Stanislavski-systeem: wat het is, kenmerken en hoe het wordt gebruikt bij acteren

Ze zeggen dat Stanislavski's favoriete woorden tegen zijn acteerleerlingen waren: "Ik geloof je niet, je overtuigt me niet." Zijn manier van kijken en begrijpen hoe theaterkunstenaars zich zouden moeten gedragen was veeleisend maar ook nauwgezet. Zozeer zelfs dat het zijn eigen methode werd: het Stanislavski-systeem.

Zijn systematische benadering van acteren zorgde niet alleen voor een revolutie in de manier waarop het acteren werd uitgevoerd Rusland van zijn tijd, maar slaagde er ook in om grenzen te overschrijden door de richting van het theater te veranderen westers.

Deze methode is cruciaal geweest voor het maken van toneelstukken, series en films zoals we die nu kennen, en dan zullen we ontdekken waarom.

• Gerelateerd artikel: "Wat zijn de 7 Schone Kunsten? Een samenvatting van zijn kenmerken "

Wat is het Stanislavski-systeem?

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskou 1863 - 1938), beter bekend als Stanislavski, was een productieve Russische acteur, regisseur en theaterdocent Bekend als de auteur van een van de belangrijkste methoden voor de geschiedenis van de podiumkunsten: het Stanislavski-systeem. Het product van vele jaren van inspanning, zijn methode was bedoeld om acteurs in staat te stellen aspecten van de meest immateriële en oncontroleerbare menselijk gedrag op het podium, zoals emoties en inspiratie artistiek.

Stanislavski bestudeerde wat acteurs deden die, natuurlijk, erin slaagden om in karakter te komen. Op basis van zijn observaties en ervaringen creëerde deze Russische regisseur een systeem dat elke acteur, zowel beginner als veteranen in het vak, in hun werk een schoner, reëler en natuurlijk. Deze methode was zo revolutionair op het moment van haar verschijning dat het een voor en na markeerde in de wereld van acteren, het vaststellen van normen die de grens afbakenen tussen een overtuigende uitvoering van een kunstmatige en slechte vertegenwoordigd.

Deze methode werd geformuleerd in een tijd dat de podiumkunsten van zijn vaderland, Rusland, werden gekenmerkt door conventionele en stereotiepe clichés. De acteurs handelden kunstmatig, zelfs theatraal. De werken baadden in een aureool van valse emotionaliteit en weinig voorbereiding van de kant van de acteurs, zo weinig dat ze zelfs al op het podium wisten wat ze te zeggen hadden. Er werd weinig of niets gekeken naar de scripts waar uitkwam wat ze uit het hoofd hadden moeten leren.

Stanislavski deed nauwgezet onderzoek om zijn acteurs vanaf het begin te laten werken met iets dat zij als echt beschouwden., mensen, elementen en objecten die niet alleen worden gezien als elementen van een scène, maar als delen van een echte, alledaagse scène, een deel van het leven zelf. Mensen zijn geen acteurs in ons leven, maar we maken er wel deel van uit, we leven ze meer dan ze te acteren.

Om de acteur ertoe te brengen de scène te betreden die hij vertegenwoordigt, verdedigt Stanislavski het gebruik van emotionele herinneringen. De acteur of actrice moet zich een persoonlijke ervaring herinneren die lijkt op degene die ze proberen te vertegenwoordigen, waardoor ze zich meer ondergedompeld en betrokken voelen bij wat ze op het podium proberen te vertegenwoordigen. Je zou een situatie in je levensgeschiedenis moeten zoeken waarin je een emotie voelde die analoog was aan die van je karakter.

Maar dit wordt niet alleen bereikt door oprechte emotie op te roepen. Het is ook nodig een beetje externe ondersteuning, ons uiterlijk en gedrag aan te passen om het karakter tot leven te brengen dat het bedoeld is om te vertegenwoordigen of, beter gezegd, tot leven te brengen. Make-up, kleden, lopen, kortom gedraag je als het personage sinds externe fysieke handelingen helpen om de gezochte emotie op te wekken, volgens het principe dat als je begint te huilen, je uiteindelijk verdrietig.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "20 films over psychologie en psychische stoornissen"

De principes van het Stanislavski-systeem

Het Stanislavski-systeem is behoorlijk complex en kan niet als statisch worden beschouwd, juist vanwege de mate waarin het is geëvolueerd sinds het in het begin van de 20e eeuw werd geconceptualiseerd. Het is echter mogelijk om enkele van de belangrijkste principes te benadrukken, die hebben bijgedragen aan het markeren van een voor en na in de manier waarop theaterkunstenaars en later films en series hun karakters:

1. Concentratie op het personage

De acteur moet reageren op de verbeeldingleren denken zoals het personage, zich concentreren op zijn wat hij speelt.

2. gevoel voor waarheid

Met gevoel voor waarheid zouden we kunnen zeggen dat een van de ideeën van deze methode is om onderscheid te maken tussen het organische en het kunstmatige. Stanislavski was er vast van overtuigd dat er natuurlijke wetten waren die moesten worden gevolgd in de podiumkunsten, die, indien gerespecteerd, een goed, natuurlijk en harmonieus werk onderscheidde van een slecht, gekunsteld en overdreven.

• Gerelateerd artikel: "De 13 soorten leren: wat zijn dat?"

3. Handelen volgens de gegeven omstandigheden

De acteur moet vaardig zijn in het gebruik en de omgang met de omstandigheden die in de tekst worden gegeven, maar met de waarheid en met gebruikmaking van organische middelen. Gaat over vasthouden aan het script maar jezelf bevrijden door je emotionaliteit te vertegenwoordigen, trouw blijven aan wat in het script staat, maar de uitvoering persoonlijkheid en natuurlijkheid geven.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "Dramatische teksten: wat zijn het, typen, kenmerken en voorbeelden"

4. De fysieke methode

Stanislavski zag dat veel van zijn leerlingen diepe emotionele spanningen en mentale problemen hadden. Door zijn methode kon hij helpen fysieke en emotionele spanning van de acteurs te verwijderen, waardoor ze Ze zullen hun spieren ontspannen tijdens het uitvoeren van de presentaties en veel vrijer handelen.

Daarbij hechtte de Russische regisseur buitengewoon veel belang aan de fysieke factor die niet alleen diende om te ontspannen, maar ook om nauwkeuriger te ensceneren. Het is daarom dat uw systeem ook wel bekend staat als: fysieke actiemethode vanwege de grote nadruk op het ontspannen van de spieren tijdens het uitvoeren van de prestatie.

• Gerelateerd artikel: "Jacobson's Progressive Relaxation: gebruik, fasen en effecten"

5. Aandachtsgebieden

De aandachtssferen is wat Stanislavski bedoelde met werken aan sensaties. De acteur moet de zintuiglijke basis van het werk ontdekken. In je taak is het leren onthouden en onthouden van de sensaties die je personage voelt, sensaties die hun gemoedstoestand en hun manier van handelen moduleren met de andere personages in het stuk en met de openbaar.

6. Communicatie en contact

De acteur moet op een spontane manier met andere personages kunnen omgaan, zonder de inhoud van het boek te schenden, maar dat lijkt niet iets geforceerd of kunstmatig voorbereid. Communicatie en contact met de andere acteurs is essentieel tijdens de repetities en eindvoorstellingen.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 28 soorten communicatie en hun kenmerken"

7. Rollen gesegmenteerd in eenheden en doelstellingen

Kunstenaars moeten leren de rol of rol van hun hoofdrolspelers op te delen in zinvolle eenheden die afzonderlijk kunnen werken. Het is de taak van de acteur en actrice om elke eenheid van de rol te definiëren en het als hun eigen verlangen te voelen. in plaats van het te begrijpen als een literair idee dat voortkomt uit het libretto van de regisseur.

8. Creativiteit in handelen en denken

Je kunt geen acteur zijn zonder creatief te zijn. de creativiteit manifesteert zich zowel in een creatieve gemoedstoestand als in de manier van handelen.

• Gerelateerd artikel: "Wat is creativiteit? Zijn we allemaal 'potentiële genieën'?"

9. Werken met de tekst van het script

Dit principe klinkt misschien voor de hand liggend, omdat het moeilijk is om een ​​werk betrouwbaar weer te geven terwijl het volledig negeert wat er in het libretto staat. In Rusland werd dit aan het begin van de vorige eeuw echter niet zo vanzelfsprekend gevonden door sommige Russische kunstenaars, aangezien dat het vaak gebeurde dat de scripts niet werden gelezen en ze erop vertrouwden dat ze hun zinnen zouden vertellen terwijl ze aan het spelen waren.

De acteur moet respecteren wat hij in het script zet, zijn regels onthouden en internaliseren, maar het niet leren om het op het moment van het stuk te "braken". De acteur moet de sociale, politieke en artistieke betekenis van de tekst ontdekken, begrijp de ideeën die de regisseur heeft vereeuwigd in het script van het stuk. Als kunstenaar moet de acteur of actrice dienen als middel om deze waarden en visies toe te vertrouwen aan het publiek dat het werk is komen bekijken.

Het belang van het Stanislavski-systeem vandaag

Het Stanislavski-systeem is in de loop van de tijd geëvolueerd. In het begin moesten de acteurs en actrices de waarheid over het personage vinden en het als een echte entiteit behandelen. Echter, met het verstrijken van de tijd de praktijk om in zijn eigen ervaring de middelen te vinden die hem in staat stellen te voelen wat zijn karakter voelt, werd opgenomen in elke situatie.

Tegenwoordig is het duidelijk dat de acteur niet alleen moet begrijpen wat er met zijn karakter binnenin gebeurt het werk, maar moet ook de vitale situatie kennen waarin het zich bevindt en onder welke omstandigheden het zich bevindt omringen. Als hij dit weet en het in zijn eigen vlees leeft, kan de acteur op dezelfde manier reageren op hoe zijn personage het zou doen, waardoor de uitvoering zo natuurlijk mogelijk wordt.

Dit is een stuk verder gegaan en heeft het huidige feit bereikt dat: veel artiesten leven van dag tot dag zoals ze denken dat hun karakter zou doen. bijvoorbeeld dat zijn personage een boer is die op het platteland woont, want dan gaat de acteur een seizoen naar een boerderij en leeft alsof dat zijn beroep in het echte leven is. In de loop der jaren voegden verschillende interpretatiescholen bepaalde praktijken toe aan de Stanislavski-systeem, dat zich na verloop van tijd in wat in de acteerwereld bekend staat als "the methode".