Edvard Munch: 20 opere brillanti per comprendere il padre dell'espressionismo

Edvard Munch è un pittore norvegese situato nella transizione dal XIX al XX secolo ed è considerato il padre dell'espressionismo. La sua opera, scandalosa per molti, suscitò l'ammirazione dei giovani artisti e del pubblico non specializzato. Questi sono stati identificati con l'ansia generata dalla rapida industrializzazione e dal meccanismo prevalente.

Per gli artisti affermati, la causa dello scandalo era nella libertà tecnica di Munch. Per i settori conservatori si basava sul fatto che il pittore affrontava apertamente temi come il sesso, l'amore e, soprattutto, la malattia e la morte, sue grandi ossessioni.

Il suo stile era unico grazie al fatto che creava un linguaggio autentico e originale, conseguenza del libero dialogo con il post-impressionismo, l'art nouveau e l'avanguardia. Ecco perché, sebbene Munch abbia aperto le porte dell'espressionismo, non può essere etichettato in nessun movimento. Dando uno sguardo alle sue opere più importanti capiremo perché Munch è un artista unico e irripetibile.

1. L'urlo, 1893

L'urlo È l'opera di Munch che ha scatenato più scandalo, eppure oggi è considerata la Monna Lisa dell'arte contemporanea. Rappresenta una persona androgina il cui volto esprime angoscia nella sua massima espressione dopo aver sentito o emesso un urlo. Il soggetto, di conseguenza, percepisce il mondo come una massa ondulata e stridula. Nessuno tranne Munch lo aveva fatto prima nell'arte.

Lo spettacolo è stato concepito dopo il periodo in cui una delle sue sorelle è stata imprigionata per tentato suicidio, suggerendo una qualche connessione con l'episodio. Una curiosità su L'urlo è che Munch fece quattro versioni con lievi differenze tra loro, una pratica molto comune nel pittore. La versione più famosa è quella del 1893, trafugata nel 1994 e recuperata poco dopo.

2. Ansia, 1894

sì L'urlo è l'immagine della disperazione individuale, Ansia è l'espressione dell'angoscia collettiva che Munch cattura nell'anima norvegese. Munch, quindi, non è un artista limitato al registro del disagio individuale, ma è sensibile al disagio generale che colpisce la società di fine Ottocento, la cui trasformazione è molto più rapida della sua capacità di elaborare i cambiamenti.

La tela Ansia Si basa su due precedenti dipinti di Munch. Il paesaggio in cui vediamo Ansia è stato recuperato dalla tela L'urlo. I personaggi, invece, sono stati presi da Pomeriggio in Karl Johan Street. La strategia di prendere elementi dai fotogrammi precedenti è ricorrente in Munch. Il pittore non solo "rappresenta" scene, ma gli elementi che le costituiscono sono concepiti come propri simboli.

3. La ragazza malata, 1885-1886

La ragazza malata corrisponde a uno stile giovanile nell'opera di Munch, che si avvicina all'impressionismo. La tela raffigura la sorella minore di Munch, Sophie, sul letto di morte per tubercolosi. A quel punto, la giovane donna aveva circa 15 anni.

Come era sua abitudine, Munch ha eseguito diverse versioni di questa canzone, che è stata per lui una fonte permanente di dolore e colpa. Ciò era dovuto al fatto che il pittore, che aveva sofferto di tubercolosi all'età di 13 anni, sentiva che doveva essere morto lui al posto della sorella.

4. Amore e dolore (vampiro), 1893

Munch ha intitolato questo lavoro Amore e dolore. In esso, rappresentava una donna che abbraccia un uomo che giace in grembo, come se cercasse conforto. Sebbene Munch non abbia mai rivelato il significato personale dell'opera, il titolo originale la dice lunga. Tuttavia, quando questo pezzo è stato rivelato, ha suscitato un enorme scandalo.

La gente vedeva in lei segni sadomasochistici e interpretava che la donna mordeva il collo del suo amante come un vampiro. Di conseguenza, il dipinto iniziò ad essere conosciuto come Vampiro. Tale fu lo scandalo che, anni dopo, questo fu uno dei tanti dipinti di Munch censurati durante l'occupazione nazista della Norvegia.

5. Madonna, 1894

La scatola conosciuta come Madonna era originariamente intitolato title donna amante o Donna che ama. Rinominare il lavoro Madonna è senza dubbio una provocazione. Munch ha prodotto almeno cinque versioni conosciute di questo pezzo.

L'artista fa una rappresentazione della donna come se fosse un'icona, per trasmettere il senso di adorazione che la sua bellezza e la sua sessualità risvegliano. L'alone rosso che circonda la sua testa allude al rapporto tra amore e dolore, anche durante la consumazione dell'atto sessuale.

Questa ipotesi è giustificata perché Munch ne realizzò una versione incisa, la cui cornice includeva motivi decorativi di spermatozoi che convergono su un macabro feto. In conclusione, il dipinto è un simbolo del ciclo della vita che passa attraverso la sessualità, la procreazione e la morte.

6. Cenere, 1894

Cenere È considerata una delle opere con la maggiore bellezza estetica di Munch per l'intrecciatura delle linee e la colorazione. Nella composizione vediamo un uomo vestito di nero, il colore dell'oscurità e della morte. L'uomo è perso in un angolo, come se nascondesse il viso per la vergogna, con le mani sulla testa. Ci ricorda l'uomo abbattuto di Amore e dolore (Vampiro).

Dietro di lui, alza le mani anche una donna in abito bianco, il colore della purezza, e con un corpetto rosso, il colore della passione. Il suo volto esprime tristezza e preoccupazione. Il velo della passione è stato squarciato.

Il rapporto tra l'immagine e il titolo indica un paradosso: quando la passione si consuma, si dissipa. Il fuoco della passione lascia solo cenere. Ma in più, i gesti dei personaggi evocano sensi di colpa e disperazione. Questo rivela che l'evento sfida un codice morale. È adulterio? Era uno stupro? Deve essere lo spettatore a decifrarlo.

7. Pubertà, 1894-1895

Sopra Pubertà, Munch ritrae un giovane adolescente completamente nudo. La giovane donna ha un volto timoroso e nasconde le sue parti intime. Più che un simbolo di modestia e innocenza, i gesti sono un simbolo di paura e repressione di fronte a sessualità, che Munch ha sofferto in gioventù, dato il rigore religioso di suo padre e il contesto di the epoca.

L'atmosfera misteriosa della scena è confermata dall'ombra indecifrabile sullo sfondo, che sembra una sorta di fantasmagoria inquietante. L'importanza di questo primo lavoro di Munch risiede nel fatto che rappresenta il punto di svolta tra il tratto "impressionista" e la liberazione della tecnica al servizio del mondo psicologico dell'artista.

8. Autoritratto con sigaretta, 1895

Autoritratto con sigaretta È una delle opere più famose di Munch, oltre ad essere il suo autoritratto più noto tra i tanti che ha realizzato. Su tela, l'autore dimostra una comprensione e una padronanza assoluta della tecnica per rappresentare il bagliore della luce in mezzo all'oscurità e al fumo.

In tal modo, Munch crea un'atmosfera quasi misteriosa che attira l'attenzione sul suo viso e sulla sua mano. Il viso sembra tra perplesso e sorpreso, mentre la mano, oltre a tenere la sigaretta, si eleva all'altezza del cuore. Se il volto è il segno dell'identità interiore del soggetto, affetto da instabilità emotiva, la mano è il simbolo dell'artista plastico.

9. Morte nella stanza, 1895

Durante la sua infanzia, Edvard Munch ha visto molti membri della famiglia morire di tubercolosi: sua madre e suo padre sono alcuni dei casi. Morte nella stanza rappresenta la sofferenza della sua famiglia per la perdita della sorella minore, Sophie, che non vediamo. È un genio dell'autore focalizzare l'attenzione dello spettatore sulla sofferenza emotiva piuttosto che sulla morte.

L'uomo che alza le mani in atteggiamento orante è suo padre, un severo religioso protestante. Si crede che l'uomo appoggiato al muro sia Munch, che volta le spalle alla scena (morte, affetto e fede), mentre guarda dritto verso la propria ombra. Evidenzia il fatto che ogni membro della famiglia soffre separatamente.

10. Due esseri umani (quelli soli), 1896

La tela Due esseri umani non è altro che un'allegoria della solitudine. In esso vediamo un uomo e una donna senza identità, con le spalle allo spettatore, contemplando l'orizzonte inerte. Tra i due sembra esserci una distanza insormontabile.

L'opera, come tante altre di Munch, è stata ricoperta numerose volte e con tecniche diverse. Sia il tema che il modo di rappresentarlo confermano il carattere ansioso, solitario e depressivo dell'artista.

11. Il bacio, 1897

Il bacio, del 1897, è una delle versioni del dipinto noto come Il bacio dietro la finestradallo stesso Munch. Spicca il modo in cui il pittore ha rappresentato le due figure. Sembrano un corpo unico, senza linee divisorie tra loro. I personaggi mancano di identità, di propri limiti.

La fusione dei personaggi non può essere letta romanticamente, poiché l'atmosfera cupa e pesante della scena suggerisce anche la vicinanza della morte. L'impatto generato da questa serie è stato tale da ispirare la celebre opera Il baciodi Gustav Klimt.

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12. Fertilità, 1898

Sulla tela Fertilità da Munch vediamo una donna incinta, eretta, che porta gli abbondanti frutti dell'albero. Di fronte a lei, l'uomo seduto, avvilito e chinato per contrasto. Accanto a lui si vede un bastone caduto. C'è una continuità tra l'uomo e l'albero perché il primo poggia il piede sul tronco dell'albero.

L'albero potrebbe essere interpretato come l'albero della vita. Tuttavia, un ramo è stato reciso, di cui rimane solo un moncone. Per portare frutto, l'albero è stato potato, smembrato.

Le interpretazioni più radicali suggeriscono che Munch esprima il suo rifiuto di avere figli. I suoi frutti rappresenterebbero la fine dei suoi frutti. L'interpretazione si basa sul fatto che il dipinto fu dipinto quando Munch si trovò di fronte alla possibilità di sposarsi con Tulla Larsen, un impegno mai consumato.

13. Incontro nello spazio, 1898

Sopra Incontro nello spazio vediamo un uomo e una donna gravitare nello spazio. L'opera rappresenta un momento erotico, delimitato non solo da corpi e gesti, ma anche da linee allusive al movimento dello sperma intorno alle figure. I volti sono distanti tra loro. La donna sembra quasi indifferente. L'uomo sembra consegnato. Il pezzo mostra la versatilità tecnica dell'autore, così come i simboli e le risorse espressive.

14. Danza della vita, 1899

Danza della vita è una metafora delle tappe della vita e dell'amore. È una scena all'aperto, il cui sfondo è un cielo blu profondo su un lago norvegese. Nel cielo vediamo il sole del nord e il suo riflesso nell'acqua, uno dei simboli che viene costantemente ripetuto nei dipinti del pittore.

In primo piano vediamo la stessa donna in tre fasi: a sinistra una fanciulla vestita di bianco. A destra, una donna solitaria vestita di nero. Al centro, la donna e il suo uomo ballano come se il mondo non esistesse. Il rosso del vestito simboleggia la vita e la passione. La coppia potrebbe essere Tulla Larsen e Munch.

Intorno a loro danzano altri personaggi. Dietro la donna in nero, si vede un uomo grottesco pronto ad abusare di una donna. L'importanza di questo lavoro risiede nel modo in cui Munch riesce a trasmettere la complessità della sua angoscia interiore attorno alle fasi della vita, che circoscrive all'amore.

15. La morte di Marati, 1907

Durante un periodo della sua vita, Munch si dedicò alla realizzazione di varie versioni di La morte di Marati. Tra queste versioni, ne presentiamo una realizzata nel 1907. Marat era un giornalista e politico francese del XVIII secolo, assassinato da Charlotte Corday.

La serie sembra avere lo stesso Munch come riferimento maschile, consolidando così l'idea che il pittore si sentisse vittima delle donne. Dal punto di vista estetico, l'opera si distingue per l'uso delle linee come forma di colorazione. È una sorta di raggiismo che rompe con lo stile modernista della linea curva e con l'uso di superfici dense e colorate.

16. Uomini bagnanti, 1907

Uomini bagnanti de Munch si distingue per il suo carattere vivace e vibrante, che si contrappone alle atmosfere ondeggianti e cupe di molte sue tele. La scena raffigura un gruppo di uomini su una spiaggia nudista, dove Munch stava trascorrendo un periodo di convalescenza.

Munch mostra il suo talento per il disegno anatomico, così come il suo talento per la colorazione. La tecnica attuata si nutre di principi impressionisti e rayonisti e, per alcuni aspetti, sembra dialogare con il fauvismo.

17. Sole, 1909-1911

Sole è un murale monumentale di Edvard Munch trovato nell'Università di Oslo. In questo Munch esplora nuovi linguaggi plastici che lo avvicinano all'avanguardia astratta, in particolare Kandinsky, rappresentante del gruppo Der Blaue Reiter, e all'astrazione lirica.

Il simbolismo qui raggiunge la sua massima espressione. Il sole diventa metafora del divino, che irradia la sua luce sul mondo e cancella le ombre dell'ignoranza. Con questo lavoro, Munch dimostra ancora una volta la sua libertà creativa, il che spiega perché non può essere etichettato in un unico stile o movimento. Munch si rivela un artista unico in costante innovazione.

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18. Cavallo al galoppo, 1912

Nella cornice Cavallo al galoppo, vediamo un cavallo che traina una slitta da neve con un uomo a bordo. Il dettaglio accattivante è sul sentiero, che si distingue per essere eccessivamente stretto per l'impresa.

L'espressione spaventata del cavallo e la disposizione delle persone a lato della strada fanno intuire un pericolo imminente. I bambini a destra cercano di scappare, mentre gli adulti a sinistra aspettano imperterriti prima di muoversi. È un nuovo approccio al tema della paura e dell'ansia, così presente nell'autore.

19. Lavoratori nella neve, 1913

Edvard Munch era anche sensibile alla realtà sociale che lo circondava. Ne sono prova i diversi dipinti che ha realizzato sui lavoratori, come questa tela chiamata Lavoratori nella neve.

In primo piano, Munch rappresenta tre operai in piedi davanti allo spettatore, con le loro pale come fulcro. In essi si avverte forza, ma anche stanchezza e invecchiamento.

Il pugno alzato dell'operaio disposto al centro, suggerisce un reclamo o una richiesta. Questi tre uomini sembrano essere in armi. Dietro questi tre personaggi, gli altri lavoratori continuano il loro lavoro, ignari dello sguardo dell'artista e della società.

20. Autoritratto tra l'orologio e il letto, 1940-1943

Autoritratto tra l'orologio e il letto è un dipinto dell'ultima fase creativa di Munch. Munch ha approfittato della tela per simboleggiare la vicinanza della morte, ponendo la sua figura tra un orologio a pendolo e il letto. L'orologio rappresenta lo scorrere inarrestabile del tempo, e il letto rappresenta la morte come letto finale, come riposo eterno.

Un dettaglio spicca per contrasto: mentre l'orologio ha un design antico, il copriletto ha un design geometrico moderno. Con questo Munch esprime la coscienza sul drammatico cambiamento dei tempi che ha dovuto vivere.

Dietro Munch si distingue una sorta di stanza in cui è sottintesa la presenza di opere di riferimento della sua vita artistica, alla quale ha dedicato tutti i suoi sforzi.

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Biografia

Edvard Munch è un pittore e incisore norvegese nato il 12 dicembre 1863 e morto il 23 gennaio 1944.

Fin da giovane ha dovuto fare i conti con la malattia e la morte. La tubercolosi reclamò per la prima volta la vita di sua madre, Laura Cathrine Munch, quando il bambino aveva solo 5 anni. Più tardi, causò la morte di sua sorella minore, Sophie; quella degli zii e, anni dopo, quella di suo padre, Christian Munch. Anche lo stesso Edvard Munch ha sofferto della malattia all'età di 13 anni.

Questi eventi hanno portato il pittore a sviluppare un terribile terrore di malattie e malattie. morte e, quindi, soffrì di ansia e depressione per tutta la vita, che ne determinò le indagini artistico.

Munch iniziò a studiare ingegneria nel 1879, ma abbandonò presto questa carriera per dedicarsi alla pittura. Fu influenzato dall'arte francese del XIX secolo grazie ai suoi viaggi a Parigi. Intorno al 1890 iniziò a dipingere il progetto Il fregio della vita, una serie di dipinti raffiguranti diverse pietre miliari della vita umana, sulla base delle proprie esperienze.

Sebbene il suo lavoro sia stato inizialmente fonte di scandalo, ha finito per guadagnare un posto importante nei musei del suo paese e dell'Europa. Tuttavia, dopo l'occupazione nazista della Norvegia, intorno al 1940, i dipinti di Munch furono censurati dagli invasori e rimossi dalle mostre.

Tuttavia, l'anno 1942 segnò la sua definitiva consacrazione internazionale essendo oggetto di una mostra a New York in riconoscimento del suo fruttuoso lavoro artistico. Due anni dopo, Munch morì in assoluta solitudine.