スタニスラフスキーシステム：それが何であるか、特徴、そして演技でどのように使用されるか
彼らは、スタニスラフスキーの演技生徒への好きな言葉は「私はあなたを信じていません、あなたは私を納得させません」だったと言います。 演劇芸術家がどのように行動すべきかを見て理解する彼の方法は、要求が厳しいだけでなく、細心の注意を払っていました。 それが独自の方法になったほどです： スタニスラフスキーシステム.
演技に対する彼の体系的なアプローチは、演技の実行方法に革命をもたらしただけではありません 彼の時代のロシアだけでなく、劇場の方向を変えることによって国境を越えることもできました 西部。
この方法は、今日私たちが知っているように、演劇、シリーズ、映画を作るために非常に重要でした。そして、その理由を見つけます。
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スタニスラフスキーシステムとは何ですか？
コンスタンチン・セルゲイビッチ・アレクセイエフ（モスクワ1863年-1938年）は、スタニスラフスキーとしてよく知られ、多作のロシアの俳優、舞台監督、演劇教育者でした。 舞台芸術の歴史にとって最も重要な方法の1つであるスタニスラフスキーシステムの作者として知られています。 長年の努力の産物である彼の方法は、俳優が最も多くの側面を制御できるようにすることを目的としていました 感情やインスピレーションなど、ステージ上での無形の人間の行動 芸術的。
スタニスラフスキー 当然のことながら、何とか登場人物になった俳優が何をしたかを研究しました. 彼の観察と経験に基づいて、このロシアの監督は、すべての俳優、両方の初心者が 職業のベテランとして、よりクリーンでリアルな ナチュラル。 この方法は、その登場時に非常に革新的であったため、演技の世界で前後をマークしました。 人工の説得力のあるパフォーマンスと悪いパフォーマンスの間の境界線を区切る基準を確立する 表されます。
この方法は、彼の故郷であるロシアの舞台芸術が、従来のステレオタイプの決まり文句によって特徴づけられたときに策定されました。 俳優は、演技性でさえ、人工的に行動しました。 演劇は、俳優の側の誤った感情と準備がほとんどないというオーラに浸っていたので、彼らはすでにステージにいるときに彼らが何を言わなければならないかさえわかりませんでした。 記憶すべきものが出てきたスクリプトはほとんど、あるいはまったく見られませんでした。
スタニスラフスキーは、彼の俳優が本物であると認識したもので最初から機能するように、綿密な調査を実施しました。
、人、要素、オブジェクトは、シーンの単なる要素としてではなく、実際のありふれたシーンの一部、人生そのものの一部として見られます。 人々は私たちの生活の中で俳優ではありませんが、私たちは彼らの一部であり、私たちは彼らを演じるよりも彼らを生きています。俳優を彼が代表しているシーンに入れるために、スタニスラフスキーは感情的な記憶の使用を擁護します。 俳優または女優は、表現しようとしているのと同様の個人的な経験を覚えておく必要があります。これにより、ステージ上で表現しようとしていることに没頭し、関与していると感じることができます。 あなたは自分の人生の歴史の中で、自分のキャラクターの感情に似た感情を感じた状況を探す必要があります。
しかし、これは誠実な感情を呼び起こすことだけでは達成されません。 また、キャラクターに生命を与えるために、少し外部のサポートが必要であり、私たちの外観と行動を変更します それは表現することを意図している、あるいはむしろ生き返らせることを意図していること。 メイクアップ、ドレスアップ、ウォーキング、要するに、外部の物理的行為以来、キャラクターのように振る舞います あなたが泣き始めると、あなたは最終的になるという原則に従って、求められている感情を引き起こすのを助けます 悲しい。
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スタニスラフスキーシステムの原理
スタニスラフスキーシステムは非常に複雑であり、20世紀初頭に概念化されて以来、どれだけ進化してきたかという理由だけで、静的であるとは言えません。 ただし、マークを付けるのに貢献した最も重要な原則のいくつかを強調することは可能です。 演劇アーティスト、そして後に映画やシリーズが彼らを表現する方法の前後 文字：
1. キャラクターへの集中
俳優はに応答する必要があります 想像力キャラクターのように考えることを学び、彼が遊んでいることに集中する.
2. 真実の感覚
真実の感覚で、この方法のアイデアの1つは、有機と人工を区別することであると言えます。 スタニスラフスキーは、舞台芸術には従うべき自然法則があると固く信じていました。、それが尊重されれば、良い、自然で調和のとれた作品を、悪い、不自然で過剰反応した作品から区別しました。
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3. 与えられた状況に従って行動する
アクターは、テキストに示されている状況の使用と処理に熟練している必要がありますが、真実と有機的な手段に頼っていなければなりません。 についてです スクリプトに固執するが、あなたの感情を表現することによってあなた自身を解放する、スクリプトに表示される内容に忠実でありながら、パフォーマンスに個性と自然さを持たせる。
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4. 物理的方法
スタニスラフスキーは、彼の生徒の多くが深い感情的な緊張と精神的な問題を抱えているのを見ました. 彼の方法を通して、彼は俳優から身体的および感情的な緊張を取り除き、俳優を作るのを助けることができました 彼らはプレゼンテーションを行いながら筋肉をリラックスさせ、はるかに自由な方法で行動します。
これに加えて、ロシアの監督は、リラックスするだけでなく、より正確にステージングするのに役立つ物理的要因を非常に重要視しました。 このため、システムは次のようにも知られています。 パフォーマンスをしながら筋肉をリラックスさせることに重点を置いているため、物理的なアクション方法.
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5. 注意事項
注意の領域は、スタニスラフスキーが感覚に取り組むことによって意味したものです。 俳優は作品の感覚的基盤を発見する必要があります. あなたの仕事では、あなたのキャラクターが感じる感覚、感覚を暗記し、覚えることを学ぶことです それは彼らの心の状態と劇中の他のキャラクターや 公衆。
6. コミュニケーションと連絡
俳優は、本の内容に違反することなく、自発的に他のキャラクターと対話できなければなりませんが、それはやや強制的または人為的に準備されたようには見えません。 リハーサルや最終公演では、他の俳優とのコミュニケーションや接触が不可欠です。
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7. ユニットと目的に分割された役割
アーティストは、主人公の役割を、別々に機能できる賢明な単位に分割することを学ぶ必要があります。 役者と女優の仕事は、役割の各ユニットを定義し、それを自分の欲望として感じます。 監督の台本から生まれる文学的アイデアとして理解するのではなく。
8. 行動と思考における創造性
あなたは創造的でなければ俳優になることはできません。 創造性 創造的な心の状態と行動の方法の両方で現れます.
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9. スクリプトのテキストを操作する
台本に書かれていることを完全に無視しながら、作品を確実に表現することは難しいので、この原則は明白に聞こえるかもしれません。 しかし、前世紀の初めのロシアでは、これは一部のロシアの芸術家によってそれほど当然のこととは見なされていませんでした。 多くの場合、スクリプトが読み取られず、行動中に自分のフレーズを伝えると信頼していました。
俳優は、脚本に書いた内容を尊重し、自分のセリフを暗記して内面化する必要がありますが、演劇の際にそれを「嘔吐」することを学んではなりません。 俳優は、テキストの社会的、政治的、芸術的意味を発見する必要があります、劇の脚本で監督が不滅にした考えを理解してください。 アーティストとして、俳優または女優は、作品を見に来た一般の人々にこれらの価値観とビジョンを委ねる手段として機能する必要があります。
今日のスタニスラフスキーシステムの重要性
スタニスラフスキーシステムは時間とともに進化してきました。 当初、俳優や女優がしなければならなかったのは、キャラクターについての真実を見つけ、それを実体として扱うことでした。 しかし、時間の経過とともに 彼自身の経験の中で、彼のキャラクターが感じていることを感じることを可能にするリソースを見つける練習が組み込まれました どんな状況でも。
今日、俳優は自分のキャラクターに何が起こっているのかを理解するだけでなく、 仕事だけでなく、それが自分自身を見つける重要な状況とそれがどのような状況であるかを知る必要があります 囲む。 これを知り、自分の肉体で生きることで、俳優は自分のキャラクターが期待するのと同じように反応し、パフォーマンスを可能な限り自然にすることができます。
これはかなり進んでおり、現在の事実に到達しています 多くのアーティストは、彼らのキャラクターがそうするだろうと思うように彼らの日々に住んでいます. たとえば、彼の性格は田舎に住む農民であるということです。なぜなら、俳優はある季節に農場に行き、それが実生活での彼の職業であるかのように生きるからです。 年が経つにつれて、解釈のさまざまな学校が特定の慣行を追加していました スタニスラフスキーシステムは、演技の世界で「 方法"。