, praticamente fotografica, dall'anatomia di due buoi. I volumi sono perfetti, la prospettiva è adeguata; abbiamo la sensazione di essere presenti nella scena, come se fossimo parte dell'istante rappresentato. In una parola: Díaz Olano sta catturando un frammento di realtà.

A questo punto facciamo una domanda. La squadra di Díaz Olano è oggettivamente migliore? In termini di risoluzione, disegno, prospettiva e tecnica, ovviamente sì. La prospettiva, i volumi, i toni realistici del dipinto; non hanno nulla a che vedere con la figura piatta, dai colori neutri, che abbiamo visto sulla parete della grotta. Ora, questo significa che l'opera di Díaz Olano è oggettivamente migliore, in generale, del bisonte preistorico? La risposta, in questo caso, sarebbe senza dubbio “no”.

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L'espressione, il concetto, l'idea

Facciamo un altro esempio che illustrerà molto bene cosa intendiamo. E non è altro che Le esecuzioni del 3 maggio, di Goia.

Bene. Ora confrontalo con un'altra scena di ripresa: Esecuzione di Torrijos e dei suoi compagni sulle spiagge di Malagadi Antonio Giberto.

Cominciamo con il secondo. In Torrijos, tutto è perfetto. Ancora una volta, la composizione non ha difetti; né la prospettiva, né i volumi, né il disegno, né la tecnica. È, formalmente parlando, un'immagine perfetta. Inoltre, Gisbert introduce anche l'espressione nel suo lavoro: se guardiamo attentamente, ciascuno dei volti di chi sta per morire esprime un sentimento diverso, che va dalla paura più straziante alla più straziante Sorprendente.

Passiamo ora alle esecuzioni di Goya. Possiamo dire che, formalmente, Torrijos è più risoluto? Ebbene, nonostante si parli di Goya, la risposta è ancora una volta “sì”. La tela di Gisbert è un'istantanea fotograficaCatturare un momento reale della vita. Di nuovo, e come con l'angelo di Díaz Olano, sembra di essere sulla spiaggia, con Torrijos e compagni. Infatti, ciò che è veramente emozionante del dipinto è che sembra di essere parte del gruppo di prigionieri che aspettano il proprio turno per morire, visto il punto in cui si trova la visuale dello spettatore. Quanto ai volti, non c'è altro da dire; Gisbert ha preso appunti sui ritratti originali delle vittime e ha anche incontrato i parenti del defunto per ricreare fedelmente le fattezze dei giustiziati.

Ora, se andiamo al dipinto di Goya, vedremo che i volti non sono identificabili. Per cominciare, i francesi (i carnefici) nascondono il volto, come se si vergognassero. Inoltre, la maggior parte di coloro che hanno sparato si copre il viso con le mani. Le poche che mostrano i loro volti ci sembrano maschere di Carnevale o da incubo più che esseri umani. Non ci sono fazioni individualizzate; Goya sta dipingendo il terrore nella sua forma più pura.

Andiamo quindi alla domanda. Questo significa che la pittura di Gisbert è oggettivamente migliore di quella di Goya? Ovviamente no. E perché? Perché, molto semplicemente, l'intenzione di Gisbert nell'eseguire la sua Torrijos non era uguale a quello di Goya quando dipinse il suo esecuzioni. Il primo voleva mostrare una realtà impeccabile, mentre il secondo ha espresso la sua rabbia e frustrazione attraverso il pennello. Gisbert non ha vissuto il plotone di esecuzione di Torrijos; inoltre, ha dipinto il quadro diversi decenni dopo. Goya ha vissuto quei fatidici giorni di maggio.

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La zavorra dell'accademismo

A partire dal Settecento e, soprattutto, dall'Ottocento, l'arte accademica (come la pittura di Torrijos) è considerato l'apice della pittura e della scultura. La composizione perfetta, la risoluzione di una prospettiva senza soluzione di continuità, la giusta proporzione tra i personaggi... le opere accademiche in realtà non hanno errori formali da segnalare.

Tuttavia, non è meno vero che durante l'Ottocento l'espressione e l'idea furono dimenticate. In altre parole, il "cosa" è stato diluito, ed è rimasto solo il "come". Al contrario di quelle che erano state altre "arti" nella storia, dove quello che aveva prevalso su tutto era il concetto, l'idea che veniva rappresentata. Questo è uno dei motivi per cui, tra l'altro, l'arte medievale è stata largamente disprezzata fin dal XVIII secolo; il suo stile concettuale e trascendente non si adattava all'accademismo prevalente.

Se vogliamo valutare correttamente un'opera d'arte, dobbiamo tenere presente che nel nostro apprezzamento portiamo la zavorra dell'accademismo. E attenzione, perché con questo non intendiamo dire che l'arte accademica sia cattiva, anzi; ma è vero che per molti anni ci è stato insegnato che l'unica arte "buona" è uno che rispetta le linee guida formali di prospettiva, volume e composizione, tra gli altri cose. E questo, ovviamente, ci fa perdere la strada e non siamo in grado di valutare le altre "arti" che, ovviamente, hanno valore in sé.

Perché le linee guida che servono per valorizzare un'opera non sono solo quelle che l'Accademia ci detta da secoli. Ce ne sono altri, come l'espressività, il sentimento e l'idea che, invece, sono quelli che hanno dettato l'arte di altri tempi e culture. Dobbiamo credere che una Madonna col Bambino romanica sia “peggiore” di una Venere di Prassitele? Ovviamente no. Sono figlie di due concetti e di due mondi molto, molto diversi.

Tuttavia, e come tutto ciò che riguarda l'arte, la decisione spetta a ciascuno. In questo articolo proponiamo solo un look diverso e, soprattutto, adatto ad ogni specifico lavoro; uno sguardo che tiene conto del contesto, delle possibilità tecniche e della personalità dell'autore.