I 10 quadri barocchi più importanti

Il barocco è un'epoca e una corrente artistica che si è verificata, principalmente, nel XVII secolo. Questo stile artistico conta numerosi capolavori, distribuiti tra i migliori musei del mondo.

In questo articolo ci concentreremo sulla pittura barocca e salveremo 10 dei suoi dipinti più importanti.

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Pittura barocca

Il XVII secolo vide l'ascesa di veri maestri della pittura. Artisti come Velázquez, Vermeer, Rubens o Ribera hanno riempito le pagine della storia dell'arte in molti modi. capolavori, indispensabili per conoscere sia questo periodo storico che l'evoluzione dell'arte in generale.

Come con la maggior parte dei movimenti artistici, il barocco non è un unico stile.. In ogni regione e ogni paese aveva le sue caratteristiche, guidate dal proprio contesto economico, religioso e sociale. Così, mentre nei paesi cattolici questo stile è servito da veicolo per la Controriforma, nelle regioni I protestanti divennero molto più intimi e personali, poiché promossi dai mercanti e dai borghesi del città.

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I 10 dipinti principali del Barocco

Successivamente, faremo un breve viaggio attraverso i 10 dipinti barocchi più importanti.

1. Las Meninas, di Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

È probabilmente una delle opere pittoriche più riprodotte e una delle più famose al mondo. La tela è conosciuta come Las Meninas, sebbene il suo nome originale fosse La famiglia di Filippo IV. È, senza dubbio, uno dei capolavori della pittura barocca e della storia dell'arte in genere.

Dipinto nel 1656 nel Cuarto del Príncipe del Alcázar di Madrid, ricrea un sorprendente gioco di luci e prospettive. Sullo sfondo, riflessi in uno specchio, vediamo i busti dei monarchi, re Filippo IV e sua moglie Mariana d'Austria. A sinistra della tela, Velázquez scatta un autoritratto al cavalletto. Le interpretazioni del lavoro sono state e continuano ad essere molto varie. Stai dipingendo i re e all'improvviso sei interrotto dalla piccola infanta Margarita, che è accompagnata dalle sue meninas e dal suo entourage? Comunque sia, il dipinto immerge completamente lo spettatore nella scena, come se fosse un altro personaggio in essa.

2. Giuditta e Oloferne, di Artemisia Gentileschi (Galleria degli Uffizi, Firenze)

Da qualche anno la straordinaria opera di Artemisia Gentileschi sta recuperando il posto che le spetta nella storia della pittura. Giuditta e Oloferne è uno dei capolavori non solo del suo corpus pittorico, ma della pittura barocca in generale.

L'artista ci rappresenta il momento, ricordato nella Bibbia, in cui Giuditta, l'eroina ebrea, decapita Oloferne, generale babilonese che la vuole. Artemisia rappresenta il momento con una ferocia che gela il respiro. Molti critici hanno voluto vedere nella crudezza di questo dipinto tutta la rabbia e la sofferenza che il violazione di cui fu vittima poco prima dell'esecuzione della prima versione del dipinto, conservata nel Museo di Capodimonte, Napoli. In ogni caso, i meravigliosi chiaroscuri, la composizione e il dinamismo dei personaggi fanno di quest'opera uno dei migliori esempi di pittura barocca.

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3. Ragazza che legge una lettera davanti alla finestra aperta, di Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresda)

Il grande e, allo stesso tempo, intimo universo pittorico di Vermeer si riduce, purtroppo, a una trentina di opere riconosciute. Questa scarsità di produzione artistica trasforma questo artista barocco olandese in un pittore circondato da un alone di mistero. I suoi interni erano estremamente apprezzati all'epoca, anche se in seguito caddero nell'oblio e furono rivendicati solo molto più tardi dagli impressionisti del XIX secolo.

Il lavoro che ci riguarda rappresenta perfettamente quell'universo di intimità domestica caratteristico del pittore. In una stanza illuminata dalla luce lattiginosa che entra da una finestra aperta, una giovane donna è intenta a leggere una lettera. Il suo mondo privato diventa più inaccessibile perché non possiamo raggiungerlo fisicamente, poiché il tavolo e la tenda in primo piano ce lo impediscono. Questa tela è un bell'esempio di pittura barocca dei Paesi Bassi e, soprattutto, di quel mondo di personaggi sfuggenti e quasi spettrali che popolano l'opera di questo straordinario artista.

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4. Natura morta, di Clara Peeters (Museo del Prado, Madrid)

Il genere delle nature morte non è stato molto apprezzato nella storia dell'arte, nonostante lo sia di un genere che richiede grande dettaglio e, ovviamente, un'indiscutibile capacità di catturare trame e superfici. Un capolavoro del genere è, senza dubbio, questo Natura morta della pittrice Clara Peeters.

In esso, il virtuosismo dell'artista non è solo evidente nell'attenta rappresentazione del elementi, ma nella serie di autoritratti che il pittore realizzò, come riflesso, nella brocca e in La tazza. Catturare un riflesso su una superficie era qualcosa che richiedeva uno squisito virtuosismo, e Clara registra la sua abilità pittorica attraverso questa risorsa, oltre ad essere un modo per rivendicare il tuo ruolo di artista in una professione dominata dagli uomini.

5. L'incredulità di San Tommaso, di Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Il tema biblico del dubbio del santo prima della risurrezione di Cristo è raccolto in quest'opera con un naturalismo impressionante. San Tommaso sta infilando un dito nella ferita che Gesù guarda su uno dei suoi fianchi. Cristo stesso guida la sua mano, incoraggiandolo a credere attraverso l'evidenza fisica ciò che non ha creduto attraverso la fede. Questa scena non si era mai vista raccontata con tanta, potremmo dire, crudezza. Il caratteristico realismo del Caravaggio è evidente nell'anatomia dei corpi, nelle rughe che solcano la fronte dei apostoli, nelle unghie sporche che lo stesso san Tommaso presenta e, soprattutto, nella punta del dito che entra nella carne di Cristo. L'opera di Caravaggio è uno dei migliori esempi del fatto che il barocco non è solo teatralità e sfarzo, ma spesso si avvicina alla realtà con sorprendente naturalismo.

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6. cristo crocifisso, di José de Ribera (Museo Diocesano di Arte Sacra, Vitoria-Gasteiz)

Uno dei crocifissi più imponenti della pittura barocca. È conservato nel Museo Diocesano di Arte Sacra di Vitoria-Gasteiz, dal convento scomparso di Santo Domingo, ed è considerata una delle migliori rappresentazioni di Cristo crocifisso in pittura. Spagnolo. Su uno sfondo neutro e marcatamente scuro, che rafforza l'idea dell'eclisse biblica che ha accompagnato il morte di Cristo, la figura di Gesù si erge sulla croce, con il corpo bianco e contorto in a costretto contrapposto. L'unica fonte di luce è il suo corpo, poiché anche il panno della purezza è di una tonalità simile al legno della croce a cui è inchiodato. La scena sembra cogliere il momento in cui Cristo alza gli occhi al cielo e mormora: “Tutto è finito. Consumato est”.

7. Bambini che mangiano uva e melone, di Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, Monaco di Baviera)

Abbiamo già commentato che il realismo è tipico anche dell'arte barocca. Ne è un buon esempio questa meravigliosa tela del pittore Bartolomé Esteban Murillo, conservata a Monaco, che rappresenta due bambini mal vestiti che mangiano uva e melone. La Spagna del XVII secolo offriva forti contrasti e la povertà era uno spettacolo comune nelle strade di città come Madrid. In questa occasione Murillo rappresenta i due ragazzi concentrati sul cibo. Non stanno guardando lo spettatore; in realtà, quasi non si accorgono della nostra presenza. Mentre divorano il melone e l'uva (forse uno dei pochi alimenti a cui avranno accesso per molti giorni), parlano con calma, come testimoniano i loro sguardi scambiati. Piedi nudi sporchi e vestiti logori aggiungono una nota drammatica alla scena accattivante.

8. Volta con il Apoteosi della monarchia spagnola, di Luca Giordano (Museo del Prado, Madrid)

Questo fantastico soffitto, realizzato alla fine del XVII secolo con la tecnica del falso affresco, è attualmente visibile nella Biblioteca del Museo del Prado di Madrid. In origine la volta apparteneva all'antica Sala degli Ambasciatori del Palazzo del Buen Retiro, un luogo di riposo e svago che il conte-duca di Olivares fece costruire per il re Felipe IV.

Come indica il nome, la Sala degli Ambasciatori era il luogo di accoglienza del monarca, quindi l'iconografia esposta sul soffitto è un'esaltazione della monarchia ispanica. Giordano crea una composizione straordinaria, costellata di allegorie e simboli tratti dalla mitologia. che ha cercato di evidenziare l'antichità della corona spagnola e la sua preminenza sulle altre case reali Europeo.

9. i tre grazie, di Rubens (Museo del Prado, Madrid)

A quanto pare, Rubens realizzò questa tela, una delle più famose della sua opera, per proprio diletto, come testimonia il fatto che, alla sua morte, era nella sua collezione personale. Infatti i lineamenti della donna a sinistra sono molto simili a quelli della sua seconda moglie, Helena Fourment, che Rubens sposò quando lei aveva solo sedici anni e lui cinquanta tre. Da tempi antichi, È usuale trovare il motivo delle Grazie legato ai fidanzamenti, quindi non sembra irragionevole supporre che l'artista abbia dipinto il dipinto in omaggio al proprio legame. Le tre figure si alzano voluttuosamente e uniscono le mani in quella che sembra essere una specie di danza. È infatti uno dei dipinti più eleganti e sensuali dell'artista.

10. Maddalena penitente della lampada, di Georges de La Tour (Museo del Louvre, Parigi)

De La Tour è un pittore fantastico famoso per lo squisito chiaroscuro nelle sue composizioni, ottenuto dal bagliore di una o più candele.

In questo caso il dipinto ci mostra una Maria Maddalena assorta nella sua meditazione. Il suo sguardo è fisso sul fuoco della candela che arde davanti a lei, unica fonte di luce del dipinto, come è consuetudine nel lavoro dell'artista. La santa sorregge con una mano la testa, mentre nell'altra, che le poggia in grembo, regge un teschio, simbolo della penitenza e della caducità della vita, così tipico del barocco. Il motivo della Maddalena penitente era molto comune nel XVII secolo. Lo stesso De La Tour ha realizzato fino a cinque versioni di questo dipinto. In due di esse il teschio è sul tavolo, e con il suo volume nasconde il fuoco della candela, che accentua ulteriormente il chiaroscuro della scena.