Hvordan skille romansk fra gotisk: deres 4 hovedforskjeller

Romansk og gotisk er to ord som er godt kjent for oss. De som har blitt minimalt introdusert for middelalderens kunst, vil i store trekk kjenne de viktigste forskjellene mellom en stil og en annen.

Men vi er ikke alltid klare med hensyn til egenskapene deres, og mange ganger forveksler vi hverandre med hverandre. Derfor vil vi se i denne artikkelen et sammendrag av forskjellene mellom gotisk og romansk, med noen eksempler.

• Relatert artikkel: "Hva er de 7 kunstene? Et sammendrag av dets egenskaper"

Grunnleggende forskjeller mellom romansk og gotisk: skille mellom begge stilene

Arkitektur var hovedkunsten i de første århundrene i middelalderen. All annen kunst ble underlagt den ene eller andre måten til det, og spesielt i den romanske. Seinere, Under de første manifestasjonene av gotikken begynte vi å oppfatte en begynnende frigjøring mellom de forskjellige kunstneriske teknikkene.

Uansett må en ting gjøres klart fra begynnelsen: ingen stil er helt ren. Det vil si at vi ikke i noe århundre vil finne en romansk som viser absolutt alle sine kanoniske egenskaper. Noen ganger vil vi finne orientalske påvirkninger, andre et originalt og unikt uttrykk, som i Nord-Europa. Og det samme med gotikken. Selvfølgelig er det ikke det samme å snakke om den franske eller tyske gotikken som den som utviklet seg i Middelhavsområdet.

Det er imidlertid mulig å finne en serie retningslinjer som kan hjelpe oss, og mye, med å skille en stil fra en annen. La oss se dem.

1. Mørke festninger kontra flerfargede katedraler

I løpet av den romanske perioden finner vi massive og sterke bygninger, som minner oss om middelalderslott. Veggene er tykke og har ingen åpninger, så interiøret er ganske mørkt.

Dette er en av hovedforskjellene mellom de to stilene: under gotikken oppfattes en mentalitetsendring, og åpen interiør og lysspill blir fremmet, oppnås ved hjelp av store glassmalerier og høye og tynne vegger.

Denne endringen var delvis en konsekvens av forbedringer gjort av gotiske arkitekter, som med hell inneholdt taket ved hjelp av originale teknikker. Dette lette forlengelsen av veggene og utseendet til store vinduer.

Derfor, hvis vi er inne i en kirke eller katedral og den er full av glassmalerier, kan vi umiddelbart relatere den til gotikken. Under romansk tid hadde ikke teknikken med å inneholde veggene utviklet seg så mye at den tillot slike åpninger i veggene. Hadde han gjort det, ville kirken ha falt fra hverandre.

• Du kan være interessert: "5 temaer om middelalderen som vi må få ut av hodet"

2. De nye teknikkene til gotikken

Hvordan gjorde de gotiske arkitektene det? Gjennom oppfinnelsen av et unikt og originalt element: den flygende støtten. Visuelt kan vi gjenkjenne det umiddelbart: det er den som gir den gotiske konstruksjonen utseendet til en stor krypende edderkopp.

Flygende støtter er utvendige buer som starter fra veggene i bygningen og tømmer trykket fra disse utover. For å motvirke dette trykket er rammene anordnet mot disse flygende rammene, også på utsiden, slik at alt trykket er perfekt balansert.

Så å se disse enorme "edderkoppbena" i en kirke eller katedral innebærer å være foran et gotisk monument.

3. De har forskjellige typer hvelv

Dette er en mye mer teknisk funksjon, men også umiskjennelig for å skille romansk og gotisk. Vi vil se dem eksemplifisert med bilder fra Wikimedia Commons.

I den tidlige romanske var den mest brukte typen tak fathvelvet, det enkleste av alle alternativene. Det er rett og slett en halvcirkelformet bue (det vil si halvcirkelformet) utvidet i rommet. Denne typen hvelv er veldig typisk for det franske området.

I hele romansk oppfant normannerne en annen type hvelv, det såkalte lyskenhvelvet, som ikke er noe annet enn kryssing av to fathvelv. Denne typen hvelv tillater en større inneslutningskraft av takets vekt.

Til slutt finner vi det ribbet hvelvet på slutten av den romanske. Det er det karakteristiske hvelvet i den senere gotiske perioden, den vi ser i alle gotiske katedraler. Denne typen hvelv støtter alt presset i taket på ribbeina, som deretter overfører det til bakken. Derfor er resten av taket bare "fylt", siden det ikke lenger har den støttefunksjonen som romansk ga det.

4. Fra stivhet til naturlighet

Romansk skulptur og maleri forsøkte ikke å kopiere naturen nøyaktig. Dette er en av ideene vi må være tydeligere hvis vi raskt vil skille den ene stilen fra den andre.

I de første århundrene i middelalderen var kunsten bare et redskap for å uttrykke ideer. Selvfølgelig ble skjønnhet tatt i betraktning (bare se på de fantastiske miniaturene i kodeksene), men i første omgang, Romansk er en mye mer uttrykksfull enn dekorativ stil. Hans bilder, enten det er i treskjæringer eller fresker, formidler et budskap; hvert element plasseres etter en etablert ordre, et skjema, en konseptuell logikk.

Med ankomsten av gotikken forvandles alt. Eller rettere sagt, vi kan si at det er den gotiske stilen som best uttrykte denne endringen: litt etter litt blir kunstnerne interessert i å kopiere virkeligheten, verdenen som omgir dem. Det er triumfen til humanisme og naturalisme. La oss se på noen detaljer som vil hjelpe oss å forstå denne prosessen.

Verandaene

Både i romansk og gotisk snakk fasader på kirker og katedraler til oss. Det må tas i betraktning at det store flertallet av befolkningen i middelalderen ikke visste hvordan de skulle lese eller skrive, så, for å gjøre Bibelen kjent ble kunsten brukt som et uttrykksmiddel.

I de romanske portikkene finner vi alltid den samme strukturen: inngangsdøren (noen ganger delt i to av en voldsomt dekorert søyle) og over den halvcirkelen der trommehinnen. I tympanum ser vi alltid, som den sentrale skikkelsen som alle de andre blir distribuert fra, pantokraten eller Kristus i majestet, omgitt av en mandorla (mandel på italiensk) som symboliserer hans guddommelige essens, og som også tjener til å markere hans figur i sammensetning.

Rundt pantokratoren er det vanlig å finne tetramorfene, det vil si representasjonen av de fire Evangelister: Eagle of Saint John, Bull of Ox of Saint Luke, Lion of Saint Mark og Angel of Man of Saint Matthew. Selv om ikonografien rundt Kristus kan variere (det kan også være fremstillinger av andre helgener, eller til og med enkle geometriske figurer), Skulpturell stil i en romansk kirke vil alltid være den samme: hieratisk, majestetisk, repeterende og blottet for ethvert forsøk på representasjon naturforsker. Hvis vi er foran en slik portik, vil vi være foran en romansk bygning.

På den annen side begynner alt i gotikken å transformere seg. Mentaliteten er ikke lenger den samme, det er tiden for byene, for aktiv handel. Av borgerskapet, av de første bankfolkene. Vi står ikke lenger overfor et landlig samfunn, men et utpreget urbant samfunn. Individualisme begynner å ta sine første skritt, og med det revurderingen av mennesket og hans følelser.

Og dermed, skulpturelle representasjoner begynner også å humanisere. Selv om motivene fortsatt er (Kristus i majestet, de helliges representasjoner osv.), Har utseendet deres endret seg bemerkelsesverdig. I skulpturene til gotiske katedraler (som Chartres, i Frankrike), blir de hellige vesener av kjøtt og blod. Ansiktene blir myke. Hans bevegelser er mer naturlige. Brettene på klærne hans faller lettere og mer realistisk. Gjentakelsen av ordninger blir mindre og mindre kraftig, og kunstneren får gradvis en viss representasjonsfrihet.

Bildene av Jomfruen

Hvis du har hatt muligheten til å se en romansk utskjæring av Jomfruen og barnet, vil du ha innsett at kunstneren ønsket å representere alt bortsett fra ideen om morskap. Maria er ikke en kvinne med sitt nyfødte barn, men er intet mer enn en trone for den lille forløseren. Jomfruen er begrenset til å holde barnet, men kommuniserer ikke med ham. Jesus virker uvitende om morens nærvær; han ser på oss og velsigner oss. Det er ikke en baby, det er ikke et barn: det er Gud selv.

Imidlertid, med fremgangen til gotikken og dens begynnende naturlighet, blir disse representasjonene også transformert. Litt etter litt blir Maria mor. Og i en autentisk mor: hun går fra å være bare et sete for barnet, til å være en mor som leker med babyen sin, kjærtegner det, kysser det, gir det leker eller mat. Og Jesus går igjen fra å være Gud inkarnert til å være ganske enkelt et barn. Han snur seg, ser på moren, løfter hånden og leker med kappen, vrir seg i armene som en ekte baby. Det er den gotiske triumfen.

Igjen, uten tvil: Hvis du ser en slik fremstilling, står du foran en gotisk skulptur. For selv om vi finner noe "naturaliserte" eksempler i den romanske, og også hieratiske eksempler i Gotisk, den vanligste er at fra det 12. århundre begynner jomfruene å smile og barna leker og oppfører seg som barn.

Fødselen av altertavlene

Gotikken er alderen til de store altertavlene. Og hva er en altertavle? Vi kunne definere det som en stor middelalderlig tegneserie, som fortell oss en rekke sammenhengende scener en historie, enten fra Kristi liv, jomfruen eller en helgen.

I romansk stil var maleriet begrenset til fresko (på vegg), på panel (tre) og på papir (miniatyrer av bøker). Allerede på den tiden ble historier oppfattet som en "tegneserie", men det er på gotikken når denne uttrykksformen finner sin store prakt.

Kirker og katedraler er fylt med fargerike altertavler, som viser lyse og muntre fargerspesielt blått, rødt og gull. Figurene som er representert i dem blir mer og mer menneskelige, som i tilfelle jomfruene nevnt ovenfor. Kunstnerne begynner å legge vekt på landskapet, til de romlige elementene, som i romansk ikke hadde fått den minste betydning.

Slik sett etablerer den italienske Giotto (1200-tallet) det som vil være en ny kunst i maleriet, ved å gi scenene sine en mer eller mindre presis plassering og prøv en finanse av perspektiv og proporsjon.

Langt borte er de romanske tabellene, der forskjellige karakterer og realiteter ble satt sammen hverandre uten noen form for romlig forhold mellom dem. Gotikk er fremdeles et middelalderspråk, og vi kan ikke tenke på det som en renessansekunst; det bevarer fremdeles det fantastiske språket og opprettholder foreningen av verdener, himmel og jord, fra fortid og nåtid. Det er ennå ikke en naturalistisk kunst.

Men litt etter litt vektlegger kunstnerne representasjonen av virkeligheten mer og merav den verden som øynene deres ser; og allerede på 1400-tallet, i slutten av gotikken, var de flamske primitivene, inkludert Van Eyck, definitivt nedsenket i representasjonen av den fornuftige virkeligheten med all overflod av detaljer.

Så når du går til en kirke og ser en flott altertavle, alt skinnende med gull og farger, med sidestillede scener som en tegneserie og et visst antydning til realisme, vil du møte et verk gotisk. Tilsvarende, hvis du ser et maleri der kunstneren har prøvd å representere (med noen vanskeligheter) a perspektiv og andel, selv når det er representert med fullt middelalderspråk, vil du også møte et Gotisk arbeid.

Hvis det du ser i stedet er en fresko i apsis til en kirke, med kolossale og majestetiske figurer, helt flat og uten noen følelse av rom og proporsjon mellom dem; Hvis fremfor alt, i midten av bildet, står en storslått Kristus i majestet, vil du sannsynligvis være foran et romansk verk.

Bibliografiske referanser

• Conti, F. (1980). Hvordan gjenkjenne romansk kunst, Barcelona: Ed. Médica y Técnica
• Gombrich, E.H. (1997). Kunsthistorien. Madrid: Debatt.
• Gozzoli, M.C. (1980). Hvordan gjenkjenne gotisk kunst. Barcelona: medisinsk og teknisk red.
• Ulike forfattere, (2007). Historical Atlas of Medieval Culture, Milan: Jaca Book.