La Scuola di Parigi e 5 dei suoi artisti più importanti

Sono conosciuti come “la scuola di Parigi”, ma in realtà non formarono alcuna scuola. Questo nome comprende diversi artisti che realizzarono le loro opere nella Parigi tra le due guerre e che furono legati a diversi movimenti.. Non rappresentano alcun gruppo coeso, né seguono linee guida artistiche simili; Ognuno di loro fu un creatore libero e appassionato, spesso devoto alle atmosfere del bohémien parigino. Nell'articolo di oggi parliamo della famosa “scuola di Parigi” e di 6 dei suoi artisti più importanti.

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Cos’è la “scuola di Parigi”?

La “scuola di Parigi” si riferisce ad un gruppo eterogeneo di artisti (pittori, scultori, designer, ecc.) che visse a Parigi nel periodo tra le due guerre, cioè dalla Prima Guerra Mondiale all'inizio del Secondo. Nello specifico, la durata della scuola è solitamente limitata tra gli anni 1915 e 1940, anni che segnano la grande tragedia delle guerre.

La maggior parte di questi artisti si conoscevano, poiché molti di loro erano immigrati arrivati ​​nella capitale francese all'inizio del XX secolo che si aiutavano e si sostenevano a vicenda. Gli anni 1905 e 1906 sono solitamente comuni per i loro arrivi; Sono anni chiave in cui l'attrazione che l'effervescenza culturale della città implica non viene meno indifferente a una moltitudine di giovani europei, fortemente interessati agli avvenimenti più furiosi dell'attualità mondiale Dell'arte.

La maggior parte di questi giovani provengono dall'Europa dell'Est, ma trascorreranno gran parte della loro vita in Francia, il paese che li ospita. Ma Cosa hanno in comune tutti questi artisti della scuola parigina? Niente, a meno che non sia il suo amore per l'arte, per la vita bohémien e per la coincidenza del tempo e dello spazio.. Ognuno segue il proprio stile e aderisce ad un movimento, quindi il nome scuola in realtà è qualcosa di abbastanza impreciso.

Artisti importanti nella Parigi tra le due guerre

Molti di questi artisti sono nomi immortali. Amedeo Modigliani, Jules Pascin, Chaïm Soutine, Robert e Sonia Delaunay, Olga Sacharoff… e, ovviamente, il geniale Pablo Picasso, che curiosamente non è solitamente incluso nell'elenco, nonostante si sia trasferito a Parigi contemporaneamente al suo compagni. Forse il motivo è da ricercarsi nel fatto che, quando gli altri cominciavano a ritagliarsi un posto nel mondo mondo artistico della capitale francese, Picasso, Braque e Matisse erano già dei veri mostri nei rispettivi rispettivi stili.

All’inizio del XX secolo Parigi era emersa come uno dei più grandi centri creativi d’Europa.. La moltitudine di gallerie e i numerosi mercanti e collezionisti attiravano aspiranti artisti, così negli anni precedenti il Durante la Prima Guerra Mondiale, giovani provenienti da tutto il mondo cominciarono a convergere nella Ville Lumière con un desiderio comune: riuscire nel mondo dell'arte.

Il suo lavoro è spesso relegato in una posizione secondaria. Molti di loro divennero famosi nella vita notturna parigina e furono coinvolti in turbolenti episodi legati ad alcol, prostitute e droga. Quella che comunemente viene definita “vita bohémien”, ovviamente. E la Parigi tra le due guerre aveva molto di tutto questo.

Successivamente, ti presentiamo 6 artisti che di solito si aggiungono all'elenco di pittori della scuola di Parigi, tutti dotati di un carattere creativo molto diverso ma senza dubbio ricevettero una certa influenza reciproca. Vediamolo.

1. Amedeo Modigliani, il “dannato”

A onor del vero, l'italiano condivide l'epiteto con alcuni altri colleghi, tra cui Loro, Chaïm Soutine e Jules Pascin, autentici enfants terribili della bohémien parigina del tra le due guerre. Ma il soprannome si addice particolarmente a Modigliani, poiché coincide con la pronuncia francese del suo diminutivo, come lo conoscevano i suoi amici più cari: Modì, (maudit, maledetto).

Nato a Livorno nel 1884, Modigliani arrivò a Parigi nel 1906, proprio mentre il nuovo secolo era appena iniziato e proprio mentre la vibrante città era piena di gioia e gioia di vivere.. È il periodo della Belle Époque e la capitale francese offre un'innegabile attrazione per i giovani europei che vogliono affermarsi nel mondo dell'arte.

All'inizio Modigliani voleva fare lo scultore, ma il materiale era troppo costoso per le sue povere tasche. Inoltre, la tubercolosi di cui soffrì fin da giovanissimo lo rende particolarmente sensibile alla polvere di marmo. Abbandonata l'idea di dedicarsi alla scultura, Amedeo decide di seguire la strada della pittura, sfaccettatura nella quale inizierà a distinguersi alla fine della sua vita, il suo periodo più produttivo. Con il suo stile inconfondibile, ispirato alle statuette e alle maschere tribali (che contemplò e ammirò nei Museo degli uomini), realizzò una serie di eccellenti ritratti, tra cui spiccano quelli di Jeanne Hébuterne (1898-1920), la sua ultima musa ispiratrice e il suo ultimo grande amore.

Al di là del suo lavoro, Modigliani è entrato nell'immaginario popolare per la sua dura esistenza, inondata di alcol, sesso e hashish. La sua morte prematura, a soli 35 anni, stroncò una promettente carriera che proprio allora cominciava a decollare.. Jeanne Hébuterne, anche lei pittrice, si suicidò il giorno dopo.

2. Chaïm Soutine, il pittore della carne

Non ci riferiamo alla “carne” nel senso lussurioso del termine, ma nel senso più prosaico che si possa immaginare. E, pur avendo coltivato altri generi, Soutine è famoso per le sue nature morte, composte da esclusivamente per pezzi di manzo e di pollo, che il pittore ricercava avidamente nei mercati e nelle macellerie di Parigi.

Un buon esempio della sua strana passione per i resti carnosi è la sua pittura bue scuoiato, dove i resti dell'animale sono appena visibili tra il groviglio di pennellate sciolte. A proposito, sembra che il pittore abbia tenuto la carne nel suo studio per così tanto tempo che cominciò a emanare un forte odore e allertò l'intero quartiere.

Soutine avrebbe voluto fare il pittore, ma il suo desiderio, in una famiglia ebrea ortodossa russa dove era vietata ogni rappresentazione, stentava a concretizzarsi. Suo padre, ovviamente, non approvava il suo sogno, così il giovane Chaïm dovette emigrare a Minsk, a soli sedici anni, per studiare belle arti e iniziare a costruire la sua carriera di artista.

Terminati gli studi, che lo portarono anche a Vilnius, nel 1913 arrivò nell'effervescente Parigi, dove si stabilì a Montparnasse e strinse amicizia con l'altro “dannato”, Amedeo Modigliani. L'opera di Soutine, di marcato espressionismo, divenne piuttosto famosa negli anni '20, e nel 1937 trovammo alcune delle sue opere alla Mostra degli Artisti Indipendenti.

L'invasione nazista di Parigi e la seconda guerra mondiale lo riempiono di preoccupazione, perché ricordiamoci che Soutine è ebreo. Di fronte a una simile minaccia, il pittore decide di scappare e di lasciare la città che lo ospita. Si stabilisce in una cittadina vicino a Tours, dove cerca di passare inosservato, ma l'angoscia dell'avanzata nazista lo tiene con il fiato sospeso e riduce notevolmente la sua salute. Nel 1943 subì un intervento chirurgico per un'ulcera perforata e morì durante l'operazione.

3. Robert e Sonia Delaunay, la forza del colore

Il matrimonio formato dal francese Robert Delaunay (1885-1941) e dall'ucraina Sarah Sophie (Sonia) Stern (1885-1979) non solo costituì un'unione solida basata sull'amore e sulla complicità assoluta, ma ha anche rappresentato uno dei tandem più efficaci della storia del arte. Ed entrambi si dedicarono completamente all'arte e furono due dei grandi sostenitori dell'astrattismo e della giustapposizione di colori..

Robert ha creato il termine simultaneismo per riferirsi proprio al fatto di applicare piccoli toni giustapposti che, insieme, formeranno un'armonia di colori per l'occhio umano. Questa idea è strettamente legata all’astrattismo puro (come quello promulgato da Kandinsky), in cui i colori “danzano” sulla tela come al ritmo di una musica perfetta.

Sonia e Robert si incontrarono tramite Wilhelm Uhde, nella cui galleria aveva esposto per la prima volta nel 1908. Il giovane immigrato ucraino aveva sposato Uhde per convenienza per evitare di tornare in Russia (ricordiamo che, in quegli anni, l’Ucraina apparteneva all’Impero russo). Tuttavia, la sua cotta per Robert fu istantanea e nel 1910 Sonia divorziò da Uhde per sposare Delaunay..

Sonia Delaunay non fu solo pittrice, ma si dedicò con altrettanta passione al disegno di oggetti, tutti realizzati con colori allegri, e perfino al disegno di manifesti pubblicitari. L'artista aveva ben chiaro, fin da quando vide l'opera del fauvista Matisse, che il suo veicolo espressivo sarebbe sempre stato il colore. Attraverso di lui, sia lei che suo marito crearono un'opera brillante e vivida che influenzò profondamente lo sviluppo dell'arte astratta. I Delaunay sono senza dubbio una coppia chiave nel panorama artistico del XX secolo.

4. Jules Pascin, l'altro “dannato”

Ernest Hemingway lo ritrasse in uno dei capitoli di Parigi era una festa, l'opera da lui dedicata alla vita bohémien parigina tra le due guerre. Il titolo del capitolo è piuttosto eloquente: Con Pascin nel Dôme. Lo scrittore racconta una notte nel famoso caffè di Montparnasse, dove vede Jules Pascin uscire al braccio di due modelle.

E la figura dell'artista era molto conosciuta nella periferia parigina. Vestito con la sua inseparabile bombetta, era conosciuto come “Il principe di Montparnasse”., rivaleggiando in fama con lo stesso Modigliani con il quale, tra l'altro, condivideva anche l'epiteto: “il maledetto”.

Nato in Bulgaria e residente a Parigi dal 1905, Pascin, vero nome Julius Mordecai Pincas, ci provò molto presto guadagnarsi un posto nel mondo artistico attraverso i suoi magnifici disegni e acquarelli, che solitamente raffiguravano figure femminile. Uno dei suoi modelli era la sua amante e poi moglie, Hermine David, con la quale avrebbe condiviso il tetto e la vita dal 1907.

Tuttavia, il tormentato e inquieto Pascin si sentiva insicuro del suo talento. L'alcol era un compagno abituale della sua esistenza e gli stati depressivi erano frequenti. Il 2 giugno 1930, alla vigilia dell'inaugurazione di una promettente mostra personale, Pascin si tagliò i polsi e si impiccò nel suo studio di Montmartre..

5. Olga Sacharoff, l'avanguardia catalana

In realtà era catalana d'adozione, essendo nata a Tbilisi nel 1889. Tuttavia, l’artista georgiana ebbe sempre un legame speciale con la Catalogna, dove si stabilì definitivamente dopo la fine della Guerra Civile e dove morì nel 1967. Il suo amore per la terra che lo ospita si riflette nei numerosi dipinti che realizza sul folklore catalano, una rappresentazione nel più puro stile naif delle tradizioni della terra..

Ma prima che in Spagna, il pittore si era stabilito a Parigi, meta artistica per eccellenza dei primi decenni del XX secolo. Corre l'anno 1911 e Olga sbarca nella capitale francese dopo un breve soggiorno a Monaco, dove incontra l'espressionismo tedesco e anche il fotografo Otto Lloyd, che diventerà poi suo marito. È a Parigi che Olga entra in contatto con l'avanguardia, dalla quale rimane assolutamente affascinata; soprattutto con il cubismo sintetico, che seguì stilisticamente durante i suoi primi anni.

Dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, Olga e suo marito, come Robert e Sonia Delaunay, cercano rifugio in Spagna, neutrale nel conflitto. La cotta per Barcellona è istantanea e, dopo un secondo soggiorno a Parigi (dove si recano quando scoppia la guerra civile spagnola), Olga e Otto tornano a Barcellona. La casa della coppia diventa un centro di vivaci ritrovi a Barcellona, ​​un luogo che l'artista non lascerà mai più..