De Renaissance: wat het is en wat zijn de kenmerken ervan

Het is mogelijk een van de bekendste artistieke periodes in de kunstgeschiedenis. De renaissance is wereldberoemd, vooral door haar belangrijkste kunstenaars. Namen als Brunelleschi, Botticelli, Raphael, Leonardo of Michelangelo behoren waarschijnlijk tot de meest uitgesproken namen die geïnteresseerd zijn in universele kunst.

Weten we echt wat de Renaissance vertegenwoordigde, afgezien van de clichés die al eeuwen aanslepen? In dit artikel zullen we proberen dieper in te gaan op de realiteit van deze beweging die niet alleen artistiek was, maar ook filosofisch en sociaal.

Wat is de renaissance?

Zoals met de meeste nomenclaturen, werd het woord "Renaissance" pas enkele eeuwen na de tijd waarnaar het verwijst in gebruik genomen. Specifiek, Het was de Franse schrijver Honoré de Balzac die de term in 1829 voor het eerst in zijn roman introduceerde Het Bal de Sceau. Balzac verwijst naar de cultuur die in de veertiende eeuw in Italië is ontstaan ​​en die klassieke modellen als leidraad neemt. Jaren later wijdde de historicus Jules Michelet de term "Renaissance" in zijn werk

de Renaissance (1855).

We kunnen de "Renaissance" begrijpen als de culturele beweging die begon in Italië (en specifiek in Florence). begin van de 15e eeuw en uitgebreid tot het einde van de 16e, en wat een herstel van de modellen van de Oudheid. Het is echter belangrijk op te merken dat deze klassieke modellen al in de Middeleeuwen bestonden. Wat de renaissance "anders" maakt, is het volledige besef dat de kunstenaars hadden van het leven in een renovatio, dat wil zeggen, het "ontwaken" van deze oude modellen.

In het algemeen, Renaissance-intellectuelen en kunstenaars zien zichzelf als de vernieuwers van 'echte kunst', die ze als verloren beschouwden tijdens de lange eeuwen van middeleeuwse "lethargie". Giorgio Vasari, een van de belangrijkste theoretici van de 16e eeuw, beschouwt de kunst van de Middeleeuwen als de "kinderschoenen" van kunst, terwijl de Quattrocento (dat wil zeggen, de Italiaanse vijftiende eeuw) zijn "jeugd" zou vertegenwoordigen, de eerste opname van bewustzijn. Ten slotte zou de Cinquecento (16e eeuw) de volwassenheid van de kunst zijn, met belangrijke namen als Leonardo, Michelangelo en Rafaël.

Maar... Was de Renaissance een authentiek herstel van deze oude kunst? We hebben al opgemerkt dat in de Middeleeuwen de klassiekers niet werden vergeten. Niet alleen op filosofisch gebied, waar we een sterke aanwezigheid van Plato vinden (bijvoorbeeld in de school van Chartres) en Aristoteles (in de gedachte van de heilige Thomas van Aquino), maar ook in de kunsten plastic.

In middeleeuwse beeldhouwkunst en architectuur vinden we inderdaad motieven uit de oudheid, die het levende getuigenis zijn dat de Middeleeuwen geenszins een breuk met de tijd betekenden klassiek. Maar intellectuelen en kunstenaars uit de Renaissance dachten er zo over. Niet tevergeefs noemde Vasari de kunst van de middeleeuwen 'monsterlijk en barbaars', een begrip dat overigens tot ver in de 19e eeuw geldig bleef.

Dus, de renaissance veronderstelt een 'ontwaken' in dubbele zin. Ten eerste omdat, zoals we al zeiden, zij als eersten op de hoogte waren van de verbouwing van deze klassieke renovatie in een radicale breuk met de middeleeuwse traditie, gelijk aan of radicaler dan wat de Middeleeuwen tegen die tijd waren geweest klassiek; Ten tweede omdat er feitelijk de overgang plaatsvindt van een theocentrische samenleving naar een humanistische samenleving, een feit dat de facto de ware breuk met de Middeleeuwen veronderstelt.

• Gerelateerd artikel: "De 5 tijdperken van de geschiedenis (en hun kenmerken)"

De "breuk" met de traditie

De breuk die de renaissance kende, kan strikt genomen niet als zodanig worden beschouwd. Allereerst omdat we al hebben gezien dat tijdens de Middeleeuwen de klassiekers niet werden vergeten. En ten tweede, en dit is niet minder belangrijk, want tijdens de Renaissance bleven ze gebruiken middeleeuwse bronnen, zoals de typologie van sommige gebouwen, de iconografie en sommige procedures technici.

Om al deze redenen kunnen we concluderen dat de Renaissance zeker niet de radicale breuk was die de Renaissanceisten zelf overwogen. Sterker nog, stelt de historicus Johan Huizinga in zijn werk Herfst van de Middeleeuwen, dat de laatste middeleeuwse eeuwen de voorbereiding van het stadium van de renaissance vertegenwoordigden, en geenszins de antithese ervan. En de kunsthistoricus Erwin Panofsky van zijn kant sprak al over verschillende 'renaissances'. Dus dat begrijpen we wat de "Renaissance" wordt genoemd, is niets meer dan een van de grote valkuilen van de verlichte Europese geschiedschrijving, dezelfde die de tien eeuwen bestempelde die volgden op de val van het Romeinse Rijk van "Middeleeuwen".

In ieder geval is er een reeks factoren die een duidelijke context vormen waarin deze "breuk" zich bevindt. We hebben al opgemerkt dat er aan het einde van de veertiende eeuw een overgang was van een theocentrische samenleving naar een humanistisch denken. De geleidelijke achteruitgang van de plattelandswereld, die al in het midden van de Middeleeuwen begon, evenals de daaruit voortvloeiende opkomst van steden, dragen op een fundamentele manier bij aan het versnellen van deze verandering van manier van denken.

De nieuwe sociale groep die in de steden opkomt, de bourgeoisie, gaat in dit hele proces een fundamentele rol spelen.of. Stedelijke kooplieden en bankiers vormen een machtige oligarchie die de steden controleert en tegelijkertijd optreedt als machtige beschermheren. Zo zullen kunstenaars vanaf de veertiende eeuw onder de bescherming van deze belangrijke figuren staan, en dat is ook zo Door deze krachtenbundeling zijn enkele van de belangrijkste kunstwerken van de geschiedenis. Het is alleen nodig om de machtige Medici-familie in Florence te noemen.

Dus als de renaissance een echte breuk betekent met de onmiddellijk daaraan voorafgaande wereld, dan is dat in het concept van de kunstenaar en de relatie die hij onderhoudt met zijn opdrachtgevers. De kunstenaar bleef een instrument in de handen van zijn opdrachtgevers, maar zij gebruiken hun beschermelingen met een duidelijk doel van differentiatie en politieke propaganda. Elke machtige man krijgt een stijl die hem vertegenwoordigt: de Sforza in Milaan, Julius II in Rome, de Medici in Florence. Daarnaast wordt het verzamelen van kunstwerken ook een symbool van status en macht.

Aan de andere kant lost de middeleeuwse mechanische handel van kunstenaars op in een veel meer intellectuele opvatting van kunst en haar processen. Verhandelingen over kunst, zoals Leon Battista Alberti's beroemde De Pictura (1435), helpen enorm beschouwen de kunstenaar als veel meer dan alleen een ambachtsman, in de veronderstelling dat hij enkele intellectuele kwaliteiten nodig heeft om zijn werk uit te voeren. Als gevolg van deze nieuwe overweging beginnen kunstenaars zichzelf in hun werken te portretteren en te signeren.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 8 takken van de geesteswetenschappen (en wat elk van hen bestudeert)"

Een nieuwe beeldtaal: perspectief

De veranderingen die plaatsvonden tijdens de Renaissance waren, in plaats van plastisch, filosofisch-literair. Door een herwaardering van de oude filosofie wordt de basis gelegd voor het creëren van een nieuw formeel systeem., wat zich later manifesteert in verschillende artistieke stromingen. De modellen uit de Oudheid worden opgelegd als de enige spiegel waarin de mannen van de Renaissance naar zichzelf kijken en hun esthetisch ideaal zoeken.

Maar waar te zoeken naar oude modellen in de schilderkunst? Want zoals beeldhouwers en architecten voorbeelden hebben om inspiratie uit te halen, geldt dat niet voor de schilderkunst. In de vijftiende eeuw waren Pompeï en Herculaneum nog niet ontdekt, wat het buitengewoon moeilijk maakte om dat te doen de taak om picturale modellen uit de oudheid te vinden waarop de nieuwe taal kan worden gebaseerd figuurlijk. Daartoe hielp de ontdekking, in 1480, van de Domus Aurea van Nero, in Rome, waarvan de fresco's hielpen stel, zij het laat, enkele picturale modellen op die als model voor schilders zouden kunnen dienen Renaissance.

Een voorbeeld hiervan zijn de "grotesken", picturale ornamenten gebaseerd op onder meer plantenversieringen, mensfiguren en fantastische dieren, die de muren van het paleis van Nero sierden. De excentriciteit van deze decoraties leverde hen echter scherpe kritiek op van verhandelingsschrijvers zoals Giorgio Vasari.

Het was precies Vasari die de basis legde van wat hij overwoog het "goede schilderij" dat in wezen gebaseerd moest zijn op harmonie en proportie en vooral op een juist perspectief. Het is waarschijnlijk dit laatste concept dat de meeste renaissancekunstenaars bezighield; om, zoals Alberti zei, een "venster" te creëren waardoor een glimp van een deel van de ruimte kon worden opgevangen. In Italië was rond 1422 het perspectief in picturale voorstellingen bereikt: de fresco's in de Brancacci-kapel van Masaccio zijn daar een goed bewijs van.

De Italianen van het Quattrocento slaagden erin het perspectief onder de knie te krijgen door afstand te nemen van de veelheid aan gezichtspunten die de Trecento-schilders hadden gebruikt. In plaats daarvan maakten ze dat 'venster' mogelijk waar Alberti over sprak het exacte wiskundige perspectief, waardoor alle lijnen van de compositie samenkomen in één verdwijnpunt. Bij deze onderneming was de bijdrage van de architect Filippo Brunelleschi cruciaal. Het is echter niet minder waar dat de Vlaamse primitieven in Vlaanderen via een ander proces tot een even geldige oplossing kwamen.

Vlaamse schilderkunst uit de 15e eeuw, met o.a. Jan van Eyck en Roger van der Weyden, voorgesteld als een radicale verandering van gotische vormen zoals renaissanceschilderkunst in Italië. In het geval van de Vlamingen kwam het perspectief tot stand door een zorgvuldige en absoluut empirische observatie van de werkelijkheid.

Het resultaat van de flamenco was zo verrassend en uniek dat zijn stijl zich over heel Europa verspreidde, tot het punt dat gebieden zoals Engeland, Oostenrijk of het Iberisch Schiereiland namen Vlaamse modellen als referentie, meer dan de renaissancemodellen die daaruit voortkwamen Italië. De kunstenaars van het Italiaanse Quattrocento hadden zelf grote bewondering voor deze vernieuwers uit Vlaanderen, en er vinden veel artistieke uitwisselingen plaats tussen de twee Europese breedtegraden. Het volstaat te zeggen dat Bartolommeo Fazio, een 15e-eeuwse humanist uit Genua, Jan van Eyck 'de belangrijkste schilder van onze tijd' noemt.

Het begon allemaal in Firenze

Als er een plaats is die in ons opkomt als we het over de Renaissance hebben, dan is het natuurlijk Florence.. Het is in deze stad waar het humanisme zich ontwikkelt, een culturele stroming en gedachte die het vermogen van de mens rechtvaardigt om zichzelf en de wereld om hem heen te kennen. Maar laten we onszelf in de juiste context plaatsen.

In 1402 rukken de Milanese troepen onder leiding van Gian Galeazzo Visconti op richting Florence en bedreigen de vrede en welvaart die jarenlang in de Florentijnse Republiek heersten. De aanval op Milaan wordt herhaald in de jaren 20 van de 15e eeuw; een tweede dreiging die alleen wordt gestopt dankzij de alliantie tussen Florence en de stad Venetië (1425). Deze voortdurende militaire claims doen de republikeinse waarden herleven, waarmee de Florentijnen zwaaien tegen wat als een prinselijke dictatuur werd beschouwd. Zo gingen opdrachtgevers en kunstenaars op zoek naar een plastische taal die deze republikeinse idealen weerspiegelde.

• Gerelateerd artikel: "Wat zijn de 7 Schone Kunsten? Een samenvatting van de kenmerken"

Ghiberti en Masaccio, de grote plastic vernieuwers

In 1401 werd in Florence een wedstrijd gehouden om een ​​kunstenaar te vinden die de tweede deuren van het Baptisterium kon maken. De winnaar was Lorenzo Ghiberti; Zijn eerste werk in de doopkapel, hoewel het wordt beschouwd als het "manifest" van renaissancekunst, heeft nog steeds veel invloed van de vormen van de zogenaamde internationale gotiek. Pas bij Ghiberti's tweede werk aan de doopkapel (de derde deur, gemaakt tussen 1425 en 1452), zal het, dit keer ongetwijfeld, gewaardeerd worden. de klinkende verschijning van een nieuwe plastische taal wat onder andere de introductie van perspectief omvat door de schalen van de afgebeelde figuren te reguleren.

Als Ghiberti's werk voor de doopkapel een innovatie in de beeldhouwkunst vertegenwoordigt, dan is dat van Masaccio (1401-1427) op het gebied van schilderkunst. De fresco's die de kunstenaar maakte voor de Brancacci-kapel, in de Florentijnse kerk van Santa Maria del Carmine, vertegenwoordigen een ware revolutie. Onder hen de magnifieke Het eerbetoon aan Caesar, wiens realisme en kracht van zijn figuren voor zijn tijdgenoten een ware openbaring moeten zijn geweest. Op dezelfde manier lijkt het gedurfde architecturale perspectief in zijn fresco The Trinity, in Santa Maria Novella, een gat in de muur van de kerk te openen. Het is het "venster" waar Alberti over spreekt; Masaccio heeft het eindelijk werkelijkheid gemaakt.

Brunelleschi en de onmogelijke koepel

Sinds het midden van de 14e eeuw wilden de Florentijnen hun kathedraal voorzien van een koepel die het de grootste van het christendom zou maken.. De omvang van het project had echter de angst van de architecten bevroren: er moest maar liefst 43 meter diameter worden bespaard, maatregelen die praktisch gelijk waren aan die van het Pantheon in Rome. Niemand was er sindsdien ooit in geslaagd zo'n koepel op te richten.

Het werk begon uiteindelijk in 1420, toen de Commissie werd verleid door het gedurfde plan van Brunelleschi, dat tot doel had de kolossale structuur zonder de hulp van steigers of vals werk (vanaf de basis van de koepel zou het worden verhoogd met behulp van strips horizontaal). Het project duurde 16 jaar (een belachelijke tijd als we rekening houden met de omvang van het bedrijf). In 1436, en volgens Alberti's eigen woorden, bedekte de koepel van Florence "heel Toscane met zijn schaduw". Sinds het Pantheon, dat wil zeggen sinds de Romeinse tijd, was zoiets nog niet bereikt. De koepel van Brunelleschi is een ware mijlpaal in de renaissance-architectuur.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "Is er een kunst objectief gezien beter dan een andere?"

De andere renaissancecentra

Florence was het onbetwiste centrum van waaruit het humanisme en de nieuwe renaissancetaal uitstraalden, maar er waren andere Italiaanse centra die deze ideeën oppikten en zich eigen maakten om een eigen versie. Laten we ze hieronder bekijken.

Rimini onder leiding van Segismundo Malatesta, gebruikte de nieuwe artistieke uitdrukking als basis van zijn officiële propaganda. De renaissance van het Malatesta-hof was in wezen gebaseerd op de ridderlijke geest en kennis van de klassiekers. Een van de voorbeelden van de renaissance in Rimini is de kerk van San Francesco, ontworpen door Leon Battista Alberti. Daarnaast trok Malatesta ook de schilder Piero della Francesca naar zijn hof.

Venetië was een stad met een grote oosterse lading erachter, die sinds de Middeleeuwen het punt van samenvloeiing tussen de Europese en Byzantijnse wereld vertegenwoordigde. Als zodanig neemt de Venetiaanse Renaissance nog steeds Byzantijnse modellen en combineert ze met een Romeinse architectonische en decoratieve woordenschat.

Voor zijn deel, Federico de Montefeltro ontwerpt een immens programma om talent naar zijn hof in Urbino te lokken, waaronder de vooraanstaande Piero della Francesca, wiens portretten van de hertog en hertogin van Urbino in strikt profiel, die Romeinse munten nabootsen, beroemd genoeg is. Over het algemeen combineert de iconografie christelijke en mythologische elementen, iets wat overigens gebruikelijk is in renaissancekunst.

Eindelijk, in Mantua put Ludovico Gonzaga uit zijn voorliefde voor de klassieke oudheid om de stad te hervormen. Hiervoor telt het onder meer met Leon Battista Alberti (Kerk van San Andrés) en Andrea Mantegna (fresco's in de kamer van de echtgenoten). De aandacht voor kunstenaars in de Renaissance impliceert dat ze een veel hogere status hebben dan in voorgaande eeuwen. Zo gaf Mantegna opdracht tot de bouw van zijn paleis in Mantua, dat de typische modellen van renaissance-architectuur volgt waarvan de geometrie de voorschriften volgt van de Romeinse architect Vitruvio, de referentie van de architectonische schrijver van de tijdperk.