Rococó: le sue caratteristiche, principali opere e artisti

Il rococò era un movimento artistico europeo di origine francese caratterizzato dal suo stile allegro e provocatorio e dal gusto per la decorazione eccessiva. Si manifestava nella pittura, nell'architettura, nelle arti decorative e nella scultura.

L'arte rococò si sviluppò all'inizio del XVIII secolo, nel periodo di transizione tra l'arte barocca e quella neoclassica. Sebbene condivida con il barocco l'interesse per la profusione dei dettagli, se ne distingue sostituendo la sua solennità e drammaticità al piacere e al divertimento.

Tale era il desiderio di intrattenimento che, secondo il ricercatore Michael Levey, il rococò non rispettava né la Chiesa né lo Stato. L'amore, la sensualità e la vita quotidiana erano argomenti più interessanti delle glorie spirituali o temporali.

La parola rococò deriva dal termine rocaille, una sorta di decorazione del giardino basata sull'uso di conchiglie o sassi, molto diffusa in Italia e Francia nel XVII secolo. Sia l'uso di questi motivi che la somiglianza negli effetti ottenuti hanno portato all'applicazione del termine Rococò a questo stile.

Per comprendere questo stile, occorre conoscere di seguito le sue caratteristiche, i suoi principali rappresentanti e opere e il suo contesto storico.

Caratteristiche dell'arte rococò

A differenza dell'arte barocca, l'arte rococò era caratterizzata dall'essere allegra, celebrare la vita, dare spazio all'umorismo, alla grazia e all'erotismo leggero. Si può dire che fu, in realtà, l'espressione di una classe sociale che fuggiva dalla noia attraverso un'arte entusiasta, senza pretese trascendenti o didattiche.

Personaggio divertente e festoso

L'arte rococò era, soprattutto, uno stile che cercava di esprimere grazia e gioia. Il suo carattere era festoso. Sebbene il rococò fosse ornato nella decorazione, le sue atmosfere cercavano di essere luminose ed entusiaste.

Umorismo e malizia

L'arte rococò è l'espressione di un'élite che si diverte. Pertanto, ha una grande dose di umorismo e malizia che sopprime ogni tentativo di solennità. Per questo il rococò esprime anche il rilassamento dell'etichetta.

Argomenti senza pretese moralistiche o didattiche

I temi preferiti nel rococò erano le avventure sentimentali, le scene pastorali, il divertimento dell'élite oziosa e la vita domestica. Ma nonostante l'aspetto addolcito delle canzoni, avevano una connessione con l'esperienza.

I temi religiosi, mitologici o storici non sono stati fermati, ma sono stati spogliati della loro solennità. Sono finite le scene che erano moralizzanti, didattiche o dimostrative di potere. Ogni soggetto è passato attraverso il filtro della grazia, del piacere e della quotidianità.

Erotismo velato

L'arte si nutriva di un velato erotismo, sia nelle forme che nei temi. In alcuni artisti, la mitologia era un nascondiglio per giustificare lo sviluppo del nudo erotico, in modo tale da non subire critiche da parte delle élite intellettuali.

Arredamento sontuoso e fantasioso

Il rococò era un'arte attenta ai dettagli e agli ornamenti eccessivi. Gli artisti, i designer e gli architetti hanno arricchito la decorazione delle opere con elementi tanto profusi quanto fantasiosi. Non era strano trovare elementi di culture orientali come fauna, flora e tutti i tipi di motivi.

Uso di toni pastello e bianchi

Uno dei modi in cui gli artisti rococò hanno trovato per portare grazia e gioia è stato quello di cambiare la tavolozza dei colori terrosi, scuri e intensi per pastelli e bianchi. Questo è stato applicato sia nella pittura che nella decorazione architettonica, grazie alla quale tutto è stato avvolto di grazia e sensualità.

Arte liberata dalla sua funzione di propaganda

Il rococò liberò l'arte dal suo ruolo propagandista. L'arte non era più al servizio di cause ecclesiastiche o assolutistiche, e questo influiva sulla libertà tematica e stilistica. L'arte non doveva più essere veicolo di una "verità", né doveva essere seria. Bastava che fosse placido.

Pittura rococò

La pittura rococò rappresentava un trionfo del rubenismo sul poussinismo. Con Rubenismo è nota la corrente dei pittori colorati ispirati al pittore barocco fiammingo Pedro Pablo Rubens (1577-1640), che fece prevalere il colore sul disegno. Il poussinismo è noto come la corrente che ha favorito il disegno rispetto al colore, influenzato dal pittore francese Nicolás Poussin (1594-1665). Il colorismo era caratteristico dei pittori rococò.

Il suo carattere placido e aggraziato contrastava con il dramma del barocco. In Francia, la vita di corte ha cominciato a ruotare intorno all'intrattenimento e banalità, come le storie d'amore, i giochi o la vita quotidiana, che si riflettevano tutte in il dipinto. Quello spirito allegro permeò rapidamente le corti europee, ma ogni paese lo adattò alle sue particolarità.

Pittori rococò

Antoine Watteau (1684-1721). Watteau era un pittore di una città fiamminga che era stata annessa alla Francia. Fu il primo artista ad affrontare le preoccupazioni dell'élite oziosa. Ma è stato anche colui che ha dato "umanità" ai personaggi. Tra le sue opere più importanti ci sono Pellegrinaggio all'isola di Citera (1717), La scala dell'amore (1717); festa veneziana (1719).

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (1699-1779). Era un pittore francese freelance, grazie alle risorse finanziarie della moglie. Era particolarmente interessato a rappresentare la vita domestica. Tra le sue opere più importanti ci sono Il ragazzo con la trottola (1737), La giovane governante (1740) e La benedizione.

Francois Boucher (1703-1770). Pittore francese che lavorò sotto la protezione della favorita del re Luigi XV, la marchesa de Pompadour. Trattò molti soggetti mitologici, pastorali e idilliaci con grande esuberanza. Tra le sue opere più importanti ci sono Ritratto di Madame de Pompadour (1759); Giovane uomo sdraiato (1752) e Diana dopo il bagno (1742).

Jean Honoré Fragonard (1732-1806). È stato un pittore francese che ha fatto dell'edonismo, dell'erotismo, dell'esuberanza e dell'atmosfera intima i segni più rappresentativi della sua pittura. Tra le sue opere più importanti ci sono L'altalena (1767), Uomo cieco (1769), La serratura (1779), Il bacio rubato (1788).

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Pittore italiano ampiamente riconosciuto in Europa. Ha sviluppato il tema religioso. Ha anche eseguito temi mitologici e quotidiani. Alcune delle sue opere più note sono: Trasferimento della Santa Casa di Loreto (1743-1745), Affreschi della Residenza di Würzburg (1752-1753), Giovane con un pappagallo (1760) e Affreschi nel Palazzo Reale di Madrid (1762-1766).

William Hogarth (1697-1764). Pittore inglese che metteva in pratica le risorse e i colori pastello del rococò, ma ridicolizzava le convenzioni sociali, soprattutto quelle dell'élite. Tra le sue opere più note ricordiamo: I quattro momenti della giornata (1736), La carriera di una prostituta (1732) e Matrimonio alla moda (h. 1743).

Thomas Gaunsborough (1727-1788). pittore inglese. Era caratterizzato dal ritrarre le persone in atteggiamenti credibili, dotati di grazia. Si concentrò sulla piccola aristocrazia locale. Si è distinto per il suo interesse per il paesaggio, che usa sempre sullo sfondo dei suoi dipinti. Tra le sue opere ricordiamo: Il signore e la signora Andrews (1749), Il giovane blu (1770) e Il dottor Ralph Schomberg.

Architettura rococò

L'architettura rococò si caratterizzava per essere austera nelle finiture esterne, ma molto ricca e profusa nella decorazione interna. Gli spazi interni erano più piccoli e trattati con maggiore intimità, grazie all'uso di forme delicate e gentili.

La decorazione interna era nota per la sua ingegnosità e fantasia. Le applique dorate erano all'ordine del giorno, al servizio delle più svariate forme curve con motivi floreali, conchiglie e ogni tipo di sinuosità. I colori erano sempre brillanti e allegri.

L'architetto francese Germain Boffrand è stato responsabile dell'introduzione del rococò in Francia, e messo soprattutto al servizio dell'ordine monarchico, anche se alla fine ha sviluppato progetti religioso. Ha partecipato a progetti come Place Vendôme a Parigi, il Conservatorio di Versailles, l'Hotel de Soubise a Parigi e il Castello di Lunéville.

L'estetica rococò era molto apprezzata in Austria e negli stati tedeschi che facevano parte del Sacro Romano Impero, sia nell'architettura religiosa che nell'architettura civile.

Ne sono un esempio la Basilica di Vierzehnheiligen di Johann Balthasar Neumann e l'Abbazia di Ottobeuren in Baviera. In Prussia, ha evidenziato la costruzione del Palazzo Sanssouci, a Postdam, sotto la direzione di Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.

In Spagna, la preminenza del barocco e la mancanza di scambi artistici con Francia e Germania soprattutto, resero difficile la diffusione dello stile rococò. Tuttavia, vi erano anche alcune espressioni di pregio facilitate dalla presenza del churrigueresco.

Ad esempio, la decorazione della sagrestia de La Cartuja de Granada, iniziata probabilmente da Hurtado Izquierdo e proseguita da José de Bada. Da segnalare anche il Trasparente della Cattedrale di Toledo, di Narciso Tomé. Infine, la facciata del Palacio del Marqués de Dos Aguas, progettato da Hipólito Rovira.

Mobili rococò

In questo periodo viene creato uno stile chiamato Luigi XV, in attenzione al gusto estetico dominante a corte. Questo stile è diventato una moda internazionale. L'ebanisteria sarebbe caratterizzata dall'uso della verniciatura e dell'intarsio in bronzo. I motivi più usati erano floreali, anche se venivano applicati anche intarsi, maschere e scene rupestri.

Allo stesso modo, iniziarono a essere progettati mobili per il soggiorno rilassato dei nobili a corte, cosa che fino a quel momento non era consueta. Questo ha portato allo sviluppo dell'arte della tappezzeria per mobili.

Scultura rococò

Sia la scultura indipendente che il servizio dell'architettura hanno avuto un ruolo nel rococò. Una delle sue differenze più notevoli fu la diminuzione delle dimensioni colossali del barocco. Il rococò ha anche cercato di accentuare la morbidezza e la delicatezza nel trattamento delle trame e dei movimenti.

Sebbene gli scultori mantenessero l'interesse per il marmo, la porcellana veniva usata assiduamente. Sono state realizzate anche sculture in gesso e legno. Per quanto riguarda il colore, quando lo hanno applicato hanno mantenuto i toni pastello per alleggerire l'atmosfera.

Tra i più importanti scultori rococò troviamo Antonio Corradini e Étienne-Maurice Falconet.

Antonio Corradini (1688-1752). Fu un pittore italiano che operò al servizio della corte di Carlo VI. Era noto per il modo in cui trattava gli abiti, soprattutto per l'effetto delle trasparenze. Alcuni dei suoi lavori più commentati sono: La donna velata (Fede) Sì Modestia, chiamato anche Verità velata.

Étienne-Maurice Falconet (Francia, 1716 - 1791). Fu uno dei protetti della marchesa de Pompadour. Alcuni ricercatori d'arte lo studiano come una figura del passaggio al neoclassicismo. Tra le sue opere ricordiamo: Cupido minaccioso (1757) e Pigmalione e Galatea (1763).

Contesto storico del rococò

Il barocco aveva dominato l'estetica occidentale dalla metà del XVI secolo e per tutto il XVII secolo. Erano tempi di guerre di religione e di consolidamento degli assolutismi.

In Francia, verso gli ultimi anni del governo del re Luigi XIV, la stabilità raggiunta rese superflua la cerimonia barocca. Ma poi, il Re Sole sentiva i nobili come una minaccia. Verso la fine del suo regno, il re spogliò la nobiltà del loro potere sul campo, rendendoli un'élite oziosa.

Tre eventi furono fondamentali nell'impulso del rococò:

1. la morte del re Luigi XIV;
2. l'influenza della favorita del re Luigi XV, la marchesa de Pompadour;
3. lo scambio di artisti tra le diverse corti europee.

Il re è morto. Lunga vita al Re!

Alla morte di Luigi XIV, la corte si trasferì da Versailles a Parigi, mentre il ragazzo Luigi XV attendeva l'età per salire al trono. A Parigi i nobili entrarono in contatto con le élite economiche più potenti e con i funzionari del Tesoro. A poco a poco le forme dell'etichetta si sono rilassate, secondo il ricercatore Stephen Richard Jones nel suo libro Introduzione alla storia dell'arte: il Seicento.

Ora che i nobili erano oziosi e annoiati, era necessario mantenere il loro interesse per la corte e fornire loro nuove occupazioni. A poco a poco una risposta si troverà nell'art. Jones afferma che:

"L'arte rococò cercava solo di deliziare una società agiata, davvero oziosa, per la quale l'unico peccato era annoiare".

Quando il giovane Luigi XV si insediò, la nuova prosperità rinnovò gli ideali di mecenatismo nelle mani del settore privato. Una delle mecenati più importanti di quel tempo era l'amante del re, Jeanne-Antoine Poisson, marchesa di Pompadour, nota per essere una protettrice delle arti.

Nasce così un mercato che, ispirato da Watteau, si interessa alla vita domestica, all'erotismo, alla celebrazione della vita e del piacere. Ma soprattutto era interessato alle relazioni amorose, il miglior antidoto alla noia.

Quel momento storico ha visto la mobilità degli artisti tra i paesi come mai prima d'ora. La nuova arte - che ha lasciato il significato del barocco alle spalle - si è fatta strada in gran parte dell'Europa.

Declino

A metà del XVIII secolo, pensatori illuministi come Voltaire proclamarono il dominio della ragione e la misura delle passioni per il bene comune. Il rococò sembrava loro un eccesso inaccettabile. Accusato di essere superfluo, se non immorale, il rococò fu associato al declino dell'Antico Regime.

Sotto l'influenza dell'Illuminismo, l'architetto Jacques François Blodel si unì alle voci che squalificarono lo stile artistico dell'Antico Regime. Propose quindi una modernizzazione dell'arte che accompagnò il crescente repubblicanesimo nel dibattito politico.

Come se fosse un pendolo, nel tempo il disegno ha trionfato di nuovo sul colore e, al comando pensiero filosofico e politico, l'arte è tornata all'accademismo, alla moralizzazione e alla propaganda di Condizione. Nacque così l'arte neoclassica.

Potrebbe piacerti anche:

• Barocco: caratteristiche, rappresentanti e opere.
• Neoclassicismo: caratteristiche della letteratura e dell'arte neoclassiche.

Riferimenti:

• Levey, Michael (1998): Dal rococò alla Rivoluzione: le principali tendenze della pittura nel Settecento. Barcellona: Edizioni Destino.
• Jones, Stephen Richard (1985): Introduzione alla storia dell'arte: il XVIII secolo. Barcellona: Editorial Gustavo Gili / Círculo de Lectores / Università di Cambridge.