I 10 più importanti artisti barocchi

Difficile, se non impossibile, scegliere 10 artisti tra i grandi nomi che l'epoca barocca ci ha regalato. Tuttavia, in questo articolo faremo un tentativo. ti offriamo un elenco dei 10 migliori artisti barocchi che erano veri geni della pittura, della scultura e dell'architettura, insieme alla sua biografia (spesso movimentata).

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Artisti barocchi che dovresti conoscere

Certo, ce ne sono molti altri. Il barocco è un movimento che ha dato splendore alle arti e lasciato ai posteri nomi illustri come Velázquez, Rubens o Bernini. Qui vi lasciamo solo 10 di questi artisti più importanti, ma vi invitiamo a indagare per incontrare gli altri artisti barocchi che rimangono in cantiere. Goditi il ​​tour!

1. Diego Velazquez

Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) è senza dubbio uno dei massimi esponenti del barocco. Nacque nella cosmopolita Siviglia alla fine del XVI secolo, uno dei centri economici e artistici più dinamici d'Europa. Già in gioventù, appena uscito dalla bottega di Francisco Pacheco (con la figlia di cui aveva, tra l'altro, sposato), Velázquez dimostra un talento raro che è evidente in opere come il

Vecchia donna che frigge le uova (1618) o Il waterboy di Siviglia (1620). L'eccezionale ritratto di Jerónima de la Fuente, realizzato quando il pittore aveva solo 21 anni, è un meraviglioso esempio di l'innata maestria dell'artista nel cogliere la psicologia dei suoi soggetti.

All'età di 24 anni troviamo Velázquez a Madrid dove, con l'aiuto del suocero e di alcuni suoi contatti, viene presentato a Felipe IV. Ben presto il monarca, che non è indifferente alla qualità artistica, nota il suo lavoro. Per questo monarca e la sua cerchia, l'artista ha creato autentici capolavori, come la serie di ritratti di Felipe IV, il magnifico ritratto equestre del conte-duca di Olivares o il celeberrimo Las Meninas, eseguito già nella sua fase di pienezza artistica.

Rubens, che ha incontrato personalmente, supplica Felipe IV di inviare Velázquez in Italia. Questo primo viaggio nella penisola italiana fornisce all'artista la conoscenza dei classici e dei maestri del Rinascimento. Il risultato del suo viaggio italiano è il suo lavoro Forgia di Vulcano (1630), uno dei pochissimi dipinti a tema mitologico che troviamo nel suo corpus pittorico. Durante il suo secondo soggiorno in Italia, realizza quello che sarà l'unico nudo della sua opera, il Venere speculare (1647-1651), e che sarà anche uno dei pochi nudi della pittura spagnola insieme al Il pestello di Goya.

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2. Gian Lorenzo Bernini

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) è una di quelle travolgenti personalità artistiche che compaiono di volta in volta nella storia dell'arte.

Noto scultore, ma anche pittore e architetto, è stato spesso paragonato a Michelangelo per le sue molteplici sfaccettature, tutte eseguite con grande qualità artistica. Il giovane Gian Lorenzo si era formato nella bottega del padre, che era uno scultore, e ben presto dimostrò l'innato talento che possedeva. I gruppi scultorei commissionati dal cardinale Borghese lo consacrano come uno dei migliori scultori della sua generazione. In effetti, in alcune di queste opere, come ad esempio Il rapimento di Proserpina O Apollo e Dafne, l'artista mostra tutta la sua maestria con lo scalpello. Le sculture presentano un realismo impressionante e creano una straordinaria illusione di movimento.

Bernini sviluppa il suo corpus artistico sotto il mandato di ben sette papi. A partire dal 1629, ea soli 31 anni, Bernini si occupò del più grande monumento della cristianità: la Basilica di San Pedro, la cui riforma era iniziata qualche secolo prima e aveva incluso autentici geni come Michelangelo, Raffaello e Spago. Bernini si occupa anche dell'imponente baldacchino in bronzo massiccio che adorna l'altare maggiore della basilica e della Cattedra di San Pedro (anch'essa in bronzo), così come la non meno imponente Plaza de San Pedro e la sua colonnato. Portata al vertice da papa Urbano VIII, la Roma barocca è dovuta, in parte, alla sua opera prolifica e sorprendente.

3. Pietro Paolo Rubens

Per molti, evocare la pittura barocca significa evocare Rubens (1577-1640). Infatti, Fu un pittore prolifico che ebbe numerosi discepoli e assistenti nella sua bottega per cedere il passo all'enorme richiesta che ha ricevuto. Tutte le case aristocratiche volevano un'opera di Rubens. E, tra i suoi più grandi clienti, c'era la corona spagnola degli Asburgo.

Peter Paul Rubens nacque in Vestfalia, nell'odierna Germania. Ben presto si stabilì ad Anversa, dove ricevette un'educazione pittorica e umanistica per mano di artisti manieristi. Dopo un soggiorno in Italia e, successivamente, in Spagna, dove realizzò il celebre e suggestivo ritratto equestre del duca di Lerma, fidato dal re Felipe III, Rubens si stabilì ad Anversa e sposò Isabel Brant. In quegli anni l'artista era all'apice della sua fama, e realizzò imponenti tele su temi religiosi e l'esaltazione della monarchia. Ma probabilmente i dipinti per i quali Rubens è meglio ricordato sono quelli che trattano temi mitologici.

L'artista aveva una solida formazione umanistica, rafforzata dai suoi viaggi in Italia, e seppe trasferire questa conoscenza sulle sue tele. Sono notevoli per i loro colori squisiti e le loro pennellate sensuali. Le Tre Grazie (1639), opera abbastanza tarda nella sua produzione e che comprende la rappresentazione della sua seconda moglie, Helena Fourment; IL Creazione della Via Lattea (1636-38) e Il giudizio di Parigi (1638).

4. Anton Vandyck

Anton Van Dyck è uno dei grandi della pittura barocca inglese. È considerato da molti autori un discepolo di Rubens, ma questo è un argomento ancora oggetto di dibattito. Il fatto che, nelle commissioni ricevute, entrambi i pittori ricevessero compensi identici, fa supporre che più che un discepolo, Van Dyck fosse un suo collaboratore.

Pur essendo un pittore eccezionale in tutti i campi, Van Dyck è ricordato soprattutto per i suoi ritratti.. Carlo I d'Inghilterra, affascinato dalla sua opera, lo chiama al suo fianco e lo nomina pittore da camera nel 1632, così il fiammingo si stabilisce stabilmente a Londra e sposò Mary Ruthwen, della quale realizzò, nel 1639, un delizioso ritratto in cui la dama appare vestita di un serico vestito blu. Mary soffriva di alopecia e suo marito non nasconde questo "difetto" nel suo ritratto. Tuttavia, rappresenta la giovane donna con una dolcezza e dignità che sono caratteristiche delle sue opere, in cui la realtà del personaggio si mescola a un alone di eleganza e raffinatezza.

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5. Artemisia Gentileschi

Una delle più celebri pittrici barocche, Artemisia Gentileschi (1593-1656) è però ricordata quasi esclusivamente per il triste episodio del suo stupro. Ha prodotto il suo primo lavoro importante a soli 17 anni, Susana e il vecchio (1610), dove illustra il noto passo della Bibbia in modo realistico e crudo.

Formatosi nella bottega del padre, Orazio Gentileschi, all'età di 18 anni le mette a disposizione un maestro privato, poiché lo status di donna di Artemisia le impediva di accedere ad un'accademia. Questo tutore, Agostino Tassi, abusa sessualmente di lei, così il padre porta il criminale in tribunale. Artemisia (che è, in realtà, la vittima), viene sottoposta a un interrogatorio umiliante, vergognoso visita ginecologica e, infine, ad una tortura più che raccapricciante, per "verificare" quanto il VERO. Artemisia mantiene la sua posizione e Tassi viene condannata a un anno di prigione ed esilio.

È stato commentato che una delle opere più famose dell'artista, Giuditta che decapita Oloferne (1612-13), è una sorta di vendetta, un grido di rabbia lanciato ai quattro venti per sfogare il dolore che questo episodio della sua vita gli ha causato. Non sappiamo se sia stato esattamente così, ma quel che è certo è che la tela ha una crudezza struggente, e probabilmente supera l'omonima opera del Caravaggio, dal quale, tra l'altro, Artemisia trasse il suo tenebrismo e il magnifico e travolgente chiaroscuro.

6. Francesco Borromini

La biografia di Francesco Castelli (1599-1667), che poi mutò il suo cognome in Borromini, è famosa per il suo finale tragico. La mattina del 2 agosto 1667 l'artista, probabilmente immerso in una grave depressione, si gettò sulla sua spada. sbiadito con lui una delle luci più brillanti del barocco italiano.

Eterno nemico di Gian Lorenzo Bernini, la vita di Borromini è stata una continua lotta per restare al vertice. Roma era, a quei tempi, l'epicentro dell'arte europea. I papi si susseguirono e commissionarono opere una dopo l'altra, con l'intento di abbellire la Città Eterna e farne un simbolo vivente della Controriforma. Francesco Borromini arrivò nella città pontificia a soli 20 anni, dopo un soggiorno a Milano, dove aveva lavorato al Duomo. A Roma, Borromini iniziò a lavorare a San Pietro, e successivamente a Palazzo Barberini, insieme al suo successivo rivale, Bernini.

Molti autori si sono chiesti quale sia stato il vero motivo che ha portato il grande artista a porre fine alla sua vita. Sembra che il Borromini avesse un carattere malinconico, che si accentuò con il passare degli anni e vide che i principali ordini papali cadevano sul suo nemico. È più che probabile che questo, insieme alla propria instabilità affettiva e alla morte dell'amico e confidente Fioravante Martinelli, lo abbia fatto precipitare, come abbiamo già detto, in una grave depressione. Comunque sia, il 2 agosto 1667 il mondo perdeva uno dei più grandi artisti barocchi, autore, tra le altre meraviglie, della splendida chiesa di San Carlo alle Quattre Fontane, a Roma.

7. Michelangelo Merisi (Caravaggio)

Michelangelo Merisi, meglio conosciuto come "Il Caravaggio" (1571-1610) è un altro di quegli artisti che, come Vermeer, ci ha lasciato pochi esempi della sua magnifica opera. In effetti, ce ne sono pochi caravaggio che si conservano nel mondo, anche per il suo fugace passaggio nel mondo (morì a 39 anni). caravaggio È famoso, tra le altre cose, per essere stato l'"inventore" del tenebrismo, un effetto di contrasti tra chiaro e scuro che avrebbero dato un timbro di personalità a tutti i suoi dipinti, e che saranno imitati da altri artisti, tra cui la pur grande Artemisia Gentileschi.

Quando la famiglia di Caravaggio si trasferì a Roma, il giovane iniziò a formarsi in modeste botteghe di pittori. Il suo primo grande lavoro conosciuto è il ragazzo sbucciare la frutta, del 1592, realizzata quando Caravaggio viveva con Monsignor Colonna, che il giovane pittore soprannominò “Monsignor lattuga” per la dieta poco variata che il sacerdote gli offriva. Molti autori hanno segnalato i possibili favori sessuali che i giovani pittori concedevano in cambio di una casa e protezione. Il fatto è incerto, ma è una possibilità del tutto plausibile. La vita di Caravaggio, infatti, è sempre scivolata negli strati più bassi e oscuri della società.

Da questi ambienti ha tratto i modelli per i suoi quadri, e per questo ritroviamo nelle sue opere quell'aria di realtà e naturalismo che ci commuove. Infatti, alcune delle sue opere furono rifiutate dai loro committenti per il loro accentuato naturalismo, che peccato contro il "decoro" (il nome dato al modo corretto di rappresentare le scene religioso). Un caso noto è La morte della Vergine (1604), per il quale Caravaggio modellò una prostituta annegata nel Tevere.

Lo stesso Caravaggio non sfuggì alla nefasta influenza dei circoli loschi che frequentava. Famoso per i litigi e la violenta ubriachezza, nel 1607 uccise un uomo in una colluttazione e dovette fuggire da Roma. Da quel momento la sua vita sarà un continuo pellegrinaggio fino alla sua stessa morte, avvenuta nel 1610.

8. Luisa Roldàn ("La Roldana")

Luisa Roldán (1652-1706) è uno dei nomi femminili da incorniciare a lettere d'oro nella storia dell'arte. Ingiustamente dimenticata nei libri, come la maggior parte delle sue compagne, Luisa diresse a metà del Seicento un laboratorio di scultura. Nacque nella frenetica e dinamica Siviglia del XVII secolo, che vide allenarsi anche altri grandi come Velázquez o Murillo, e si formò nella bottega di suo padre, Pedro Roldán. Durante i primi anni, Luisa scolpì imponenti figure a grandezza naturale che seguivano le linee guida della Controriforma cattolica; la maggior parte dei quali destinati alle processioni andaluse. È famosa anche per la produzione di figure in terracotta per i presepi napoletani che tanto andavano di moda all'epoca.

Luisa visse con il marito a Siviglia (che aveva sposato all'età di 19 anni senza il consenso dei genitori) fino al 1686, anno in cui si trasferirono a Cadice. La tappa della pienezza di Luisa Roldán è però la sua tappa a Madrid, città dove arrivò nel 1689, accompagnata dal marito e dai figli. Nel 1692 arriva l'appuntamento tanto atteso: il re Carlos II la nomina scultore da camera. Sono di questo periodo madrileno le sue terrecotte di piccolo formato, destinate a famiglie nobili e borghesi per devozione privata. Come nel caso della maggior parte delle artiste, fino a poco tempo fa gran parte del suo lavoro era stato attribuito a suo padre oa suo marito. Fortunatamente, attualmente nuovi studi hanno messo i puntini sulle i e hanno dimostrato la prolifica produzione di questo artista sivigliano, uno dei grandi scultori del barocco ispanico.

9. Bartolomé Esteban Murillo

Se qualcosa viene ricordato a livello popolare di questo eccellente artista del barocco spagnolo, è la sua Immacolata Concezione e i suoi bellissimi Bambini Gesù e San Giovanni.

Infatti, l'opera di Murillo (1617-1682) sfugge alla celebre monumentalità barocca e ci introduce in un mondo di intima dolcezza che sembra preso dalla quotidianità più severa. Un grande esempio di questa "discesa dei religiosi sulla terra" che, d'altra parte, è tipica del linguaggio barocco, è il suo celebre dipinto La Sacra Famiglia dell'uccellino, dove ci viene mostrata una famiglia normale, consegnata alle faccende quotidiane. La Vergine, sullo sfondo, osserva San Giuseppe che gioca con il Bambino. Non c'è nulla nella scena che ci dice che i personaggi sono santi, né che il bambino è un figlio di Dio. È un'istantanea di una famiglia ordinaria nella Spagna del XVII secolo. E questo è il vero valore del lavoro di Murillo.

L'artista sivigliano raccoglie inoltre nella sua opera, parallelamente al caratteristico naturalismo barocco, una raffinatezza che quasi preannuncia l'estetica rococò del secolo successivo. I suoi dipinti naturalistici estraggono i motivi e i personaggi dalla vita quotidiana, come hanno fatto Caravaggio e Velázquez. sulla sua tela Bambini che mangiano uva e melone, vediamo due ragazzini che si divertono a divorare la frutta, forse uno dei pochi alimenti a cui potranno accedere tra diversi giorni. I suoi piedini sporchi e gli abiti strappati sono note di realismo con cui Murillo addita la povertà dei ragazzi. D'altra parte, le sue famose Immacolate Concezioni, simbolo della Controriforma, posano allo stesso tempo monumentalità e dolcezza, e i volti di queste vergini sono tra i più belli del pittura spagnola.

10. Giovanni Vermeer

Vermeer (1632-1675) è, insieme a Caravaggio, uno dei pittori che ci ha lasciato il più piccolo corpo d'arte. Appena una trentina di opere sono disseminate tra i migliori musei del mondo, ma questa scarsa produzione sufficiente per rendersi conto che si tratta di uno dei grandi geni della pittura universale.

Johannes Vermeer nacque a Delft nell'autunno del 1632. In quegli anni le cosiddette Province Unite erano già indipendenti dalla corona spagnola, e nel paese si sviluppa una produzione artistica straordinaria, che è stata definita l'Età d'Oro dei Paesi Basso. I grandi mecenati, a differenza dei paesi cattolici, erano i borghesi ei mercanti delle città. Ecco perché in Olanda troviamo un altro tipo di linguaggio pittorico, che non ha nulla a che fare con il barocco meridionale.

La borghesia olandese, anch'essa protestante, non voleva grandi tele di apoteosi biblica, ma preferiva scene di intimità quotidiana. Ed è di questo che Vermeer era un vero maestro.

Gli interni vermeeriani sono squisiti, nonostante si svolgano quasi tutti nella stessa stanza, di cui cambia solo la posizione degli elementi. In tutte le sue opere, i personaggi sembrano colti di sorpresa mentre svolgono le loro attività quotidiane. Nella commedia vediamo una giovane donna assorta nella lettura di una lettera ragazza che legge una lettera (1657), che non si è accorto della nostra presenza, o un'altra giovane donna che, appoggiando la testa sulla mano, fa un breve pisolino (ragazza addormentata, 1657). In tutte le opere di Vermeer abbiamo la sensazione di entrare in un mondo che non ci appartiene.