팝 아트: 특징, 예술가 및 주요 작품
그만큼 팝 아트, 스페인어로 팝 아트로 알려진 은 1950년대에 시작된 플라스틱 운동입니다. 그것은 대영제국과 미국 사이에서 태어났지만, 그 운동의 기수가 된 것은 후자였습니다. 그러나 팝아트는 유럽과 라틴아메리카, 아시아, 오세아니아 등 전 세계에 충격파를 일으켰다.
팝아트는 소비자 사회를 형성하는 전 과정에서 맥락화되어 있다. 결정적 사건은 제2차 세계 대전과 텔레비전의 등장 이후에 일어났다. 가정.
이 예술적 스타일은 상징의 세계와 엄청난 관심을 받는 주제를 고려한 예술을 만들기 위한 시도로 탄생했습니다. 즉, 문화 엘리트가 등을 돌리고 상상 속으로의 동원적인 침투를 거부하는 것처럼 보이는 "대중적인" 상징. 집단.
팝아트의 특징
대중문화의 영감
고대인들이 자신이 알고 있는 세계의 이미지를 자신의 작품으로 표현했다면, 현대 미술가도 그렇게 하는 것이 의무였습니다. 팝 아티스트들은 "문명"의 새로운 상징이 되고 있는 일상적인 물건들, 즉 미디어 아이돌, 정치인, 대량생산물, 연재만화(만화), 포스터, 포장 및 각종 상징적 이미지(기호 교통, 콜라주등).
팝 심볼의 레퍼토리로 아름다움의 개념 확장
그만큼 팝 아트 그는 고대의 비너스와 마돈나뿐만 아니라 대중 문화의 대상조차도 아름다움의 요소를 포함할 수 있다는 것을 이해했습니다. 물론 이것이 팝아티스트들이 유리하게 활용하는 지적 환경에 대한 도발을 멈추지는 않을 것이다.
탈맥락화
의 전략 중 하나 팝 아트 그것은 대상을 차용하고 그것들을 탈맥락화하는 것이었습니다. 예를 들어, 수프 캔, 유명한 그림 또는 사진을 맥락에서 벗어나 그것을 개입시켜 작품이나 새로운 작품으로 변형시키는 것입니다. 비슷한 일이 다다이스트들의 기술로 행해졌습니다. 준비된 마르셀 뒤샹이 그의 유명한 작품을 만든 이후 분수: 예술가의 서명이 있는 개입된 소변기, 가명 R. Mutt, 그리고 그것은 박물관 작품으로 발표되었습니다.
기교의 부정
이 예술가들은 기교를 가치로 옹호하지 않았습니다. 이를 통해 팝 아트는 복잡하고 길고 어려운 과정의 결과로 예술 작품에 대한 아이디어를 깨고 다중 복제 원칙을 선호했습니다.
이러한 이유로 그들은 스크린 인쇄, 삽화와 선 스타일이 있는 만화, 일부 광고 및 대량 생산 기술, 콜라주 그리고 사진.
일부 예술가들은 더 급진적이고 생산적이었습니다. 사건 예술의 수집과 상품화에 반대하는 인터랙티브 쇼.
부조화
팝아트가 제공하는 상징의 세계는 올드스쿨의 지식인들이 쉽게 동화되지 않았고, 더군다나 팝 아티스트들은 그들이 표현하는 것에 대해 단 하나의 입장도 가지고 있지 않았기 때문에 소지품. 따라서 그들의 목적이 반드시 명확하지는 않았습니다. 소비를 비판했나요? 그들은 소비를 확인 했습니까? 그들은 상황을 이용했습니까? 따라서 그들은 겉보기에 어울리지 않고 도발적인 이미지를 만들었습니다.
기분
지적인 예술을 의도한 것이 아니었기에 팝아트는 관객을 향한 유머와 공모 윙크가 가득한 운동이기도 했다.
매체의 위대한 이론가와 지식인의 열광적인 입장과는 거리가 멀고, 팝 아티스트들은 아이러니하고 주변 질서를 비웃었다. 아마도 다른 방식의 비판이었을 것입니다.
성나게 하기
이 모든 것이 팝 아트를 도발적이고 도발적이며 논쟁의 여지가 있게 만들었습니다. 예를 들어 독창성에 대한 의문을 제기하면서 르네상스 이후 찬사를 받아온 인물인 창조적 천재의 우월성에 대해서도 의문을 제기했다. 그들은 또한 비평가의 역할, 미술사가, 박물관의 개념, 선택 기준, 박물관학의 원리에 대해 의문을 제기했습니다.
그러나 그것을 만드는 모든 것 이상으로 팝 아트, 자연 발생에 의해 발생하는 것은 아무것도 없으며 팝 아티스트가 이것을 공식화하기 전에 미적 프로그램, 이전 세대는 기호의 진정한 반란을 위한 조건을 만들고 있었습니다. 예술적. 그의 배경과 1950년대의 창조적 맥락에서 팝 아트가 어떤 관계를 맺었는지 살펴보자.
팝 아트 배경
의 영향 팝 아트 그들은 아방가르드 운동의 첫 번째 물결에서 등장한 다다이즘과 같은 흐름에서 찾을 수 있습니다. 실증주의적 이성질서에 의문을 제기한 문화운동이었고, 특히 회화에서 다음과 같은 새로운 기법을 제안한 것이 두드러졌다. 기성품, 일상의 오브제를 취하여 개입하여 그 특성이나 기원을 숨기지 않고 박물관에 전시하기에 적합한 오브제로 변형시키는 기법.
시간이 흐르면서 주요 직접적인 동인은 영어 이름 IG(Independent Group)의 약어로 알려진 Independent Group이었습니다.
IG는 1952년 런던 현대 미술 연구소에서 시작되어 1955년까지 활동했습니다. 이 기간 동안 영국은 유럽의 다른 완전히 산업화된 국가와 마찬가지로 2차 대전의 배급과 긴축 이후 다른 도시 대중문화의 성장 세계.
많은 아티스트들이 이 그룹에 참여했습니다. 그러나 이탈리아의 에두아르도 파올로치(Edouardo Paolozzi)는 팝 아트 첫 번째 IG 세션 후. 이것에서 Paolozzi는 몇 가지를 예상했습니다. 콜라주 그는 불투명한 영사기로 잡지에서 만든 것입니다. 첫 번째 이미지는 콜라주나는 부자의 장난감이었다 (나는 부자의 장난감이었다), "팝"이라는 단어가 처음으로 사용된 것에서 그 운동의 이름을 따왔습니다.
이러한 맥락에서 IG는 예술적 환경에서 처음으로 대중문화의 문제와 그것이 그때까지 인식되었던 문화의 정의에 미치는 함의에 대해 논의했다. 그들에게 이것은 또한 그들이 현재 예술의 개념을 재고하도록 강요했습니다.
동시에 미국에서는 문화계에 중대한 변화가 일어나고 있었습니다. 지금까지 상상했던 모든 것, 그 지시 없이 충동.
그런 의미에서 작곡가 존 밀턴 케이지(John Milton Cage)의 유명한 작품 4'33 ''는 팝아트의 매우 중요한 선례를 이룬다. 이 작업은 "tacet"(침묵)이라는 단어만 쓰여진 4분 33초의 악보 연주로 구성되었습니다.
일각의 해석에 따르면 케이지의 제안은 대중이 만들어내는 환경적 소음을 음악적 예술 작품으로 인식하기 위한 것이었다. 의심할 여지 없이 그것은 음악이 그 학문의 근본적인 주제에 의문을 제기하면서 예상치 못한 방식으로 음악을 주도한 절대적인 혁명이었습니다. 조형예술은 무엇을 할 것인가?
우선 그들은 예술의 지성화와 봉헌된 예술가들의 회피적 성격에 반발할 것이다. 침략적 현대 현실, 특히 잭슨의 추상 표현주의에 기인한 이 세대의 특성 대구 무리. 따라서 새로운 세대의 예술가들은 예술과 삶 사이의 거리를 제거한다는 Cage의 아이디어를 적절하게 사용할 것입니다. 그들이 왜 그리고 무엇을 위해 그랬는지 봅시다.
팝아트는 왜 그리고 무엇을 위해 탄생했는가?
우리가 폭로한 팝아트의 특징은 이 운동이 피상적이라고 비난하는 문장들과 달리 깊은 의미가 있음을 보여준다.
이 운동은 타협이 없는 예술이라고 볼 수 있지만 때로는 이 말이 불공평할 수 있습니다. 시각적인 부담이 큰 것도 사실이고 대중문화의 상징에 물들지 않은 것도 사실이지만, 그 밑바닥에 뉘앙스가 있기도 하다.
미국 예술가들의 아주 특별한 경우. 그들은 대중 사회로의 진입을 의미하는 이러한 나사의 전환 속에서 북미주의의 궁극적인 본질을 탐구하는 데 관심이 있었다. 이와 함께 추상표현주의가 옷장 뒤에 감춰두었던 구상회화를 어떻게든 재발견하려 하기도 했다.
그러나 일반적으로 전 세계의 팝 아티스트들은 아이러니를 통해 1950년과 1970년 사이에 집단 수용소가 수립한 패권 질서에는 물질주의와 저속함이 가담했다.
동시에 그들은 가치의 명확하고 지속적인 표현의 새로운 상징이 무엇을 가지고 있는지를 인식했습니다. 문화적 변화를 통해 여러 번 그들은 판단하지 않고 새로운 아이콘을 관찰할 수 있었습니다. 값.
넓은 의미에서 팝아트는 소비사회의 상징을 통합함으로써 예술의 도상학적 주제의 레퍼토리를 확장했을 뿐만 아니라 소비자 사회의 재정렬과 이 현상이 사회 전체에 퍼져 있음을 인정하지 않는 지식인 엘리트의 거부라는 두 가지에 대한 입장을 설정했습니다. 문화.
따라서 Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman 또는 Batman은 매우 "문화적"이며 현대 세계에서 주목할만한 가치가 있습니다. 세기의 아프로디테, 비너스, 아도니스, 아폴로, 처녀, 성자, 물 운반자, 양치기, 풍경, 왕 및 인물의 레퍼토리로 16.
탑 아티스트
앤디 워홀 (1928-1987)
그는 북미의 중요한 플라스틱 아티스트이자 일러스트레이터이자 영화 제작자였습니다. 그는 예술 영역에 마케팅 및 광고 원칙을 적용하는 일을 담당했습니다. 이를 통해 팝아트 발전의 길을 열었다.
그는 오늘날 새로운 정보 기술 덕분에 실현된 예술 역사상 가장 유명한 문구 중 하나를 만들었습니다. "미래에는 모든 사람이 15분 동안 유명해질 것입니다." 그의 가장 뛰어난 작품 중 우리는 시리즈를 언급할 수 있습니다 캠벨 수프 캔 Marylin Monroe, Mao Tse Tung 및 자신과 같은 공인의 실크 스크린 초상화.
또한보십시오 앤디 워홀의 7가지 상징적 작품.
로이 리히텐슈타인 (1923-1997)
화가, 그래픽 아티스트 및 조각가. 그는 기존의 조형예술에 코믹기법을 적용하여 예술계에서 새로운 시각문화의 인지도를 얻었다. 그는 또한 스크린 인쇄와 같은 다른 기술을 사용했습니다. 콜라주. 그의 작품은 특히 유명하다. 키스 와이 쉿!.
로버트 라우센버그 (1925-2008)
그는 추상 표현주의의 후원 아래 화가로서의 경력을 시작했지만, 그의 삶의 중반에 그는 팝 아트의 언어와 가능성을 탐구하여 가장 중요한 예술 중 하나가 될 때까지 대표자. 그는 회화와 조각, 조각 사진 및 조각을 결합하는 것을 포함할 수 있는 조형 예술의 특이한 재료의 조합으로 두각을 나타냈다. 공연. 이 기술은 결합시키다. 그의 가장 유명한 작품 중에는 다음이 있습니다. 사실 그리고 시리즈 소급.
재스퍼 존스 (1930)
그는 추상표현주의, 미니멀리즘, 네오다다이즘은 물론 팝아트의 요소까지 엿볼 수 있는 미국의 조형예술가이다. 그가 가장 좋아하는 기술은 비관적이었습니다. 의 장에서 심슨 "엄마와 팝 아트" 또는 "아빠와 엄마의 예술"(스페인어-미국 번역)이라고 불리는 Jasper Johns는 Homer가 친구가 된 예술가 중 한 명으로 나타납니다. 챕터 말미에는 자신의 작품에 필요한 재료를 훔치는 모습이 보입니다. 그의 가장 잘 알려진 작품 중에서 우리가 언급할 수 있는 세 개의 깃발 와이 네 개의 얼굴을 가진 다이애나.
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