모나리자 또는 라 지오콘다: 그림의 의미와 분석

그만큼 모나리자, 또한 ~으로 알려진 모나리자, 다방면의 예술가 레오나르도 다빈치가 그린 르네상스 작품입니다. 이 그림은 1503년에서 1506년 사이에 그려졌으며 오늘날 서양 문화의 가장 중요한 상징 중 하나입니다. 현재 프랑스 파리 루브르 박물관에 소장되어 있다.

그만큼 모나리자 그것은 세계에서 가장 유명한 그림으로 간주됩니다. 그렇게 많은 조사와 연구를 거친 작품은 거의 없습니다. 그렇게 유명한 이유 중 일부는 다음과 같습니다.

• 인간의 비율을 측정하기 위해 수학적 방법을 사용하는 레오나르도 다빈치의 극도의 사실주의,
• 의 독특한 기술 스푸마토 또한 당시의 매우 진보된 사실주의를 전달합니다.
• 모든 서양 초상화의 기초로 간주되는 차원과 묘사 방식에서 그것이 낳은 혁명,
• 그림의 신비의 총계; 모델의 정체성부터 레오나르도 다빈치가 결코 수수료를 전달하지 않은 이유까지.

분석 모나리자

그만큼 모나리자 회화적 인물화 장르에 속하는 작품이다. 이 장르는 르네상스 시대에 촉진되었으며 그 시대의 인간 중심적 관심을 공개적으로 표현하기 때문에 진정한 혁명으로 간주 될 수 있습니다. 자, 그 유명한 그림의 구성적 특징은 무엇입니까?

설명 및 특성

구성의 관점에서 보면, 모나리자 그것은 풍경의 1/2 또는 3/4, 두 가지 분위기, 즉 더 차가운 분위기(위쪽)와 흙빛이 도는 따뜻한 분위기(아래쪽)로 나뉩니다.

여성의 자세는 여성을 나타내는 "피라미드"에서 파생됩니다. 마돈나 즉, 삼각형 기하학입니다.

그들의 교차 손은 피라미드 모양의 기초를 형성합니다. 가슴과 목에 적용되는 빛은 손에 적용되는 것과 동일합니다.

사각형의 중심은 여성의 가슴으로 왼쪽 눈과 오른손 손가락과 일직선이 된다. 이것은 구성에서 캐릭터의 존재를 강조합니다.

그의 왼팔은 의자 팔걸이에 편안하게 지지되어 있고 오른팔이 교차되어 있습니다. 의자의 위치와 함께 팔의 위치는 그녀와 보는 사람 사이의 거리를 전달합니다.

머리는 순결을 상징하는 베일로 덮여 있으며 이는 아내의 초상화에 자주 등장합니다. 이러한 유형의 베일을 사용하는 것은 임산부나 산후 여성에게도 해당됩니다. 그것은 보석이나 경제적 과시 또는 권력의 특정 징후를 나타내지 않습니다.

의 자세 모나리자 그것은 평온함을 나타내며 옆으로 바라보는 시선과 함께 보는 사람을 향한 직접적인 시선은 그 당시 여성에게 일반적으로 귀속되지 않은 감정의 지배력을 보여줍니다.

얼굴에는 눈썹이 없습니다. 그림 속 여성의 표정은 불가사의하거나 모호하다. 시선과 몸, 손이 미묘하게 다른 각도를 향하고 있어, 스푸마토.

그림의 왼쪽 가장자리에서 기둥의 바닥을 볼 수 있는데, 이는 여성이 갤러리에 앉아 있음을 암시합니다.

배경의 풍경은 항공 원근법으로 그려집니다. 스모키 블루와 흐릿하고 불분명한 원근감이 구성에 깊이를 더해줍니다.

배경 풍경은 풍경이 둘로 나뉜 듯한 착각을 불러일으키기 때문에 일정한 불균형을 보인다. 그러나 둘 사이에는 연속성이 없습니다. 높이와 선이 일치하지 않는 것 같습니다.

기술

그림 모나리자 그것은 나무에 오일 페인트로 만들어집니다. Leonardo da Vinci는 다음 기술을 적용했습니다. 스푸마토. 이것은 그림의 윤곽을 부드럽게 하거나 희석하기 위해 섬세한 페인트의 여러 층을 겹쳐서 구성되며 그림이 나머지 부분에 통합되어 있음을 인식 할 수있는 자연 스러움과 볼륨감을 얻으십시오. 구성.

덕분에 스푸마토, Leonardo는 3차원에 대한 인식을 완벽하게 만들었습니다. Leonardo는 다음 기술을 사용합니다. 스푸마토 빛이 곡선 표면, 특히 피부에서 어떻게 반사되어 부드럽고 부드럽고 자연스러운지 보여줍니다.

미소의 신비와 표정에 대한 설명 원숭이 Lisa는 다음의 기술에서 정확하게 파생됩니다. 스푸마토 그리고 인간 비전의 본질.

실제로 인간의 직시(目視)는 그림자가 아닌 디테일에 초점을 맞추는 반면, 주변시(peripheral vision)는 디테일보다 그림자를 더 구별한다. 바라보며 모나리자 다양한 관점에서 테크닉의 얇고 흐릿한 레이어 스푸마토 옆에서 볼 때 보이는 신비한 미소와 달리 앞에서 보면 거의 눈치채지 못할 미소를 짓게 만든다. 이것은 얇은 레이어에 의해 생성된 그림자로 인해 측면에서 더 많은 볼륨이 투영되기 때문에 발생합니다.

의미 모나리자

표현식 "원숭이 Lisa "는 '리사 부인'을 의미합니다. 원숭이 이탈리아어의 작은 성모 마리아, Lisa는 이 책을 출판한 르네상스 시대의 화가이자 건축가이자 작가인 Giorgio Vasari가 식별한 모델의 이름입니다. 이탈리아 최고의 건축가, 화가, 조각가의 삶, 그는 그림에 대해 증언했습니다.

모델의 아이덴티티

모델의 정체성에 대해 몇 가지 논의가 있습니다. 실제로, 가장 많이 받아들여지는 이론은 16세기 역사가 Vasari의 이론으로, 대표되는 여성은 Lisa Gherardini일 것이라고 합니다. 그리고 Lisa Gherardini는 누구였습니까? 그녀는 Francesco del Giocondo라는 비단 상인의 아내였습니다. 사실 대체 이름은 모나리자스페인어로 "행복한"을 의미하는, 그녀의 유명한 미소와 남편의 이름을 나타냅니다.

또 다른 논문에서는 묘사된 여성이 레오나르도의 말에 따르면 "특정 피렌체 여성"일 것이며 이 작품은 Juliano de Medicis의 의뢰를 받았을 것이라고 제안합니다. 그렇다면 사회적으로 유명한 여성이 될 수 있습니다. 그러나 만약 그렇다면 그녀의 정체에 대한 의심은 그녀가 완전히 식별 될 것이기 때문에 이해되지 않을 것입니다.

그림을 설명하는 현대 문서가 다른 버전의 그림을 참조할 수 있다는 점을 고려하면 상황이 복잡해집니다. 모나리자. 그러한 버전의 존재는 정확히 이 작품에 신비한 맥락을 부여하는 요인 중 하나입니다.

버전 모나리자

가장 많이 받아들여지는 이론은 Vasari의 작품에서 수집되었기 때문에 모나리자 그것은 상인 Francesco del Giocondo에 의해 위임되었을 것입니다. Leonardo는 1503년경에 그것을 그리기 시작했을 것입니다. 그러나 Vasari는 작품을 설명할 때 두 가지 매우 중요한 데이터를 지적합니다. 그는 눈썹의 존재를 언급하고 그림이 미완성임을 나타냅니다.

Leonardo의 시대부터 두 가지 버전의 그림이 더 있습니다. 일스워스의 모나리자 와이 프라도 미술관의 모나리자. 후자 중 레오나르도의 작업실에서 그의 제자 중 한 명, 아마도 Andrea Salai가 만든 사본으로 알려져 있습니다. 동일한 기술과 재료 조건을 적용하여 1503년에서 1519년 사이에 만들어졌습니다. 나무 판자(호두)에 유채, 크기 76.3 x 57cm. 난이도와 같은 약간의 품질 차이가 보입니다. 스푸마토.

참고로 일스워스의 모나리자루브르 박물관이나 프라도 미술관과 달리 캔버스에 만들어졌기 때문에 오래전부터 위조품으로 여겨졌다. 그러나 최근 과학 연구에 따르면 안료와 재료는 같은 시대의 것입니다. 레오나르도 자신의 버전입니까? 사실, 그것이 그림의 첫 번째 버전이 될 것입니까?

클래식과의 가장 분명한 차이점 지오콘다 그들은 세 가지입니다:

• 얼굴에 눈썹이 더 뚜렷한 여성은 더 젊어 보입니다.
• 그것은 두 기둥 사이에 명확하게 프레임되어 있으며
• 배경 풍경은 미완성입니다.

레오나르도가 만들었다면 청춘을 생각하면 초판이라고 봐도 무방할 것 같다. 루브르 박물관의 모나리자와 모델의 비교 및 ​​레오나르도가 그림을 개발하는 데 걸린 년과 관련하여. 모델은 동일한 것 같습니다.

이 마지막 정보가 주어지면 질문이 생깁니다. 이 그림이 초상화의 첫 번째 버전이었을 가능성이 있습니까? 레오나르도가 두 초상화를 동시에 그렸을까요? Vasari는 미완성인 모나리자에 대해 눈썹을 찡그린다고 하는데, 이 사람을 가리킬 수도 있고 루브르 박물관을 지키는 사람을 가리킬 수도 있습니까? 바사리가 루브르 박물관에 있는 것을 언급했다면, 지오콘다 일부 유지 관리 또는 복원 과정에서 원본이 실수로 지워졌습니까?

아직까지 만족스러운 답을 얻지 못한 이 질문들은 세계의 주목을 받은 작품을 둘러싼 미스터리의 일부이지만... 회화의 이례적인 확산 현상을 설명하기에 충분합니까?

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그림의 역사 모나리자

모나리자 1503년에서 1519년 사이에 Leonardo가 만들었습니다. 가장 널리 받아들여지는 논문은 그것이 천상인 Francesco del Giocondo의 의뢰임을 시사합니다. 르네상스 화가와 마찬가지로 레오나르도는 그림을 끝내지 않았기 때문에 넘겨주기를 거부했고 그의 일생이 끝날 때까지 그의 소유로 남아 있었습니다.

16세기 중반 프랑스 왕 프랑수아 1세가 사망한 직후 또는 사망 직전에야 12,000프랑을 지불한 그림입니다. 프란시스코 1세가 사망한 후 이 작품은 퐁텐블로, 파리, 그리고 마침내 베르사유로 향하게 되었습니다. 프랑스 혁명 이후 프랑스 국보의 일부로 여겨졌을 때 1797년에 루브르 박물관의 관리로 이양되었습니다.

그것은 세 번의 중단을 제외하고 오늘날까지 루브르 박물관에 남아 있습니다. 첫 번째, 나폴레옹이 그녀를 침실로 데려갔을 때(1800년에서 1804년까지). 두 번째, Vicenzo Peruggia에 의해 박물관에서 도난당했을 때(1911년부터 1914년에 반환될 때까지). 그리고 세 번째는 제2차 세계 대전 중 앙부아즈 성으로, 나중에는 로크디외 수도원으로 피신했을 때입니다.

중요성 지오콘다 그리고 그것이 예술에 미친 영향

인물의 초상화라는 장르는 우리가 알고 있듯이 14세기경 르네상스 초기에 일어났습니다. 레오나르도가 그림을 그렸을 때 모나리자 특정 관습에 맞게 조정된 어느 정도 통합된 초상화 전통이 이미 있었습니다. 이전에 가장 일반적인 모델 모나리자 얼굴, 머리, 어깨가 전체 구도를 덮을 수 있도록 몸통 중앙까지 캐릭터 표현에 집중했다.

의 그림 모나리자 르네상스 초상화의 장르에 속하지만 레오나르도 다빈치가 그린 방식은 당시 여성의 초상화를 그렸던 전통과 몇 가지 면에서 다릅니다. 여성은 관객을 똑바로 바라보고 자신 있게 웃는다. 두 가지 태도는 여성이 아닌 귀족 남성에게서 기인한다.

초상화에서 모나리자 얼굴, 머리, 어깨 뿐만 아니라 허리 아래의 몸통도 노출되어 팔과 손이 노출되어 표현의 가능성이 더욱 커졌습니다. 이런 식으로 Leonardo는 이전 모델을 따라갈 수 없었을 캐릭터에 대해 많은 것을 드러냅니다.

그러나 이것은 Leonardo가 만든 유일한 초상화가 아니며 Leonardo가 그의 시대가 끝날 때까지 보존되었지만, 당시 그의 영향력은 성취한 소수의 사람들에게만 국한되었습니다. 그를 봐. 어쨌든 그들이 증언을 남길 정도로 그 서클에 미친 영향이 컸다는 점은 부정할 수 없다. 이러한 이유로 화가 라파엘은 그것을 연구하고 Maddalena Doni의 초상화를 정교하게 만드는 참고 자료로 삼았습니다.

원래 초상화에서 모나리자 우리는 Leonardo가 기술 개발에서 달성 한 완벽의 징후를 볼 수 있습니다. 스푸마토, 그리고 사실, 이 그림은 결국 레오나르도가 그 유명한 그림을 그릴 때 그렸던 것으로 믿어집니다. 세례 요한, 그는 자신을 chiaroscuro의 진정한 주인으로 드러냅니다. 이는 이 두 작품에서 레오나르도의 기법이 완성되었을 것이라는 것을 의미한다. 그러나 현재의 중요성이 전적으로 기술적 우수성에서 비롯됩니까?

도난의 영향 모나리자

의 인기가 높아진 것 같다. 모나리자 비교적 최근의 것으로, 1911년 8월 21일 루브르 박물관의 전 직원이었던 이탈리아인 Vincenzo Peruggia가 저지른 강도 사건에 의해 촉발되었습니다. 사실, 도난은 24시간 후에야 발견되었는데, 이는 그 조각이 당시 특별한 보안 주의를 받지 못했다는 것을 의미합니다.

도난 모나리자 도난의 놀라움과 조사의 처리 모두에 대해 정말 수치스러운 일이었습니다. 그 순간의 두 명의 위대한 공인을 의심하게 만들었습니다. 젊은 기욤 아폴리네르와 파블로 피카소. 실제로 Apollinaire는 조사를 위해 일주일 동안 구금되었습니다. 2년 간의 조사 끝에 당국은 당시 피렌체 우피치 미술관 관장이었던 알프레도 게리에게 그를 팔려고 했던 페루자의 행방을 찾아냈다.

도난 모나리자 세계의 명소에 조각을 두는 것 뿐만 아니라. 그것은 또한 레오나르도나 레오나르도의 작업장에서 만든 초상화의 다른 버전에 대한 평가에도 영향을 미쳤습니다.

우리는 위에서 언급 한 사항을 즉시 참조합니다. 일스워스의 모나리자, 그 존재는 도난 후에야 발견되었습니다. 캔버스에 이 작품이 늦게 등장한 것은 많은 사람들이 루브르 박물관이 왕의 손에 있던 시기에 만들어진 위조품일 수 있습니다. 페루자.

대중에게 보물로 여겨지는 다다이스트 마르셀 뒤샹의 작품이 돌아온 지 몇 년 후 그리고 초현실주의자 살바도르 달리는 그들 각각을 버전으로 만들어 그들의 명성을 봉헌하기 위해 마지막 일격을 가할 것입니다. 불경한.

요약하면, 이러한 모든 문제는 전 세계적으로 작업이 비정상적으로 확산되는 데 영향을 미친 맥락의 일부입니다.

• 동일한 동기의 여러 버전의 존재;
• 레오나르도는 작업을 전달하기를 꺼립니다.
• 그것을 얻기 위한 프랑스의 프랑수아 1세의 상당한 경제적 투자;
• 자신의 방에서 그녀를 보고 싶어하는 나폴레옹의 욕망;
• 페루자에 의해 자행된 강도와 ...
• 뒤샹과 달리의 불경스러운 패러디.

이 모든 것이 서구 문화의 진정한 상징으로서의 유효성을 확인시켜줍니다.

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