초현실주의: 특성 및 주요 예술가

1924년 파리에서 프랑스의 작가이자 시인인 앙드레 브르통(André Breton, 1896-1966)은 프랑스와의 관계를 단절한 후 선언문을 썼다. 다다(Dada) 운동의 지도자인 트리스탄 차라(Tristan Tzara)와 이에 따라 초현실주의가 탄생했으며, 이는 많은 사람들이 위대한 사상의 마지막이라고 생각합니다. 전위.

1924년 파리에서 초현실주의가 등장합니다. 그것은 제1차 세계 대전이 끝난 후 제2차 세계 대전이 발발할 때까지 몇 년 동안 유럽 전역에 퍼졌습니다. 따라서 이 운동의 영향은 우리 시대에 이르렀습니다.

용어인 것은 사실이다. 초현실주의 André Breton 및 그의 선언문과 관련이 있지만 프랑스 미술 평론가이자 작가인 Guillaume Apollinaire(1880-1918)가 그의 작품 프롤로그에서 처음 사용했습니다. 테이레시아스의 가슴 1917년에 쓰여졌다.

형질

무의식과 자동화

Breton의 선언문은 Freud의 책에서 영감을 받았습니다. 꿈의 해석, 저자가 인간의 마음에는 무의식이라는 숨겨진 수준이 있다는 생각을 탐구하는 것은 사람들이 대부분의 시간 동안 알지 못하는 것을 말하십시오. 나타냅니다.

초현실주의는 이러한 무의식의 한계를 극복하고 잠재의식이 예술을 통해 표현될 수 있도록 하고자 했습니다.

이처럼 자동성은 한계와 이성의 통제 없이 예술적 표현을 옹호하는 초현실주의의 특징 중 하나가 되었습니다. 이 목표를 달성하기 위해 예술가들은 최면 상태와 최면 상태에서 작품을 제작하게 되었습니다.

실제로 자동 기능은 종이, 캔버스 또는 기타 지원에 대한 조옮김으로 구성되었습니다. 예술적 표현, 미학적 또는 사기.

목표는 예술적 창작을 자동화하는 것이었습니다(자동 작용) 호흡이나 깜박임 동작이 자동인 것처럼. 따라서 그것은 예술과 사회 영역 모두에서 확립된 규범에 항의하려는 시도였습니다.

초현실주의자들은 예술가의 잠재의식에서 나오는 창의성이 의식에서 나오는 것보다 더 확실하고 강력하다고 믿었습니다. 그들은 또한 숨겨진 감정과 욕망을 드러낸다고 믿었던 꿈의 언어를 탐구하는 데 관심이 있었습니다.

일반적으로 아이디어는 최대한의 자발성, 즉 다소 쉽게 드러날 수 있는 것을 달성하는 것이라고 말할 수 있습니다. 그림과 글쓰기에서는 그다지 허용되지 않는 매우 복잡한 학문이기 때문에 그림에서는 그리 많지 않습니다. 자발성.

기타 창의적인 기술 및 프로세스

자동주의가 다른 형태의 예술적 표현에서 항상 잘 작동하는 것은 아니므로 원하는 창조성을 달성하기 위해 다른 기술이 사용되었습니다.

이러한 기술 중 하나는 프로타주, 예를 들어 거친 표면 위에 연필을 통과시켜 지지대에 모양과 질감을 만들어 해당 재료로 새로운 작품을 만드는 것으로 구성되었습니다.

또 다른 예는 데칼, 캔버스나 종이에 일정량의 잉크를 던지는 기술. 이 면을 반으로 접었다가 다시 열면 무의식 수준에서 야기하는 일로 인해 작품을 만드는 재료가 되는 먹 무늬를 보여준다.

다른 형태의 예술적 표현이 사용 및 실험되었으며 항상 창의적 자유를 완전히 탐구하기 위한 노력이었습니다.

그만큼 절묘한 시체 그것은 다른 예술가들이 함께 그림이나 시를 만드는 게임을 기반으로 한 창작 과정이었습니다. 다른 사람이 무엇을 하고 있는지 보지 못한 채 작업은 하나 둘 스쳐 지나가고 각 작가는 새로운 조각이나 새로운 단어를 추가하고 있었습니다. 말. 논문을 펼치고 참신한 아이디어를 찾아 결과를 공유했습니다.

또 다른 대안적 예술적 건설 과정은 “오브제 트루베"(발견된 물건), Marcel Duchamp(1887-1968)가 발명했습니다. 뒤샹은 프랑스의 화가이자 조각가이자 시인으로 다다이즘의 주요 인물 중 한 명이다.

그 전제에 부조리의 터치가 추가되었습니다. 즉, 랍스터를 전화기에 연결하는 작업, 또는 컵과 숟가락을 덮은 메레 오펜하임의 경우 머리.

이 형태의 예술적 구성은 일반적으로 아무 것도하지 않는 일상적인 물건과 관련이 있습니다. 감각의 교란을 유발하여 자극을 유발합니다. 무의식. 그것은 친숙한(공통의 대상)과 그 대상에 부과된 개연성이 없고 부조리한 시나리오 사이의 병치에 관한 것이었습니다.

초현실주의 예술가들은 다른 문화, 특히 원시 문화의 이미지와 물건을 자주 통합했습니다. 이러한 태도는 무엇보다도 반식민주의적, 반인종주의적 의도를 갖고 있었다.

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주요 아티스트 및 작품

맥스 에른스트

막스 에른스트(Max Ernst, 1891, 독일 브륄 - 1976, 프랑스 파리)는 다다이즘의 선구자 중 한 명으로 나중에 초현실주의에 합류하여 회화와 시에서 두각을 나타냈다.

독일에서도 에른스트는 제1차 세계대전에 적극적으로 참전했는데, 이는 그에게 깊은 인상을 남겼고 결국 그의 예술가 작업에 영향을 미쳤다. 1차 대전의 공포에 노출되면서 그는 그 시대의 사회와 가치에 대해 더욱 거세게 맞서게 되었다.

그의 작업은 무엇보다도 부조리의 탐구, 환상적인 설정의 구성 및 꿈의 세계가 특징입니다. 그의 예술 생활 전반에 걸쳐 그는 다음과 같은 다양한 기법을 실험했습니다. 콜라주 그리고 프로타주, 그리고 아메리카 원주민 부족의 예술에 큰 영향을 받았습니다.

살바도르 달리

살바도르 달리(Salvador Dalí, 1904-1989, Figueres, Spain)는 초현실주의자들 중 가장 유명하며 그의 이름은 결국 운동과 동의어가 되었습니다. 이것은 1937년경 그의 스타일과 정치적 입장의 변화의 결과로 브르타뉴가 그를 초현실주의에서 추방했음에도 불구하고 일어났습니다. 따라서 Dalí가 가장 논쟁의 여지가 있습니다.

그의 작업에서 꿈 같은 상상의 영향, 즉 꿈의 세계가 매우 두드러진다. 그의 예술적 표현은 주로 그림과 조각을 통해 이루어졌지만 평생 동안 그는 다른 형식과 기술도 사용했습니다.

그는 스페인 감독 Luis Buñuel(1900-1983)의 두 편의 영화와 협력하여 영화에 그의 흔적을 남겼습니다. 안달루시아 개 (1929) 및 황금시대 (1930).

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Dalí는 당대의 혁명적인 예술가였을 뿐만 아니라 자기 홍보에 있어서도 천재였으며 진정한 쇼맨이었습니다.

그의 작업은 우주와 인간의 감각, 성적 상징주의 및 표의 이미지의 세 가지 주요 주제를 중심으로 합니다. 그의 작업은 대부분 꿈의 연속적인 표현으로 구성되어 있으며, 잠재의식에 접근하고 거기에서 영감을 얻기 위해 마음을 운동하여 달성한 것입니다.

Dalí에게 꿈과 상상력은 창작 과정의 기본이었으며, 그는 또한 일종의 자동주의의 변종을 옹호했습니다. 편집병. 이러한 편집증의 과정에서 작가는 어느 정도 의식하고 있음에도 불구하고 순간적으로 자신의 합리성을 멈추게 하는 환각의 상태에 접어들 수밖에 없었다.

조안 미로

Joan Miró(1893, 바르셀로나 - 1983, 스페인 팔마 데 마요르카)는 20세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명입니다. 작가의 가장 잘 알려진 작품은 조각가, 디자이너, 도예가 등으로 창작했지만 그의 그림입니다.

다른 예술가들과 마찬가지로 미로도 다양한 움직임을 겪으며 영향을 받아 흔적을 남겼습니다. 사실 그것은 야수파에서 시작하여 다다이즘으로 이어졌고 거기에서 초현실주의와 추상주의로 이어졌습니다.

그의 예술적 삶에서 그는 자동주의를 실천했고 회화에서는 확립된 부르주아 원칙에 대항하는 방식으로 관습에서 가능한 한 거리를 두려고 노력했습니다.

그의 초기 그림은 대부분 대조가 없는 생체 형태를 묘사합니다. 주제적으로 그것들은 환상의 세계와 꿈의 세계 사이의 교차를 나타내는 구성입니다. 그의 혁신적인 작곡으로 미로는 그의 동시대인들과 수많은 후대들에게 영향을 미쳤습니다.

르네 마그리트

René Magritte (1898, Lessines, Belgium - 1967, Bruxelas, Belgium)는 벨기에 예술가이자 이름 중 한 명입니다. 그 명성이 바로 주위에 올 것이라는 사실에도 불구하고 가장 국제적으로 찬사를 받은 초현실주의의 50.

그는 초현실주의와 가장 관련이 있는 예술가 중 한 명이지만 Magritte의 작품은 Dalí의 환상주의 및 Miró의 자동주의와 거리를 둡니다.

마그리트에게 중요한 것은 작품이 보여주는 것이 아니라 작품이 감추고 있는 것, 즉 내면에 숨어 있는 동기였다. 그에게 중요한 것은 신비를 표현하는 것이었고, 따라서 그의 많은 그림 구성은 얼굴을 가진 인간의 형상을 나타냅니다. 베일에 가려져 그 뒤에 숨겨진 것을 결코 드러내지 못하는 것에 대한 영원한 호기심과 불만을 갖게 합니다.

그의 예술적 삶 동안 Magritte는 같은 주제를 여러 번 전환했으며 다른 예술가의 유명한 작품을 사용하여 초현실적 인 버전을 만들었습니다.

유머도 그의 작업에서 중요한 역할을 했으며, 그 예는 다음과 같습니다. 이미지의 배신, 완벽하게 칠해진 파이프가 캔버스에 "이것은 파이프가 아닙니다."라는 비문으로 표시됩니다.

실제로 그것이 부정적으로 묘사하는 그림도, 단어도 파이프가 아니라고 주장할 수 있다. 그것들은 존재하지 않는 대상의 추상적 표현일 뿐입니다. 따라서 Magritte는 겉보기에 단순한 방식으로 보는 이로 하여금 생각하고 질문하게 만듭니다. 사실 작가 자신은 스스로를 화가라 여기지 않고 이미지로 표현한 사상가였다.

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(텍스트 번역 안드레아 이매지나리오).