Pop art: caratteristiche, artisti e opere principali

Il pop Art, noto in spagnolo come pop art, è un movimento plastico che ha le sue origini negli anni '50. Nasce tra la Gran Bretagna e gli Stati Uniti, ma è quest'ultimo a diventare l'alfiere del movimento. Tuttavia, la pop art ha generato un'onda d'urto in tutto il mondo, sia in Europa che in America Latina, Asia e Oceania.

La pop art è contestualizzata nel pieno processo di formazione della società dei consumi, il cui impulso definitiva avvenuta dopo la seconda guerra mondiale e l'arrivo della televisione, nuovo invasore del le case.

Questo stile artistico nasce come tentativo di fare un'arte che tenesse conto dell'universo di simboli e temi di enorme interesse, è cioè i simboli "popolari" ai quali l'élite culturale sembrava voltare le spalle e negare la sua penetrazione mobilitante nell'immaginario collettivo.

Caratteristiche della pop art

Ispirazione dalla cultura di massa

Se gli antichi avevano rappresentato l'immagine del mondo come lo conoscevano e l'avevano concepito nelle loro opere, era obbligo degli artisti contemporanei fare altrettanto. Gli artisti pop andavano a quegli oggetti quotidiani che stavano diventando i nuovi simboli della "civiltà": idoli mediatici, personaggi politici, oggetti prodotti in serie, fumetti (fumetti), manifesti, imballaggi e ogni tipo di immagine simbolica (segni di traffico,

collage, eccetera.).

Estensione della nozione di bellezza al repertorio di simboli pop

Il pop Art Capì che anche gli oggetti della cultura di massa potevano contenere elementi di bellezza, e non solo le Veneri e le Madonne dell'antichità. Naturalmente, questa sarà anche una provocazione per l'ambiente intellettuale, aspetto che gli artisti pop sfruttano molto bene a loro favore.

Decontestualizzazione

Una delle strategie di pop Art era prendere in prestito gli oggetti e decontestualizzarli. Ad esempio, togliere dal suo contesto una lattina, un quadro famoso o una fotografia, intervenire e trasformarlo in un'opera o in una nuova opera. Qualcosa di simile era stato fatto dai dadaisti con la loro tecnica pronto da quando Marcel Duchamp ha creato il suo famoso Fontana: un orinatoio intervenuto con la firma dell'artista, sotto lo pseudonimo di R. Mutt, e che è stato presentato come un'opera museale.

Negazione del virtuosismo

Questi artisti non sostenevano il virtuosismo come valore. Con questo, la pop art ha rotto con l'idea di un'opera d'arte a seguito di un processo complesso, lungo e difficile, che ha favorito il principio della riproduzione multipla.

Per questo motivo hanno implementato tecniche assolutamente inusuali nel campo delle belle arti, come la serigrafia, fumetto con le sue vignette e lo stile della linea, alcune tecniche pubblicitarie e di produzione di massa, nonché collage e fotografie.

Alcuni artisti erano più radicali e prodotti avvenimenti e spettacoli interattivi, che infliggono un duro colpo al collezionismo e alla mercificazione dell'arte.

Incongruenza

L'universo di simboli che la pop art offriva non era molto facile da assimilare per gli intellettuali della vecchia scuola, e, inoltre, gli artisti pop non avevano un'unica posizione in relazione a ciò che rappresentavano, il che rendeva difficile cose. Pertanto, i loro scopi non erano necessariamente chiari. Criticavano i consumi? Hanno convalidato il consumo? Hanno approfittato delle circostanze? Hanno così creato immagini apparentemente incongrue e provocatorie.

Umorismo

Poiché non doveva essere un'arte intellettuale, la pop art era anche un movimento pieno di umorismo e complici strizzatine d'occhio allo spettatore.

Lontani dalle posizioni infatuate dei grandi teorici e intellettuali del medium, gli artisti pop ironizzano e deridono l'ordine circostante. Forse era un modo diverso di criticare.

Provocazione

Tutto questo ha reso la pop art provocatoria, provocatoria, controversa. Ad esempio, mettendo in discussione l'idea di originalità, hanno messo in dubbio anche la superiorità del genio creativo, figura a cui si rende omaggio sin dal Rinascimento. Hanno anche messo in discussione il ruolo dei critici, degli storici dell'arte, del concetto di museo, dei criteri di selezione, dei principi della museografia...

Ma al di là di tutto ciò che fa il pop Art, è evidente che nulla nasce per generazione spontanea, e che, prima che gli artisti pop lo formulassero programma estetico, le generazioni precedenti stavano creando le condizioni per questa autentica rivolta dei segni artistico. Vediamo qual era il suo background e quali rapporti aveva la pop art nel contesto creativo degli anni '50.

Sfondo pop art

Le influenze di pop Art possono essere trovati in correnti come il dadaismo, emerso nella prima ondata di movimenti d'avanguardia. Fu un movimento culturale che mise in discussione l'ordine razionale positivista e che, in particolare in pittura, si distinse per aver proposto nuove tecniche come la già pronto, tecnica che consisteva nel prendere oggetti di uso quotidiano, intervenire su di essi e trasformarli in oggetti adatti all'esposizione in un museo, senza nasconderne le caratteristiche o l'origine.

Più vicino nel tempo, un driver diretto chiave è stato il Gruppo Indipendente, conosciuto con l'acronimo del suo nome inglese IG (Gruppo Indipendente).

L'IG nasce nel 1952 presso l'Institute of Contemporary Art di Londra e rimane attivo fino al 1955. In questo periodo la Gran Bretagna, come altri paesi europei pienamente industrializzati, stava vivendo la crescita di una diversa cultura popolare urbana, dopo il razionamento e l'austerità della seconda guerra mondo.

Molti artisti hanno partecipato a questo gruppo. Tuttavia, fu l'italiano Edouardo Paolozzi a diventare un riferimento fondatore del of pop Art dopo la prima sessione di IG. In questo, Paolozzi ha proiettato diversi collage che aveva ricavato dalle riviste per mezzo di un proiettore opaco. La prima immagine è stata la collageEro il giocattolo di un uomo ricco (Ero un giocattolo da ricchi), in cui viene usata per la prima volta la parola "pop", da cui il movimento avrebbe preso il nome.

In questo contesto, l'IG ha affrontato per la prima volta in ambito artistico il problema della cultura di massa e le sue implicazioni nella definizione della cultura così come era stata concepita fino ad allora. Per loro, questo li ha anche costretti a ripensare alla nozione dell'attuale art.

Allo stesso tempo, negli Stati Uniti si stavano verificando cambiamenti cruciali nel mondo della cultura, rompendo con tutto immaginato fino ad ora, senza la direzione di quelli impulsi.

In questo senso, un precedente di vitale importanza per la pop art è stato costituito dalla celebre opera 4'33'', del compositore John Milton Cage. Questo lavoro consisteva nell'esecuzione di una partitura della durata di 4 minuti e 33 secondi, la cui unica indicazione scritta era la parola "tacet" (silenzio).

Secondo l'interpretazione di alcuni, la proposta di Cage mirava alla percezione del rumore ambientale prodotto dal pubblico come un'opera d'arte musicale. Si trattava senza dubbio di una rivoluzione assoluta, dove la musica aveva preso il sopravvento in maniera inaspettata, mettendo in discussione il tema fondamentale della sua disciplina. Cosa farebbero le arti plastiche?

Tanto per cominciare, avrebbero reagito contro l'intellettualizzazione dell'arte e l'inafferrabilità degli artisti affermati di fronte a invasiva realtà contemporanea, tratti che questa generazione ha attribuito soprattutto all'espressionismo astratto di Jackson Pollock. Così, la nuova generazione di artisti si approprierebbe dell'idea di Cage: eliminare la distanza tra arte e vita. Vediamo perché e per cosa l'hanno fatto.

Perché e per cosa è nata la pop art?

Le caratteristiche della pop art che abbiamo esposto mostrano che questo movimento aveva un significato profondo, contrariamente alle frasi che lo accusano di essere superficiale.

Questo movimento può essere visto come un'arte senza compromessi, ma a volte questa affermazione può essere ingiusta. È vero che ha una forte carica visiva, è vero che non si scandalizza dei simboli della cultura di massa, ma c'è anche un senso in fondo.

Nel caso molto particolare degli artisti statunitensi. Erano interessati a indagare l'essenza ultima del nordamericanismo nel mezzo di questo giro di vite che significava il passaggio alla società di massa. Insieme a questo, in qualche modo hanno anche cercato di riscoprire la pittura figurativa che l'espressionismo astratto aveva nascosto dietro l'armadio.

Ma in termini generali, era chiaro agli artisti pop di tutto il mondo che l'ironia permetteva loro di dimostrare che il Il materialismo e la volgarità hanno partecipato all'ordine egemonico che il campo di massa ha stabilito tra il 1950 e il 1970.

Allo stesso tempo, hanno riconosciuto ciò che i nuovi simboli avevano di una chiara e continua manifestazione di valori. culture in trasformazione, che molte volte ha permesso loro di osservare le nuove icone senza esprimere giudizi valore.

In senso lato, attraverso l'incorporazione dei simboli della società dei consumi, la pop art non solo ha ampliato il repertorio dei temi iconografici dell'arte, ma che ha preso posizione su due cose: il riordino della società dei consumi e il rifiuto delle élite intellettuali di riconoscere che questo fenomeno ha attraversato l'intera società. cultura.

Così Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman o Batman erano così “culturali” e degni di attenzione per il loro mondo contemporaneo come il repertorio di afrodite, venere, adone, apollo, vergini, santi, portatori d'acqua, pastori, paesaggi, re e personaggi per il secolo XVI.

Artisti migliori

Andy Warhol (1928-1987)

È stato un importante artista plastico, illustratore e regista nordamericano. A lui si deve l'applicazione dei principi del marketing e della pubblicità alla sfera dell'art. Con questo, ha aperto le vie per lo sviluppo della pop art.

Ha coniato una delle frasi più famose della storia dell'arte, che oggi si realizza grazie alle nuove tecnologie dell'informazione: "In futuro, tutti saranno famosi per 15 minuti". Tra le sue opere più importanti possiamo citare la serie Lattine di zuppa Campbell e i ritratti in serigrafia di personaggi pubblici come Marylin Monroe, Mao Tse Tung e lui stesso.

Guarda anche 7 opere iconiche di Andy Warhol.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Pittore, grafico e scultore. Ha applicato la tecnica del fumetto alle arti plastiche convenzionali, ottenendo così il riconoscimento della nuova cultura visiva nel mondo dell'arte. Ha anche usato altre tecniche come la serigrafia e collage. Le sue opere sono particolarmente famose Il bacio sì Wham!.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Ha iniziato la sua carriera di pittore sotto l'egida dell'espressionismo astratto, ma a metà della sua vita ha iniziato a esplorare il linguaggio e le possibilità della pop art, finché non diventa una delle sue più importanti rappresentanti. Si è distinto per la combinazione di materiali insoliti nelle arti plastiche, che potrebbe anche comportare la combinazione di pittura e scultura, incisione fotografica e prestazione. Questa tecnica divenne nota come combinare. Tra le sue opere più famose ci sono: la serie fatto e la serie Retroattivo.

Jasper John (1930)

È un artista plastico americano in cui sono visibili gli elementi della pop art così come l'espressionismo astratto, il minimalismo e il neo-dadaismo. La sua tecnica preferita è stata l'encausto. In un capitolo di I Simpson Chiamato "Mom and Pop Art" o "The Art of Dad and Mom" ​​​​(nella sua traduzione ispano-americana), Jasper Johns appare come uno degli artisti con cui Homer fa amicizia. Alla fine del capitolo, lo si vede rubare i materiali per le sue opere. Tra i suoi pezzi più conosciuti possiamo citare Tre bandiere sì Diana dai quattro volti.

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