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음악의 모든 단계: 선사 시대부터 현재까지

음악의 무대

우리가 살고 있는 이 시대는 세상에 대한 우리의 비전을 책임지고 있습니다. 우리를 둘러싸고 있는 아이디어는 우리가 일상 생활을 영위하는 방식과 일을 하는 방식의 중요한 부분입니다. 인류의 역사를 통틀어 사람들은 창조하려는 동기가 다양했지만 모든 것은 호기심과 표현의 필요성으로 돌아갑니다.

음악은 다음과 같은 학문이었습니다. 항상 인류와 함께 해왔다, 소리를 가지고 노는 원리에서 나오기 때문입니다. 이것이 우리가 매일 다양한 방식으로 즐기는 예술로 진화해 온 기본 원리입니다. 이번 강의에서는 교사 우리는에 대해 이야기 할 것입니다 음악 무대 역사를 통해 그리고 그것이 시간이 지남에 따라 어떻게 진화했는지.

이 시대의 가장 중요한 음악은 그레고리오 성가의 노래이다. 전례적 성격. 그레고리오 성가는 라틴어로 된 텍스트를 가지고 있었고 처음에는 문자가 모노딕(단일 멜로디 라인)이었습니다. 바로 이 노래들로부터 최초의 음악 작문 시스템, 음표와 4줄로 작성합니다(현재 사용되는 것과는 달리: 5줄 보표).

그레고리오 성가 외에도 노래는 소위 "메네스트렐리" 그들은 음유시인과 음유시인, 여행하는 예술가 또는 궁정에서 연회와 연회를 위한 연예인이었다. 수행한 작품은 서정적이고 서사적인 성격.

음악의 단계 - 중세 음악(476 - 1450)

이미지: 슬라이드쉐어

음악의 가장 뛰어난 또 다른 단계는 르네상스 시대에 일어난 단계입니다. 여기에서 음악은 다음과 함께 더 복잡해지기 시작합니다. 대위법과 대위법, 즉 목소리의 독립성, 음정과 관련된 긴장 및 해상도에서 소리와 함께 연주하기 위해 더 많은 멜로디 라인이 관련되기 시작합니다.

종교 음악 형식(미사 및 모테트)과 대중적이거나 세속적인 음악 형식 사이에는 여전히 차이가 있습니다. 마드리갈과 캐롤. 그는 또한 다음과 같은 형식으로 기악과 함께 춤을 추었습니다. 라이서케어와 칸조나.

음악의 단계 - 르네상스의 음악(1450 - 1600)

이미지: 핀터레스트

이 시기는 음악의 형식과 구조가 결정적인 시기였으므로 우리는 이 시기의 음악을 고전 음악, 오늘날 고려되는 음악에서 대략적인 끝을 갖는 1910년.

바로크 음악(1600 - 1750)

그것은 주로 악기 그룹과 함께 극장에서 열렸고 오페라의 사용과 기반 덕분에 개발되었습니다. 도구적 언어 발달심포니 오케스트라의, 이때 문자열을 지배적인 자원으로 사용했습니다.

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바로크 시대는 솜씨, 극단 및 대조에 대한 감사가 특징입니다. 음악적으로 말하면 "음조" 개념의 사용과 저음의 지속적인 사용이 나타납니다. 명확하고 단순한 비트 리듬, 동시 익스트림 보이스, 기능적인 코드 진행 및 즉흥 연주를 위한 공간이 사용됩니다. 이 때의 음악적 형식은 오페라, 오라토리오, 칸타타, 콘서트, 소나타 및 모음곡 무엇보다도.

이 무대의 주목할만한 음악가는 다음과 같습니다. 요한 세바스티안 바흐, 게오르크 프레드리히 헨델, 안토니오 비발디, 게오르크 필립 텔레만, 클라우디오 모테베르디.

고전주의 (1750 - 1800)

고전주의는 비엔나 가장 강력한 방송 센터로 파리, 베를린, 만하임이 그 뒤를 이었습니다. 고전주의의 음악 투명도, 선명도, 대칭성 및 색조의 견고함이 특징입니다.. 초기 바로크 시대와 달리 고전주의는 자연 스러움을 추구하고 과잉을 거부했습니다. 교향곡이나 소나타와 같은 형식의 탁월한 고전적 모델이 확립되는 시점이다..

이전에는 음악이 주로 귀족에 의해 관리되는 예술이었으나, 이 시기에는 우연히 주로 부르주아지 대중에 의해 일반 대중에게 음악의 도달 범위를 확대하고 국제적인. 내 관련 뮤지션 이 시간부터 우리는 볼프강 아마데우스 모차르트, 프란츠 요제프 하이든, 안토니오 살리에리, 루이지 보케리니, 니콜로 파가니니.

낭만주의 (1800 - 1860)

그만큼 뮤지컬 낭만주의 그것은 음악의 또 다른 분명한 단계이다. 이전의 흐름과 달리 낭만주의는 감성적인 개인의 표현, 삶과 자연의 해석. 개인적인 아이디어의 제안과 창작의 자유가 가장 중요합니다. 이국적인 것은 감사의 큰 원인이었습니다.

음악적으로 더 많이 사용됩니다. 고조파, 반음계, 단조, 범위 확장 및 음악적 다양성 모두. 모호한 색상과 변조를 많이 사용합니다. 오케스트라의 규모는 양적으로나 악기를 포함하는 면에서 눈에 띄게 증가했습니다. 기교와 즉흥 연주도 더 높이 평가되었습니다.

당대의 몇몇 중요한 음악가: 루트비히 판 베토벤, 프리드리히 쇼팽, 프란츠 리스트, 리하르트 바그너, 요하네스 브람스, 로베르트 슈만, 구스타프 말허, 주세페 베르디, 프란츠 슈베르트, 표트르 일리치 차이코프스키, 세르게이 라흐마니노프.

인상파 (1860-1910)

그것은 주로 프랑스에서 유래했으며 음악가들과 함께 클로드 드뷔시와 데오당트 드 세베라크. 인상주의가 정확히 음악 장르가 아니라 이데올로기의 연장이라고 주장하는 사람들도 있다.

어쨌든 음악 인상주의는 다음과 같은 특징이 있습니다. 조화롭고 리드미컬한 창의성의 완전한 자유, 처음에는 설정되었지만 작업 중에 조작되는 바로크 시대에 사용되지 않았던 음계(모드) 적게. 많은 부분이 암시와 미묘함으로 연주되고, 시간은 더 자유롭고 그리고/또는 루바토가 되며 무엇보다도 음색으로 실험됩니다.

드뷔시는 인상파의 최대 대표자로 알려져 있지만, 모리스 라벨과 에릭 사티, 마누엘 드 팔라, 아이작 알베니즈 그리고 운동의 선구자: 가브리엘 포레와 카미유 생상스.

음악의 무대 - 클래식 음악의 무대(1600 - 1910)

이미지: 핀터레스트

그리고 음악의 무대를 통해 이 투어를 끝내기 위해 이제 우리는 현재에 집중할 것입니다. 현대 음악은 가능성의 폭이 넓어 정의하기 어려울 때가 있습니다. 이 기간은 완전한 자유와 고전적 요소와 구조적 요소의 사용, 색조, 모양, 기법 및 색상의 분석. 이 시대의 가장 중요한 개념 중 하나는 12음을 사용하는 음악인 12음이다. 완전한 자유가 있는 반음계 음계의 음표, 즉 무조음 방식(음조가 없습니다. 설립).

이때 결정적인 현상이 있습니다. 전자 기술의 출현. 그녀 덕분에 가능성이 소리를 녹음하다, 음악 산업을 일으키고 음악 작품을 듣고 배포하는 방식에 혁명을 일으킬 것입니다. 처음에는 음악을 라이브로만 들을 수 있었다면 이제는 집에서 편안하게 들을 수 있습니다. (나중에 카세트, CD 및 디지털 음악으로 이어짐)의 앨범이 탄생하게 됩니다. 그만큼 음악 산업. 다음과 같은 다른 대중 매체와 병합할 가능성도 있습니다. 영화와 라디오.

이러한 현상은 우리가 "대중 음악"이라고 부르는 것과 함께 다음과 같은 수백 가지 장르와 음악 스타일을 발생시킵니다. 록, 팝, 펑크, 포크, 재즈, 레게, 보사노바, 살사, 일렉트로닉 등 오늘날 음악은 기술과 컴퓨터의 발전으로 계속해서 성장하고 혁명을 일으켜 우리가 음악을 듣고 만들고 공유하는 방식을 변화시키고 있습니다.

역사에 대해 아는 것은 우리가 삶의 많은 것들에 대한 근거를 이해하는 데 도움이 됩니다. 그리고 그 이해는 우리가 때때로 주는 것들의 천재성을 즐길 수 있게 해줍니다. 당연하게도. 음악은 수세기에 걸쳐 변해 온 광대하고 매혹적인 세계이며 우리는 계속해서 소유하고 즐기는 즐거움을 누리고 있습니다.

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