Surrealismo: cos'è e caratteristiche di questo movimento artistico

Il primo a usare la parola "surrealismo" non fu, curiosamente, nessuno dei membri del gruppo surrealista. Fu Guillaume Apollinaire che, nel 1917, coniò il termine riferirsi a Le tette di Tiresia (Le mammelle di Tiresia), una delle sue commedie, che chiamò “dramma surreale”. Apollinaire morì l'anno successivo, vittima della (mal)chiamata influenza spagnola, senza sapere di aver piantato il futuro. Anni dopo, si sarebbe formato il gruppo surrealista.

Ma cos'era esattamente il surrealismo?? Cosa sappiamo di lui? Ne conosciamo davvero il significato e il suo obiettivo essenziale, al di là di dicerie e leggende? Proponiamo un viaggio nel cuore del movimento surrealista, l'ultima avanguardia e quella che è durata più a lungo.

Caratteristiche del surrealismo

tutti sanno il grande interesse del movimento surrealista per il mondo dei sogni. Ovviamente influenzati dalle teorie psicoanalitiche di Sigmund Freud, i surrealisti sostenevano di portare alla luce i recessi più nascosti della psiche umana. L'intenzione non era solo quella di creare scompiglio (il famoso

épater le bourgeois, che viene a significare qualcosa come “scandalizzare il borghese”), ma anche fornire all'umanità un percorso di liberazione dall'angoscia, dall'ossessione e dalla paranoia.

Sebbene poeti come Charles Baudelaire (1821-1867) o Arthur Rimbaud (1854-1891) avessero già fatto riferimento alla épater A metà del XIX secolo e, successivamente, gruppi radicali come i dadaisti continuarono ad aggrapparsi all'idea di scioccare la borghesia in corsetto, il surrealismo andò molto oltre. Perché la corrente surreale non si accontenta solo di provocare sorpresa e rifiuto, ma piuttosto propone una soluzione all'angoscia esistenziale che vive l'essere umano. E quella soluzione, quella risposta, si otterrà solo attraverso l'assoluta liberazione della psiche, di quel subconscio intrappolato tra convenzioni, norme morali e desideri profondamente repressi.

Quindi, in generale, possiamo dire che l'essenza del surrealismo è un tentativo di disinibire l'essere umano salvando le sue paure e desideri sepolti; cioè attraverso un viaggio verso il suo sé più oscuro e, in qualche modo, più "animale". Il surrealismo tratta temi di carattere generale; argomenti che possono influenzare il maggior numero di persone, come il conflitto tra uomini e donne, il sesso e l'invidia repressa, la paura della morte, ecc.

L'obiettivo è "svegliare" le grandi masse, scuoterle, tirarle fuori dalle scatole. Per fare questo i surrealisti utilizzano immagini la cui unica logica è quella dei sogni, disordinata, paradossale, contraddittoria e discontinua. In letteratura le composizioni saranno frammentarie, scritte a grande velocità, spesso senza segni di punteggiatura, seguendo il famoso “automatismo” surrealista, di cui parleremo in un altro punto.

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Dai postulati psichici alla lotta sociale

Abbiamo già commentato che il primo a chiamare un'opera “surrealista” è stato il poeta e drammaturgo Guillaume Apollinaire. Nello stesso periodo (cioè durante la prima guerra mondiale) Giorgio de Chirico (1888-1978) realizzava tele con un marcato carattere surrealista, che chiamò "pittura metafisica" e che influenzerà molto il gruppo surrealista "ufficiale".

I paesaggi di de Chirico, aridi, deserti, intrisi di una soffocante solitudine, con rovine e prospettive impossibili sembrano, infatti, tratti da un sogno. Non a caso, André Breton, leader indiscusso dei surrealisti e autore dei loro manifesti, considerava il pittore l'artista più importante del movimento.

Il primo manifesto surrealista apparve nel 1924., firmato, tra gli altri, dal già citato André Breton (1896-1966), scrittore e poeta francese. Nel manifesto, Breton definisce il surrealismo un "puro automatismo psichico", in cui non c'è "intervento normativo della ragione". Vale a dire, l'artista deve lasciarsi trasportare dalle elucubrazioni del suo inconscio; la creazione autentica avviene quando le restrizioni dell'io superiore vengono annullate e tutto viene lasciato nelle mani del più nascosto della nostra mente, affinché il vero essere possa fluire liberamente.

Per il bretone, la composizione poetica è inevitabilmente legata alla “scrittura automatica”, il procedimento con cui l'autore scrive la prima cosa che gli viene in mente, senza ostacolare il flusso organico delle sue idee. In questo senso (come in tante altre cose) il Surrealismo deve molto al movimento Dada, che aveva già propugnato qualcosa di simile: Tristan Tzara, il leader dadaista, ha proposto di ritagliare parole e frasi da giornali e riviste, metterle in una borsa e poi estrarle. In ogni caso, vi è una netta differenza tra le due procedure "automatiche"; mentre quella del dadaismo è meccanica e strettamente legata al caso, quella del surrealismo nasce dalla stessa psiche umana.

Dal 1925, il surrealismo aderisce chiaramente alla politica. In effetti, la maggior parte dei suoi membri (compreso André Breton) manifesta chiare simpatie comuniste, al punto da fa notare che lui stesso e alcuni suoi compagni (Aragon, Éluard e Péret) aderiscono al Partito Comunista Francese. Da quel momento in poi, la posizione politica del gruppo, in particolare quella del suo leader, si radicalizza.

Breton non comprende più il surrealismo se non è un veicolo per l'attività sociale, e questa attività sociale è legata alla lotta contro il capitalismo. Altri membri, come il giovane Salvador Dalí (1904-1989) sono riluttanti a impegnarsi così apertamente in politica. Un'indecisione che, tra l'altro, gli vale il rifiuto del gruppo.

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E la pittura surreale?

All'inizio, come si è visto, il movimento surrealista si limitava alla creazione letteraria. Questo ha senso se torniamo all'idea di "scrittura automatica", perché come fare lo stesso con un dipinto?

La pittura surrealista è sempre stata una pittura figurativa; vale a dire, rappresentava elementi concreti e si allontanava in modo significativo dall'astrattismo. Ma rappresentare elementi concreti è in contraddizione con la creazione spontanea di cui parlavano i surrealisti, poiché richiede un'idea, una progettazione preventiva, un'elaborazione del sé cosciente.

Come, allora, dipingere surreale? Dalí, ad esempio, ha proposto quello che ha chiamato l'immagine multipla o paranoica, attraverso la quale un oggetto, senza alcuna modifica preventiva, diventava davanti agli occhi dello spettatore un oggetto diverso con il quale non aveva nulla a che fare. Un chiaro esempio di ciò è la sua tela Apparizione di un volto e di un cesto di frutta su una spiaggia (1938). Nel dipinto si vede chiaramente un vaso con delle pere. Ma, quasi magicamente, quel vaso si trasforma in un volto, e il paesaggio sullo sfondo si trasforma in un cane… e così via. Dalí sosteneva che le immagini fossero direttamente proporzionali al grado di capacità paranoico-ossessivo dello spettatore.

Dal canto suo Max Ernst (1891-1976) coglie il linguaggio surreale attraverso foreste e paesaggi silenziosi ma inquietanti, dove tutto si confonde davanti agli occhi di chi guarda. René Magritte (1898-1967) ostenta un realismo molto dettagliato, ma introduce nelle sue opere scene impossibili che, in effetti, sembrano presi da un mondo di sogno.

C'erano, tuttavia, alcuni pittori che seguivano i postulati della creazione spontanea e sfrenata. Ad esempio, Joan Miró (1893-1983), le cui opere, apparentemente, non hanno nulla di figurativo; e André Masson (1896-1987), che si lascia trascinare dal pennello attraverso ossessioni trasformate in simboli. Masson è stato anche un pioniere nell'uso di materiali innovativi per le sue montature, come la gomma arabica e la sabbia.

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Surrealismo al cinema

Il surrealismo nelle arti dello spettacolo aveva un illustre rappresentante in Antonin Artaud (1896-1948), il primo drammaturgo che incarnò i principi surrealisti nel teatro. Artaud riteneva che il teatro dovesse rappresentare una catarsi per il pubblico, in stile greco antico, e per questo utilizzava rumori inquietanti e strane miscele di luci e suoni. Nonostante l'adesione ai postulati surrealisti, Artaud non fece mai parte del gruppo di Breton, anche a causa del suo carattere schivo e solitario. Affetto da gravi disturbi mentali, morì in un ospedale psichiatrico all'età di 51 anni.

Il cinema, quella grande innovazione del 20° secolo, è stata la tappa successiva (e mai meglio dirlo) a cui sono saliti i surrealisti. Uno dei cineasti più importanti è stato Luis Buñuel (1900-1983) che disse che "il primo film che vediamo nella nostra vita sono i nostri sogni". In collaborazione con Salvador Dalí, arrivato a Parigi quell'anno, creò Un cane andaluso (1929), considerato l'apice del cinema surrealista.

Il film riesce a riprodurre perfettamente quello che è un sogno: un susseguirsi di immagini con poco o poca connessione tra loro, oggetti che prima sono una cosa e poi un'altra, salti nel tempo, contraddizioni. Inoltre, e come potrebbe essere altrimenti, il film colpisce nel segno e presenta le inibizioni sessuali della borghesia in corsetto del momento. In questo senso è legato al copione che il già citato Artaud ha scritto per il cinema e in cui è stato tradotto il film La concha y el clerigo, dove un ecclesiastico insegue febbrilmente la donna oggetto del suo auguri.

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Il surrealismo prima del surrealismo

È interessante concludere questo articolo con un'osservazione: molti dei movimenti nella storia dell'arte non erano nuovi quando furono creati. Ci spieghiamo. Molto prima dell'impressionismo, c'erano pittori, come Velázquez, Goya e soprattutto Turner, che giocavano già con pennellate sciolte per trasmettere gli effetti della luce. Ovviamente non si possono chiamare impressionisti, ma intendiamoci; Monet e compagnia non avevano scoperto nulla di nuovo. Lo hanno semplicemente formalizzato e trasformato in uno stile, una tendenza artistica.

La stessa cosa accade con il surrealismo. Perché chi può negare che El Bosco sia un pittore surrealista? Sì, è vissuto nel XVI secolo, una cronologia molto lontana da André Breton e compagnia. Ma veniamo al suo lavoro. Guardiamo il giardino delle delizie (1500-1505), il carro del fieno (1512-1515) o Le tentazioni di San Antonio Abad (1510-1515); le scene hanno una forte carica onirica, di sogno (anzi, di incubo). In effetti, alcuni dei paesaggi “bosconiani” ricordano molto Dalí che, tra l'altro, aveva il progetto di scrivere un libro sul “surrealismo prima del surrealismo”. Sembra che non l'abbia mai finito.

Troviamo molti altri "surrealisti" vissuti prima del surrealismo. Pieter Brueghel il Vecchio (ca. 1526-1569), nel suo il trionfo della morte, dispiega un paesaggio agghiacciante, arido, sconosciuto, popolato da scheletri che combattono per prendere le anime dei vivi. E, già nell'Ottocento, abbiamo un Goya reso pazzo dalla sua sordità e dai disastri della guerra, il cui i dipinti neri non sono solo in qualche modo surreali, ma sono anche precursori dell'espressionismo Tedesco.

Da parte sua, Johann Heinrich Füssli (1741-1825) mostra il romanticismo più oscuro con opere come L'incubo, dove una giovane donna è tormentata da un incubo, e William Blake (1757-1827), che illustra Paradiso perduto, di Milton, con acquerelli che mostrano visioni inquietanti e strane. Niente di nuovo sotto il sole.